Análisis del Poema 'La Más Bella Niña' de Luis de Góngora: Amor y Ausencia en la Lírica Tradicional

Escrito el 16 de Enero de 2025 en español con un tamaño de 48,87 KB

La Más Bella Niña de Luis de Góngora

Contextualización

Romancillo-letrilla de 1580, obra maestra de la serie de romances líricos del autor. El tono y los versos populares de la lírica tradicional se infiltran en este poema, reelaborados con mayor complejidad y extensión.

El poema entronca con la lírica tradicional de la Edad Media. Al igual que en las jarchas y las cantigas de amigo, el tema es el lamento de una mujer por la ausencia del amado. También en ellas otra mujer hace el papel de confidente, como en este caso sucede con la madre, interlocutora del lamento de la muchacha.

Resumen

Una joven muy bella, recién casada, se queda sola porque su marido se va a la guerra. Se desahoga con su madre, su confidente, diciéndole que la deje llorar por lo poco que le ha durado el placer y la compañía de su esposo.

Tema

Lamentaciones amorosas de una joven recién casada a su madre por la partida de su esposo.

Estructura Externa

Nos encontramos ante un texto completo escrito en versos hexasílabos, de arte menor, que se agrupan en estrofas de ocho versos; al final de cada una se repite un estribillo formado por un pareado de versos pentasílabos y rima consonante; mientras que la rima de las estrofas es asonante en los versos pares y quedan libres los impares. Se trata de un romancillo (composición poética de arte menor similar al romance, pero con versos de menos de ocho sílabas). El discurso que predomina es un soliloquio de la joven dirigido a su madre para que la deje desahogarse.

Estructura Interna

El poema está estructurado en dos partes:

Versos 1-8: Introducción en tercera persona del tema: el lamento de una bella muchacha recién casada por la partida de su esposo a la guerra.
Versos 11-60: En primera persona (soliloquio). La voz de la protagonista se queja de que la hayan casado tan joven y de la perspectiva de vivir sola.

Características de la Poesía Barroca Presentes en este Poema

En este poema, Góngora imita las cancioncillas de la lírica tradicional de la Edad Media. Con ellas comparte la estructura, la temática y la métrica. Efectivamente, se trata de unas lamentaciones amorosas en boca de una chica joven que se lamenta por la ausencia de su marido que se ha ido a la guerra. La función de confidente, con quien se desahoga, es su madre. La métrica con versos de arte menor y rima asonante es propia de estas composiciones.

Sin embargo, notamos la mano en su composición de un autor culto, como es Góngora: la métrica perfecta, la presencia de rimas consonantes y la propia extensión del poema, demasiado extenso para ser medieval. Y además la presencia llamativa de muchas figuras retóricas, propias de la elaboración culta.

Figuras Literarias

Figura	Versos	Ejemplo	Explicación
Paralelismo	13 y 14	Tan corto el placer Tan largo el pesar	Repetición de la misma estructura sintáctica. Se consigue ritmo. En estos versos tenemos también antítesis.
Elipsis	3 y 4	Hoy viuda y sola Y ayer por casar	Se sobreentienden los verbos "está" y "estaba". Se consigue concisión en la expresión.
Sinécdoque	5	Viendo que sus ojos	Se toma una parte del marido, como son sus ojos, por todo él. A través de él, de sus ojos, miraba ella el mundo; se ha marchado a la guerra y ha perdido la ilusión por vivir.
Antítesis	23 y 24 3 y 4 17 y 18 35 y 36	El sabroso oficio Del dulce mirar Hoy viuda Ayer por casar Yéndose a la guerra / quien era mi paz Si me queréis bien No me hagáis mal	Contraposición de lo que significa la marcha: de vivir feliz ha pasado a sufrir por su marcha.
Comparación	44	El pecho como un pedernal	Compara la dureza del corazón con algo duro como es una piedra.
Metáforas	15 17 y 18	Y me cautivaste De quien… De quien hoy se va / y lleva las llaves / de mi libertad.	Al casarla su madre con ese hombre perdió su libertad de soltera, término real de la expresión metafórica: "cautivaste". El término real al que se refiere la metáfora es su matrimonio. Se ha comprometido con ese hombre.

Estilo

Nos hallamos lejos de la complejidad estilística de las composiciones cultas de Góngora. Existe, no obstante, una mayor elaboración que en la lírica tradicional anterior al siglo XVII.

"Ándeme yo caliente" de Góngora

Contextualización

En palabras de Biruté Ciplijauskaité, resulta difícil calificar los sonetos amorosos de Góngora como tales. “Sí corresponden al tema, pero son completamente impersonales, fríos, puramente descriptivos, inspirados en modelos petrarquistas. No logramos imaginar detrás de ellos al poeta; sospechamos que sigue los tópicos del día; sabemos, según su primer biógrafo, que “escribió muchos versos amorosos a contemplaciones ajenas: no se le prohíjen a su intento” […] Son sonetos de perfecta hechura arquitectónica que se apoya en contrastes de colores y pone de relieve la sonoridad de las palabras. Teniendo esto en cuenta, se comprenden las acusaciones de “superficialidad” y “juego puro” que se le han hecho. Hay demasiada estilización, y si tuviéramos que juzgar por los sonetos, nos inclinaríamos a afirmar que el poeta nunca estuvo enamorado.” También Jammes hace notar que el soneto seguramente fue escrito en nombre de algún galán, ya que en este año (1620) Góngora mismo tendría pocas ganas de galanteo, con sus 59 años, sus deudas, y el sentimiento de desengaño cada vez más fuerte.

Tema

Una anécdota insignificante, enunciada al principio del soneto (De una dama que, quitándose una sortija, se picó con un alfiler) da pie a Góngora para crear una composición poética de gran complejidad formal. La dificultad de la composición destaca sobre el contenido de la misma. Clori es un nombre poético, algunas veces identificado con Catalina de la Cerda, otras, con Brianda de la Cerda, hija del marqués de Ayamonte.

Estructura Externa

Soneto de 1620. Dos cuartetos y dos tercetos de rima consonante. ABBA, ABBA, CDE, DCE.

Estructura Interna

El poema conserva la división tradicional de entre los cuartetos expositivos y los tercetos conclusivos.

En el primer cuarteto un diamante, símbolo de la firmeza del amor del poeta, aprisiona el dedo de la dama.
En el segundo cuarteto explica cómo Clori, sintiéndose oprimida por el anillo, se lo quita impaciente.
El alfiler hiere la mano de Clori en el primer terceto.
El segundo terceto desarrolla la comparación entre la blancura de la piel de la dama (marfil de la India) envidiada incluso por la diosa Aurora.

Estilo

Tanto el léxico, con abundancia de cultismos, como los hipérbatos y metáforas de difícil interpretación, como el uso insólito de la diéresis hasta en siete ocasiones, convierten este soneto en una de las composiciones típicamente culteranas de Góngora. En el plano fónico, las aliteraciones en “r” del primer verso y de “i” en todo el poema marcan el ritmo del poema.

Romance de un Prisionero de Góngora

Introducción

Véanse comentarios anteriores sobre el mismo autor.

Tema

El lamento de un galeote por faltarle su libertad.

Estructura Externa

Se trata de un romance nuevo que sigue, en gran medida, las pautas del romance tradicional. Como tal, la estructura métrica de esta tirada no es otra que la de los versos octosílabos, con rima asonante en los versos pares, quedando libres los impares; es decir: 8-, 8a, 8-, 8a.

Estructura Interna

El poema se puede dividir en tres partes:

En la primera nos encontramos con un narrador que nos introduce al personaje principal y sus circunstancias. Esta sección abarca los versos desde el 1 al 8.
La segunda parte iría desde el verso 9 hasta el 36. Aquí el galeote expresa su añoranza.
La última parte es la tercera, que ocuparía los versos desde el 37 hasta el 40, que es donde volvemos a encontrarnos con el narrador.

Análisis

Empieza el poema con un largo hipérbaton que ocupa toda la introducción. Destaca la primera palabra, «Amarrado», que aporta unas connotaciones muy plásticas que condicionan al resto del léxico. Amarrar es un verbo que suele aplicarse a los animales, sin embargo, en el poema se aplica a un ser humano, por consiguiente, es obvia la dureza de la escena. En cuanto al hipérbaton, diríamos que trasladado a la sintaxis habitual, quedaría:

Un forzado de Dragut, amarrado al duro banco de una galera turquesa, (con) ambas manos en el remo y ambos ojos en la tierra, se quejaba, al ronco son del remo y de la cadena, en la playa de Marbella.

También destacaríamos la estructura paralelística de los versos 3 y 4, característica de la poesía de carácter popular:

«ambas manos en el remo
y ambos ojos en la tierra»

Conclusión

Se trata de un romance perteneciente al romancero nuevo. El poema busca la verosimilitud y para ello aporta un nombre real, como es la del corsario Dragut o la presencia de la playa de Marbella. Sigue el poema las pautas del romancero viejo, como el inicio in media res o el final truncado. No abunda en recursos estilísticos y predomina la técnica narrativa de este tipo de composición, aun con secuencias, en algunos versos, de índole lírica. Por la incertidumbre con la que se cierra el poema, podríamos considerar que el poema sigue una estructura ascendente.

Soledad Primera de Luis de Góngora

Contextualización

“Soledad primera” es una obra escrita por el autor barroco Luis de Góngora. Nació en Córdoba, donde vivió una juventud alegre y libre. Se recorrió toda España asistiendo a numerosas tertulias y academias literarias. Criticaba a los autores de su época y, a su vez, fue criticado por ellos; especialmente Quevedo, con el que mantenía una dura rivalidad. Murió a los 65 años de apoplejía en su ciudad natal. Su obra se puede dividir en dos períodos: el tradicional, a través de poemas cortos que tratan temas ligeros, de carácter popular; y un periodo en el que se vuelve culterano, empleando composiciones largas con lenguaje y figuras retóricas complejas que a menudo hacen difícil su lectura. "Soledad primera" se localiza en este segundo periodo. Muchos pensaron que la intención de Góngora era escribir cuatro soledades que correspondieran con las cuatro estaciones del año, pero solo llegó a escribir la primera y parte de la segunda. "Soledad primera" contiene 1091 versos, de los cuales solo analizaremos los 61 primeros.

Tema

El tema del extenso poema gira en torno al tópico del Beatus Ille (Dichoso aquel) que alaba la vida sencilla mediante el abandono de la ciudad, buscando el refugio en el campo. Es un menosprecio a la corte y una exaltación a la vida de campo, pastoril.

Estructura Interna (primeros 61 versos)

Introducción (versos 1-14): Se nos presenta el personaje principal, un náufrago, un peregrino de amor, apartado de su amada, vertiendo al mar sus lágrimas de desgracia. En este inicio encontramos referencias mitológicas: la historia de Arión que navegó de Tarento a Corinto, con muchas riquezas encima, perseguido a punto de morir. Con su cítara produjo un sonido que llamó a los delfines y, montado en ellos, se salvó. Y el mito de Júpiter, disfrazado de Toro, robando a la princesa Europa.
Nudo (versos 15-51):
- Versos 15-29: El náufrago valora la resistencia de la tabla en la que se aferra para mantenerse a flote. En estos versos se alaba la vida sencilla y se desprecia la corte, la guerra, la navegación…
- Versos 29-33: El náufrago, agradecido, ofrece a la primera roca de tierra firme el objeto más preciado que posee: la tabla que le ha salvado la vida.
- Versos 34-41: El peregrino se desviste y extiende su ropa al Sol para secarla.
- Versos 42-51: Habla de horizontes en la oscuridad de la noche y confunde olas con enormes montes y a la inversa. No distingue dónde empieza el mar y dónde acaba la tierra.
Desenlace (versos 52-61): El náufrago se sube a una montaña y distingue una luz de una cabaña, se trata de un puerto.

Estructura Externa (ejemplo con los primeros 14 versos)

"Soledad" es una silva, de versos heptasílabos y endecasílabos sin orden. La rima de muchos versos coincide, pero el poema no sigue un esquema u orden aparente. Veamos el análisis de los primeros 14 versos:

Era del año la estación florida A
en que el mentido robador de Europa B
(media luna las armas de su frente, C
y el Sol todos los rayos de su pelo), D
luciente honor del cielo, D
en campos de zafiro pace estrellas, E
cuando el que ministrar podía la copa B
a Júpiter mejor que el garzón de Ida, F
náufrago y desdeñado, sobre ausente, C
lagrimosas de amor dulces querellas E
da al mar, que condolido, G
fue a las ondas, fue al viento H
el mísero gemido, G
segundo de Arïón dulce instrumento. H

Figuras Literarias

Hipérbatos: A lo largo de todo el poema. Por ejemplo: Era el año de la estación florida
Metáforas: Que hacen alusión a la mitología (Júpiter o Arión); se compara el mar con un desierto de olas: que a una Libia de ondas su camino
Hipérboles: Las desgracias del peregrino son tan intensas que conmueven hasta al fiero viento y al raudo mar: lagrimosas de amor dulces querellas da al mar, que condolido, fue a las ondas, fue al viento
Prosificación: La obra, en vez de parecer un poema, se asemeja a una narración, no solo por su extensión, sino también por la forma en que se exponen los hechos.
Símil: Se compara la tabla en la que se sustenta con los delfines que salvaron a Arión.
Personificación: El Sol lame la ropa para secarla: y al Sol lo extiende luego, que, lamiéndolo apenas
Antítesis y oxímoron: Arena/agua; luna/sol.
Campo semántico del puerto: “farol”, “ferro”, “golfo”, “puerto”.

Conclusión

Góngora hace un gran cambio pasando de poemas populares a poemas cultos y de gran complejidad. "Soledad primera" es un poema de 1091 versos, en el que se emplea la técnica de la prosificación: el texto se asemeja a una narración o historia. Mediante una silva llena de figuras literarias complejas, referencias mitológicas y rima variada, Góngora hace que el espectador no solamente se centre en lo estético, sino en el contenido argumental de su obra.

"Mira, Zaide, que te aviso..." de Lope de Vega

Introducción

El autor del poema es Lope de Vega (1562-1635). Como solía, el poeta vierte en verso sus experiencias amorosas. En estos, el fingimiento consiste en recrear una situación propia de los romances moriscos. La traslación a la realidad nos lleva a los amores del poeta y Elena Osorio, quien en otros versos aparece con el nombre de Filis. El poeta se oculta detrás de un personaje. Se finge una escena de ambiente morisco para contar un suceso real. Se entiende que Lope lanzó al vuelo comentarios en los que se aireaba su relación con Elena Osorio, aquí, Zaida, lo cual le llevó a la dama a decir tanto como lo leído en el poema.

Recordemos que allá por el siglo XVI, la corriente novelesca y romancista que trataba sobre la vida de los moriscos tenía una buena recepción entre el público. La misma historia que nos cuenta Lope será aprovechada por Ginés Pérez de Hita (Mula, Murcia, 1544 - 1619), autor del momento, para recrear las ensoñaciones moriscas. Es más, Pérez de Hita incluye en su obra algunos de los romances de temática morisca que compuso Lope, entre estos, el que vamos a comentar. Ello es prueba de la trascendencia que tuvieron los versos del Fénix de los Ingenios.

Tema

Zaida (Elena Osorio) reprocha a Zaide (Lope de Vega) su actitud y justifica su decisión de romper con él.

Estructura Externa

Los versos forman un romance con la estructura habitual, es decir, 8-, 8a, 8-, 8a, con la rima asonante en los versos pares, quedando libres los impares. Se trata de una tirada que se corresponde con una escena. Destacamos el predominio del carácter narrativo, como todo romance, aquí con el predominio de la intervención de un personaje, así como la presencia del narrador. Tengamos presente, en este ejemplo, que se trata de un romance nuevo; o sea, una composición que sigue la técnica tradicional, pero firmado por un autor.

Estructura Interna

Gráficamente observamos tres partes:

Primera parte (versos 1-72): Intervención del personaje, Zaida. Dentro de esta, podemos encontrar subapartados:
- Versos 1-12: Zaida envía una serie de reproches a Zaide.
- Versos 13-24: Ella lo describe.
- Versos 25-60: Se alude a lo lenguaraz que él ha sido.
- Versos 61-72: Debido a la incontinencia verbal de Zaide, se muestran las consecuencias para él.
Segunda parte (versos 73-75): Intervención del narrador.
Tercera parte (verso 76): De nuevo surge la voz de Zaida.

Análisis

El romance recoge una historia sucedida en Granada durante el reinado musulmán. Zaide, enamorado de Zaida, recibe de esta la trenza, de cabellos dorados, como prueba de su amor. Llevado él por su alegría, se la enseña a Tarfe, quien no tarda en dar a entender a Zaida que es una mujer de dudosa honradez, lo cual desata en ella la furia que le lleva a decir lo que nos cuenta el romance.

Es característico de la poesía tradicional, en este caso del romance, las repeticiones sintácticas, como el paralelismo, también las anáforas o el polisíndeton. Todos estos recursos también aquí están presentes.

Prácticamente todo el poema es un apóstrofe de Zaida dirigido a Zaide. Ya el primer verso muestra una firmeza por parte de la dama que nos habla, y tal contundencia se reafirma en el polisíndeton «ni», que se repite en los versos del 3 al 6. Con tal negación, se desgrana todo aquello que ella le prohíbe a Zaide. Pero no termina aquí el uso del polisíndeton en este poema. Hay que decir que toda la composición está salpicada de la conjunción «y», cuya función no es otra que prolongar una extensa lista que recoge todo aquello que Zaida detesta del caballero; obsérvense los versos 15, 25, 26, 27, etc.

Conclusión

Vida y literatura se dan la mano cuando hablamos de Lope de Vega. Su caso particular queda literaturizado, como si no pudiendo guardárselo entre los secretos, el poeta tiene que lanzarlo al ruedo del papel. Este ejemplo es válido para ilustrar lo que decimos, como también es válido como muestra del quehacer de su época que, como en Góngora o Quevedo, entre otros, renuevan el romancero; es decir, partiendo de las formas tradicionales, recrearán historias nuevas.

Como todo romance, este también sigue la forma narrativa, aun con secuencias dialogadas e incluso líricas. Los recursos destacados son de tipo sintáctico, e incluso metafórico. La tensión poética, el clímax, no se guarda hasta el final, sino que se diluye a lo largo de todos los versos.

"Suelta mi Manso, Mayoral Extraño": Análisis del Soneto de Lope de Vega

Introducción

Uno de los sonetos más recurrentes, de los escritos por Lope de Vega, es este "Suelta mi manso, mayoral extraño", en el que Lope utiliza varias alegorías pastoriles para reclamar al amante que le privó del amor de Elena Osorio, que le devuelva a su amada y que no se la conquiste con "collares de oro".

Comentario

El siguiente poema pertenece a la lírica cultivada durante su juventud, en la que destacaban los romances y sonetos de temática más variada, en contraposición a las obras cultivadas en su madurez que abrazaban principalmente temas religiosos. En esta obra, el autor se centra en un tema autobiográfico de carácter amoroso y, además, pastoril con influencias del petrarquismo español. Lope de Vega dedica este soneto a Elena Osorio, una joven con la que mantuvo una tormentosa relación. El argumento principal está basado en la historia de ambos, en la que la muchacha decidió abandonarle por Francisco Perreno, un hombre adinerado y poderoso.

Estructura Temática

del poema se divide en cuatro partes, las cuales coinciden

con el número de estrofas:

-En la primera estrofa, el autor lleva a cabo una petición dirigiéndose al hombre que le ha robado a su

amada, alegando que él puede conseguir a cualquier mujer que desee y, por lo tanto, debe dejar marchar a

Elena.

-En la segunda estrofa, Lope de Vega refleja la rabia que siente hacia él, ya que este se la ha arrebatado

utilizando sus riquezas y alhajas para conquistarla (“y no le engañen tus collares de oro”). La juventud e

inexperiencia de la joven, reflejada en el verso octavo (“que a las primeras hierbas cumple un año”), hace

que esta caiga rendida a los pies del seductor Gravela.

-En la siguiente estrofa, el poeta hace una descripción física de su amante (“…tiene el vellocino, pardo,

encrespado”).

-Por último, en la cuarta estrofa, reta a Gravela a que la deje marchar porque el amor sincero que siente

por él hará que la muchacha vuelva a sus brazos.

El lenguaje empleado es común y cotidiano, pero consta de una gran abundancia de adjetivos (pardo,

extraño, regalado…) y también introduce referencias personales empleando numerosos posesivos (“su

esquila”, “mi manso”, “tu bien”, “mi daño”). Además, utiliza el modo imperativo y los vocativos,

preferentemente, en la primera y cuarta estrofa (“ponle su esquila”, “mayoral extraño”, “deja la prenda”).

En cuanto a la métrica, se trata de un soneto (típico de la lírica italianizante), de versos endecasílabos, de

rima consonante que siguen el siguiente esquema: ABBA-ABBA en los cuartetos, y CDE-CDE en los

tercetos. El soneto incluye diferentes figuras retóricas propias del Barroco. En primer lugar, todo el poema

constituye una metáfora, ya que Lope de Vega utiliza términos propios del ámbito pastoril, para plasmar

sus vivencias personales de una forma más indirecta. En los versos 9 y 12, encontramos varias anáforas:

“Si pides señas, tiene el vellocino” “Si piensas que no soy su dueño, Alcino” También en los versos 8 y 14:

“que a las primeras hierbas cumple un año”, “que aún tienen sal las manos de su dueño” A lo largo de la

composición, el autor hace una repetición clara de la conjunción “y”. En el verso 4 y 7 encontramos dos

antítesis muy pronunciados (“perdida por tu bien y por mi daño”, “blanco toro”). Además, en el verso 11

está presente una comparación (“…y los ojuelos tiene como durmiendo en regalado sueño”) con la que

hace referencia a la forma de los ojos de la joven.

A pesar de tratarse de un poema del Barroco, el autor no refleja explícitamente la situación de crisis y

dificultades que se vivía en aquella época, sino que la deja en un segundo plano y se centra por completo

en el amor (otro de los temas recurrentes) y en lo que este conlleva. Podemos decir, por lo tanto, que

aunque el poeta goce de un estilo propio y singular, sigue con fidelidad los rasgos que caracterizan al

movimiento

IR Y QUEDARSE...

Comentario hecho por un estudiante (muy mejorable)

El poema, que tiene por título Ir y quedarse, y con quedar partirse, lo escribió para una de sus

amantes, Isabel de Urbina, hacia el año 1588 en Valencia. El tema principal es la ausencia de la amada y el

dolor de la separación. Se publicó en 1634, se encuentra en el poemario titulado Rimas humanas. El poema

se sitúa en la última etapa de Lope, marcada por un gran vitalismo debido a la muerte de su hijo, lo que le

llevó a tener un inmenso temor a la muerte, muy presente en el poema y patente en el último verso.

El tema del soneto es la definición del amor, un amor en silencio, que calla y duele, imposible de olvidar.

También está muy presente el concepto de ignorancia y el engaño amoroso que sufre el amante.

La estructura interna del poema se puede clasificar de la siguiente manera:

Las dos primeras estrofas: el poeta expresa sus sentimientos y reacciones ante un desengaño amoroso.

Expone el inmenso dolor que siente y la angustia vital por no poder estar con su amada. En el primer

cuarteto expone su situación y en el segundo sus sentimientos.

La tercera estrofa: se expone la desesperación del amante. Habla solo, pide fe y paciencia, y considera su

espera y el tiempo que está sin ella eterno. Por lo tanto su única opción es aferrarse a lo eterno.

Cuarta estrofa: a modo de conclusión iguala su vida al infierno.

Se trata de un soneto formado por dos cuartetos y dos tercetos de versos endecasílabos y rima consonante

(ABBA, ABBA, CDE, CDE).

En el poema se emplean un gran número de figuras retóricas:

 Uso reiterado del polisíndeton en los versos 1, 2, 4, 5, 7, 8, 11, 12 y 14.

 Gran número de antítesis: Quedar/partir. Temporal/eterno. Cielo/infierno.

 Metáforas en el verso 3, en el que compara la amada con una sirena; y en el verso 7, cuando

estaba con su amada estaba en el cielo y en su ausencia en el infierno.

 Epítetos: alma ajena, tierna arena.

 Símil: verso 3: arder como la vela y consumirse; verso 7: caer de un cielo, y ser demonio en

pena.

 Personificación: mudas soledades.

Lope de Vega fue uno de los autores más importantes del barroco, realizó una obra muy extensa donde

tocó varios temas sobre todo el amor.

Este poema trata uno de los temas más importantes en la última etapa de Lope: el desengaño amoroso.

Podemos ver el desasosiego provocado por un desengaño, hecho contradictorio ya que Lope tuvo amores

con muchas mujeres a la vez.

* Arder como la vela y consumirse: sufrimiento de cualquier enamorado.

* No poder del árbol desasirse: no poder escapar del dolor, la locura del amor.

* Haciendo torres sobre tierna arena: acciones en vano, que fácilmente se viene abajo.

* Caer de un cielo, y ser demonio en pena: agonía que deja el amor.

* Creer sospechas y negar verdades: engañarse a sí mismo

* Fuego en el alma, y en la vida infierno: el fuego amoroso y el sufrimiento que deja.

Utiliza varias anáforas también, en la y del verso cuatro, ocho y once.

Se podría dividir el soneto en dos partes. La primera desde el inicio hasta el primer verso del segundo

tercero y la segunda los dos.

16. LOPE DE VEGA: Un soneto me manda hacer Violante

El autor de este poema es Lope de Vega, poeta polifacético tanto en géneros literarios como en

subgéneros dentro de la lírica. Lope es uno de los grandes representantes en la poesía, así como en el

teatro, de finales del Renacimiento y principios del Barroco español. Este soneto aparece por primera

vez en una comedia menor del Fénix, que lleva por título, La niña de plata[1]. Era habitual, entre los

poetas de la época de Lope, el divertimento literario consistente en ir jugando con las palabras hasta

formar la composición, para después fingir la sorpresa ante el resultado bien conseguido.[2] El Barroco

presenta este tipo de ironía conceptista como un alarde de capacidad a la vez que juego literario.

Tema

El tema del poema es la metapoesía, es decir, en poesía se habla de poesía. Se realiza desde la ironía

del juego cortesano. Otra característica que debemos apuntar es que se trata de un poema desprovisto

de sentimientos.

Estructura externa

La composición de Lope de Vega es un soneto, tal y como se dice en los mismos versos, cuya

estructura métrica es la habitual, es decir, ABBA, ABBA, para los cuartetos y, en este caso, CDC,

DCD, para los tercetos; siempre con rima consonante en todos los endecasílabos. Valga destacar la

presencia de dos rimas internas en el segundo cuarteto y otra para cada terceto.

Estructura interna

La composición mantiene una unidad formal. En todas las estrofas el autor muestra, a través de la falsa

modestia, la dificultad del encargo con el logro que va consiguiendo. En paralelo, dificultad y

resultado, avanzan para describir que se trata de un soneto, al tiempo que el poeta va realizando

observaciones sobre los avances y el recorrido que va superando, hasta lograr esa breve historia que

sucede delante de los ojos del lector.

Análisis

En el primer verso ya conocemos el propósito que lleva al poeta a crear un soneto, pues no es otro que

una petición solicitada por una dama llamada «Violante». El autor se mostrará en un falso apuro, a

modo de falsa modestia, para satisfacer la petición de la dama: «que en mi vida me he visto en tanto

aprieto» (v. 2). Esta estrofa, como el resto del poema, no presenta abundancia de recursos estilísticos,

al contrario, la llaneza, tanto del léxico escogido como de la sintaxis crean la verosimilitud de una

improvisación. En esa misma línea, en el cuarto verso se lee una derivación propia de un

coloquialismo: «burla burlando», que aportan ritmo a los versos, así como una hipotética

espontaneidad.

Conclusión

Lope de Vega nos ha presentado un soneto creado, aparentemente, en un juego literario. En ese mismo

juego pretende situarse ante una gran dificultad, que superará con creces. El poeta ha buscado dirigirse

al lector con una supuesta espontaneidad, como si fuese la misma casualidad la que lo ha llevado a

finalizar su objetivo. En esa intención funcionan el léxico escogido y la sintaxis e, incluso, expresiones

de carácter coloquial, como también el fingimiento del poeta, quien parece no detenerse en buscar las

palabras ni las rimas, sino que en la misma búsqueda se completa el poema. Se trata de un soneto de

circunstancias, lejos de manifestar ningún tipo de sentimientos o de emoción profunda; pura habilidad

de un poeta que se permite mostrarnos su maestría con las palabras. El poema nos cuenta desde un

punto de vista casi narrativo la preocupación del autor por alcanzar su tarea, crear un soneto.

16. LOPE DE VEGA: Un soneto me manda hacer Violante

Introducción

El autor de este poema es Lope de Vega, poeta polifacético tanto en géneros literarios como en

subgéneros dentro de la lírica. Lope es uno de los grandes representantes en la poesía, así como en el

teatro, de finales del Renacimiento y principios del Barroco español. Este soneto aparece por primera

vez en una comedia menor del Fénix, que lleva por título, La niña de plata[1]. Era habitual, entre los

poetas de la época de Lope, el divertimento literario consistente en ir jugando con las palabras hasta

formar la composición, para después fingir la sorpresa ante el resultado bien conseguido.[2] El Barroco

presenta este tipo de ironía conceptista como un alarde de capacidad a la vez que juego literario.

Tema

El tema del poema es la metapoesía, es decir, en poesía se habla de poesía. Se realiza desde la ironía

del juego cortesano. Otra característica que debemos apuntar es que se trata de un poema desprovisto

de sentimientos.

Estructura externa

La composición de Lope de Vega es un soneto, tal y como se dice en los mismos versos, cuya

estructura métrica es la habitual, es decir, ABBA, ABBA, para los cuartetos y, en este caso, CDC,

DCD, para los tercetos; siempre con rima consonante en todos los endecasílabos. Valga destacar la

presencia de dos rimas internas en el segundo cuarteto y otra para cada terceto.

Estructura interna

La composición mantiene una unidad formal. En todas las estrofas el autor muestra, a través de la falsa

modestia, la dificultad del encargo con el logro que va consiguiendo. En paralelo, dificultad y

resultado, avanzan para describir que se trata de un soneto, al tiempo que el poeta va realizando

observaciones sobre los avances y el recorrido que va superando, hasta lograr esa breve historia que

sucede delante de los ojos del lector.

Análisis

En el primer verso ya conocemos el propósito que lleva al poeta a crear un soneto, pues no es otro que

una petición solicitada por una dama llamada «Violante». El autor se mostrará en un falso apuro, a

modo de falsa modestia, para satisfacer la petición de la dama: «que en mi vida me he visto en tanto

aprieto» (v. 2). Esta estrofa, como el resto del poema, no presenta abundancia de recursos estilísticos,

al contrario, la llaneza, tanto del léxico escogido como de la sintaxis crean la verosimilitud de una

improvisación. En esa misma línea, en el cuarto verso se lee una derivación propia de un

coloquialismo: «burla burlando», que aportan ritmo a los versos, así como una hipotética

espontaneidad.

Sobre el segundo cuarteto se puede decir que el término «consonante» tiene valor de

sinécdoque, pues aunque el vocablo es una parte de los diferentes elementos que encontramos en un

soneto, aquí representa algo más, representa el cúmulo de dificultades que conlleva la creación de un

poema. Llama la atención en el lector la exactitud que presentan las circunstancias expuestas en los

versos: nos referimos al susodicho término, «consonante», pues coincide al final del verso y con ese

tipo de rima; lo mismo que el final del séptimo verso coincide la medida con el contenido. Leemos: «y

estoy a la mitad de otro cuarteto;».

Como anotábamos arriba, en este cuarteto observamos la presencia de dos rimas internas. En el

séptimo verso nos topamos con la palabra «veo», que mantiene una correspondencia asonante con

«cuarteto» y «terceto» (vv. 6 y 7), y se refuerza con la segunda rima interna, esta vez en consonante,

«cuartetos» (v. 8). Esta reduplicación de la rima intensifica el ritmo del poema y aporta elementos

propios del juego literario que nos ofrece Lope.