Arquitectura y escultura griega: órdenes, templos y épocas artísticas

Arquitectura griega

La arquitectura griega se formó a partir de los órdenes clásicos, el conjunto de reglas referidas a la escala humana, la forma y la decoración del edificio. Durante el siglo VII se fueron concretando los órdenes dórico y jónico, apareciendo el corintio durante la segunda mitad del siglo V a.C. El interés de los griegos por la geometría, la aritmética y los órdenes dio como resultado edificios de bellas proporciones.

El templo griego

El edificio fundamental y materialización de los ideales estéticos griegos es el templo, concebido como residencia del dios, no como lugar de oración o recogimiento para los fieles. Estaba pensado para ser observado desde el exterior y desde los lados, por eso se atiende más al exterior que al interior. Así, en el exterior se utiliza la escultura en relieve para narrar, en frisos y frontones. Los materiales constructivos utilizados fueron la piedra caliza y, en la época clásica, el mármol blanco.

La planta de un templo griego era rectangular, con una disposición interior de una a tres naves:

• Pronaos (vestíbulo abierto).
• Naos o cella (capilla del dios).
• Opistodomo (vestíbulo similar en el lado opuesto, que podía servir para guardar el tesoro del dios).

Los órdenes arquitectónicos

En los templos griegos no hay dimensiones fijas, sino relaciones fijas de proporción entre las distintas partes del edificio. La búsqueda de la armonía visual, basada en la medida y la proporción, condujo a los griegos a la creación del orden arquitectónico. Cada orden consta de tres partes:

• Entablamento: es la parte sustentada del edificio.
• Soporte: el elemento vertical de sustentación, es decir, la columna.
• Basamento: es la parte inferior y se divide en escalones, siendo el superior el estilóbato.

Clasificación de los templos griegos

A la hora de clasificar un templo griego tenemos que fijarnos en tres aspectos de sus columnas:

Según la disposición de las columnas

• In antis: posee dos columnas en la fachada principal, pero en la misma línea del muro.
• Próstilo: columnas delante de la sola de sus fachadas.
• Anfipróstilo: columnas delante de las dos fachadas.
• Períptero: las columnas rodean todo el edificio.
• Pseudoperíptero: las columnas rodean todo el edificio, pero están adosadas al muro.
• Díptero: templo períptero con doble fila de columnas.
• Monóptero: circular.

Según el número de columnas en la fachada principal

• Díptero: 2
• Tetrástilo: 4
• Hexástilo: 6
• Octástilo: 8

Según el orden

• Dórico: desde el s. VII.
• Jónico: s. VI.
• Corintio: s. V.

El orden dórico

Es el más riguroso, de proporciones robustas y austero en la decoración. El fuste de la columna, sin basa, está estriado, con aristas vivas. El capitel está formado por el equino, sobre el que se superpone el ábaco. El entablamento está compuesto por el arquitrabe liso y el friso, con triglifos y métopas. El friso se termina con la cornisa y el frontón.

El orden jónico

Es más sublime y responde a una mentalidad más refinada. Su fuste, más fino y alto, está estriado y el capitel se forma con un cuarto bocel decorado con óvulos y dos grandes volutas en espiral a cada costado. El arquitrabe del entablamento está dividido en tres franjas sobresalientes, el friso se decora con bajorrelieves y la cornisa tiene mayores vuelos que la dórica. El fuste tiene acanaladuras y reposa en la basa, que tiene dos molduras. El frontón está coronado por acróteras.

El orden corintio

Tiene basa y fuste muy esbelto. El capitel tiene pequeñas volutas y entre ellas presenta hojas de acanto. Se acentúan los elementos decorativos en el friso y la cornisa. Es similar en muchos aspectos al orden jónico, pero generalmente de proporciones más estilizadas y caracterizado especialmente por un capitel en forma de campana profunda, decorado con hojas de acanto y un ábaco con lados cóncavos.

La escultura griega

Los materiales más usados son la piedra (especialmente el mármol) y el bronce, ambos siempre policromados. En los de bronce, es habitual incrustar otras sustancias, como pasta vítrea para simular los ojos. Con la excepción de la piedra, los restantes materiales son reutilizables, por lo que son muy escasas las obras originales que han llegado hasta nosotros. La mayoría de las esculturas más admiradas y descritas por escritores antiguos las conocemos por copias realizadas en mármol en tiempos de los romanos.

Se realizan tanto obras exentas de bulto redondo (como las imágenes de los dioses) como obras sometidas a la arquitectura: los relieves de frisos y métopas, y los monumentales de los grandes frontones de los templos. La escultura griega procede de modelos egipcios, en los que se inspira en la época arcaica. Se distanciará progresivamente de ellos y abandonará el formalismo.

Los griegos representarán sobre todo (aunque no únicamente) el cuerpo humano, por considerarlo ejemplo de belleza física y de equilibrio espiritual. No se quieren representar individuos concretos: hombres y mujeres se idealizan, se presentan armoniosos y proporcionados. Cada escultor configurará su modelo ideal (canon) de anatomía y proporciones. Se quiere evitar un aspecto plano, y la escultura debe resultar atractiva desde distintos puntos de vista. Otro aspecto importante es la representación del movimiento. Solo en el período helenístico se busca la expresión de sentimientos y emociones, y en ocasiones el realismo se enfurece.

Desde la época clásica se valora de forma especial el trabajo de los grandes escultores. En la época helenística aparecerán diferentes escuelas.

Época arcaica

Este primer período se extendió desde finales del siglo VIII al siglo VI a.C. Durante el período arcaico, la escultura griega se caracterizó por la rigidez y la sonrisa arcaica. Así, las representaciones humanas que pretendían exaltar la belleza y la armonía son esculturas que carecen de movimiento, aunque pretenden transmitir esa sensación. Son característicos de este período los kuroi (que son atletas o apolos desnudos) y las kore (jóvenes vestidas). Son frontales, rígidas y de volumen poco naturalista, con formas anatómicas artificiales y vestidos muy esquemáticos, por lo que la expresión anatómica es escasa. De las cabezas, cabe destacar la sonrisa, los ojos almendrados y el tratamiento del pelo, siempre rizado en bucles simétricos. Es un período que podríamos definir como formación de las bases estéticas de la escultura griega. En la transición al clasicismo (500 a.C.) se impulsa el relieve de los frontones, y se expresa ya la tristeza y el dolor.

Época clásica (desde el siglo V hasta el 330 a.C.)

En esta época la búsqueda del naturalismo llega a su máxima expresión. Las personas representadas son adultos y jóvenes completamente formados. En una primera fase (entre los años 480 y 450 a.C.) se producen algunas obras que anticipan los logros que se van a conseguir en esta época tanto en la escultura exenta como en el relieve. Algunas figuras tienen una posición semifrontal y otras giran en un movimiento señalado, como el Discóbolo. Los músculos y los pliegues de las ropas mejoran y son más reales que en la época anterior. Entre los años 450 y 330 a.C., la escultura rompe la frontalidad presentando las figuras en escorzo y ligeramente giradas; el movimiento es suave ya que no se deforma la anatomía, por lo que no se expresa el sentimiento en el rostro, para no perder su perfección. Consiste en que la figura se apoya sobre una pierna y retrasa la otra, la cadera se desplaza formando una línea oblicua. Posteriormente se debilita el movimiento (praxitélica) por el escultor que la generaliza. Ya la estabilidad de la escultura se consigue con un tronco de árbol o una túnica que llega hasta el suelo como tercer punto de apoyo. El volumen es más naturalista reflejando la anatomía humana; las posturas de las figuras son reales, con soltura y no rígidas; los vestidos se adaptan al cuerpo con pliegues fieles a la realidad y las figuras tienen proporcionadas sus partes siguiendo el canon de belleza. Policleto estableció un canon de proporciones de 8 cabezas y posteriormente lo corrigió Lisipo con el de 10 cabezas. Ejemplo monumental es el templo de Zeus en Olimpia; en cuanto a Posidón como el Auriga de Delfos, son ejemplares en bronce más destacados de este estilo severo.

Época helenística (desde el año 330 al siglo I a.C.)

Hacia el final del siglo IV a.C., en los tiempos de Alejandro Magno, se trata de un período caracterizado por la expansión de la cultura griega y su contacto con antiguas y nuevas civilizaciones, lo que dará lugar a lo que conocemos como helenismo. Durante los primeros años de esta fase se mantiene la influencia de Praxíteles y Escopas, cuyo centro de influencia se sitúa en la ciudad de Atenas. La Venus de Milo se mantiene en su línea, de modo que lo harán la Venus Arrodillada y la Venus Capitolina. Al haber alcanzado ya la perfección en la época clásica, se produce un cambio en la investigación de los escultores: ahora se busca más el naturalismo realista que la perfección e idealización. Sin embargo, en esta época se siguen realizando esculturas que, por sus características formales (equilibrio, armonía, suavidad), parecerían clásicas.

En escultura de bulto redondo aparecen temas nuevos de personas "no perfectas", por no estar en la plenitud de las formas, como son niños o viejos, e incluso personajes como el hermafrodita. También se realizan muchos retratos con la expresión fiel del rostro retratado, siguiendo una tradición que comenzó a finales de la época anterior con los primeros retratos de Alejandro Magno. El movimiento de las figuras suele ser mucho más intenso que en épocas precedentes: los cuerpos giran, se retuercen y ya no podemos contemplar la escultura únicamente desde la posición frontal, sino que debemos rodearla y verla desde varios puntos para percibirla completamente. Con este fuerte movimiento, la anatomía se marca con intensidad y el estado de ánimo se representa en el rostro.

En el relieve los volúmenes son también muy marcados y expresivos, mostrando un movimiento muy intenso que entrelaza los cuerpos. La sensación de profundidad se representa mediante el dinamismo y la superposición de cuerpos y partes que producen distintos planos, a la vez que se utiliza el distinto resalte (con alto, medio o bajorrelieve) para conseguir este efecto.