La Victoria de Samotracia

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La Victoria de Samotracia. Obra de Pithókritos de Rodas? Escultura helenística. Hacia 190 a.C. 2,45 m. Museo del Louvre. París
Es una obra original, procedente del
Santuario de Cabiros, en Samotracia. Realizada en mármol, en bulto redondo. Elevada sobre la proa de un barco de piedra, formaba un espectacular conjunto escultórico erigido en la cumbre de un santuario rocoso, probablemente con una fuente a sus pies en cuyas aguas se reflejaba.
Tema: Es una Niké o Victoria, representada como una mujer con alas que acaba de posarse con brío sobre la proa de un navío. Aún mantiene las alas desplegadas y sus ropas se arremolinan por el viento marino. La estatua ha perdido la cabeza y los brazos. Viste un fino jitón transparente atado con un nudo bajo el pecho, que presiona la tela. Los infinitos pliegues del ligero vestido fluyen alrededor del cuerpo, se pegan al pecho y vientre, insinúan y realzan las bellas formas redondeadas. Descansa el peso sobre la pierna derecha mientras la izquierda va hacia atrás, en una suave y larga ondulación.
La composición es abierta, las líneas eje de la obra son las diagonales y curvas, que producen desequilibrio. De frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran línea diagonal que enlazaría desde la pierna hasta la perdida cabeza. El dinamismo de la composición se completa con las múltiples y delicadas curvas del vestido. El movimiento impetuoso de la niké se expresa en los paños que se agitan y vuelan y en las alas desplegadas hacia los lados y atrás. El escultor ha querido captar el instante en que se posa.
El modelado de las formas está conseguido con gran expresividad. El artista ha sabido expresar a la perfección los efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio anatómico de gran habilidad técnica. Delinea con pericia los senos, el vientre y las diferencias de grosor de las piernas. El ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo, vela las formas y las carga de sensualidad y misterio, volviendo más hermoso el cuerpo de la Niké. El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando violentos contrastes de luz y sombra. La factura de la obra es refinada, virtuosa, bien trabajadas las diferentes texturas (telas, plumaje de las alas, etc).
Estilo: la obra presenta las características del arte helenístico, último periodo de la escultura griega: complicación compositiva, ilusionismo escenográfico, grandiosidad y ruptura de la proporción clásica, realismo, ruptura del equilibrio, gusto por el movimiento, la tensión dramática, sensualidad y belleza, habilidad técnica. El autor se basa en modelos clásicos anteriores, percibiéndose la influencia de Fidias en la técnica de paños mojados, pero es más realista.
Función: destinada a conmemorar una batalla naval en que los rodenses vencieron a Antíoco III de Siria. Simboliza el triunfo.
El escultor y su época: la obra, una de las más bellas del mundo antiguo, se atribuye a Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas, una de las principales de la etapa helenística (siglos III-II-I a.C). A ella se deben obras tan famosas como el Coloso de Rodas, una de las siete maravillas de la Antigüedad, y los grupos del Laocoonte y sus hijos y El toro Farnesio.
Tras las conquistas de
Alejandro Magno, la cultura griega se difunde y fusiona con la oriental, surgiendo una cultura de gran lujo y refinamiento estético. Es la fase barroca del helenismo, de enorme variedad del gusto: conviven la idealidad y el realismo, la belleza y la deformidad, los temas dramáticos y los cotidianos, representándose todos los estadios del ser humano (de niños a ancianos). Los clientes serían la minoría rica y poderosa de la época.


A NÁLISIS: david de miguel angel
1. Análisis material :
Es una escultura esculpida en mármol, de una sola pieza y de grandes
dimensiones, por lo que su dificultad escultórica es mayor. La obra carece de
añadidos o postizos de otros materiales.
2. Análisis formal :
Sigue los principios de la escultura clásica, evidenciándose en la diartrosis, el
contraposto e incluso en la curvatura que se conoce como la S praxiteliana. Sin
embargo, el idealismo formal se acompaña de un trabajo muy profundo en el
cabello, buscando el contraste de luces y sombras, y una cierta expresividad en la
concentración del rostro, lo que le apartarían del Clasicismo griego.
3. Análisis significativo :
Lo que diferencia la obra del Clasicismo Grecorromano es el tema, puesto que
representa a un personaje del Antiguo Testamento, David. La Historia de David, un
joven que demostró la protección divina al vencer al gigante Goliat por su
inteligencia -con una certera pedrada con la honda- se convierte en un símbolo
posterior, en cuanto el valor y la sabiduría pueden ser superiores a la fuerza. Esta
simbología es aprovechada en momentos posteriores para ejemplificar los valores
del poder político.
COCLUSIÓ:
La tendencia a la inspiración en los modelos clásicos, pero con temas cristianos,
nos induce a pensar que se trata de una obra del Renacimiento italiano. La
perfección formal y la fuerza expresiva nos lleva a pensar que se trata de una obra
de Miguel Ángel , concretamente David , que se conserva en el Museo de la
Academia de Florencia.
COMETARIO:
Miguel Ángel es un artista florentino, que nace a finales del siglo XV -1475- y
muere en la segunda mitad del siglo XVI -1564-. Se forma en Florencia, copiando
obras de la Antigüedad, más tarde marcha a Roma, donde asiste a la recuperación
del Laocoonte, obra que le impresionará por la expresividad, el movimiento y el
desarrollo muscular.
En Roma es nombrado arquitecto de las obras de la iglesia de San Pedro del
Vaticano , tras Bramante. Su aporte fundamental será la construcción de la cúpula y
la modificación de la planta de la iglesia. Bramante la proyectó con los dos brazos
iguales, de cruz griega, en cambio Miguel Ángel alarga el brazo longitudinal,
perdiendo el carácter de planta centrada. También en Roma modifica el urbanismo
de una de las zonas más características, el Campidoglio , creando una gran escalera
y una plaza. Será también en Roma, donde el Papa Julio II le encargue su sepulcro y
la decoración pictórica de la Capilla Sixtina. Las bóvedas las decorará con temas
del Antiguo Testamento, como la creación, y del Mundo Clásico, como las Sibilas,
anunciadoras del nacimiento de Cristo. En el muro pintará el tema del Juicio Final .
En Florencia, petición de los Médicis, construye la Sacristía ueva de la
Iglesia de San Lorenzo , para que sirviese de Panteón a los miembros de esta
familia. La decoración escultórica de este panteón se ha convertido en emblemática,
al crear unos modelos contrapuestos que tendrán gran influencia posterior: La
Aurora, El Día, El Crepúsculo y La Noche. En estas obras se advierte claramente
una de las grandes aportaciones de Miguel Ángel a la escultura: la técnica del “non
finito”, no acabado. Consiste en dejar zonas en las que se insinúan las formas,
trabajando apenas el mármol, junto a zonas muy pulidas. Con ello se busca
aumentar la profundidad y la expresividad de la representación. También en
Florencia construye la Biblioteca Laurenciana.
Entre las obras escultórica más representativas de Miguel Ángel están las
siguientes:
- La Virgen de la Escalera , que se conserva en Florencia. Es una obra de
juventud, pero donde están presente algunas de las características propias
de Miguel Ángel: la tendencia a representar figuras de gran desarrollo
muscular y la técnica de representar la profundidad, mediante la utilización
de planos en bajo, medio y altorrelieve.
- David . Lo esculpe de un solo bloque de mármol, para conmemorar y
significar la victoria de la ciudad de Florencia frente a las ciudades
vecinas.
- La Piedad . Es un tema muy recurrente en Miguel Ángel. La más conocida
es la Piedad del Vaticano, de gran equilibrio formal. Otras son la Piedad de
la catedral de Florencia, la Piedad Rondanini y la Piedad de Palestrina.
- Las esculturas del monumento funerario de Julio II, como los Esclavos y
el Moisés , que posee esa peculiaridad de la escultura de Miguel Ángel que
se llama la “terribilitá”, una expresividad que transmite la fuerza interior
de los personajes representados.
En suma, Miguel Ángel es uno de los grandes representantes del Renacimiento
italiano, movimiento artístico que se desarrolla en los siglos XV y XVI y que tiene
como principios fundamentales la vuelta a los modelos clásicos, el antropocentrismo
y un individualismo que permite la creación de modelos originales. Artistas como
Rafael, Leonardo o Miguel Ángel fueron capaces de crear unas obras que han
servido de inspiración posterior a otros artistas.