El Barroco: Contexto Histórico, Arte y Música en la Europa de los Siglos XVII y XVIII

El Barroco: Panorama Histórico, Político y Social

Situación General en Europa (Siglo XVII y Primera Mitad del XVIII)

Europa entra en una crisis general y profunda que abarca lo religioso, lo político, lo económico y lo artístico durante el siglo XVII y la primera mitad del XVIII.

Contexto Religioso

Tras los problemas heredados de la Reforma Protestante, que divide a la Europa cristiana en dos bandos (católico y protestante), la Iglesia Católica reacciona con la Contrarreforma para recobrar la iniciativa. Esto se refleja en las manifestaciones artísticas e intelectuales, la cultura y el arte del periodo.

Contexto Económico

Se vive una gran crisis económica: hay un aumento de población que choca con una economía fundamentalmente agrícola, propiciando carestías y hambres. Se agudiza la diferencia entre clases sociales: una minoría rica frente a una mayoría pobre, con la práctica desaparición de la clase media.

Contexto Político

Nuevas potencias como Inglaterra, Francia y Holanda se imponen en este periodo. España, por el contrario, termina arruinada política y económicamente. La decadencia está ligada a los últimos monarcas de la casa de Austria y a la profunda crisis de finales del siglo XVII. Se produce la Guerra de Sucesión Española (principios del s. XVIII), en la que España pierde posesiones flamencas, algunas americanas y parte de su territorio (Gibraltar y Menorca). La nueva dinastía de los Borbones logra establecer una política más pacifista y un lento progreso económico que dará sus frutos posteriormente.

Contexto Social y Cultural

A pesar de las crisis, prosperan las ciencias y las artes. Nuevas técnicas mejoran paulatinamente el nivel de vida y se dibuja un mundo con una mentalidad diferente, marcada por la tensión y el cambio. Europa, como civilización y cultura, se impone e influye en el resto del mundo conocido.

Panorama Artístico del Barroco

El Barroco como estilo artístico dominante se desarrolla aproximadamente durante el siglo XVII y parte del XVIII, surgiendo tras el Manierismo y dando paso, en su fase final, al Rococó.

Manierismo (Precursor)

A finales del siglo XVI surge el Manierismo, un arte considerado irreal y sofisticado, que actúa como transición entre el Renacimiento y el Barroco. Es una estética compleja donde el artista a menudo parece refugiarse de la realidad circundante. Muchos artistas plásticos estaban influidos por la maniera (estilo) de Miguel Ángel. Artistas asociados a esta transición incluyen a El Greco (pintor) y Cervantes (escritor).

El Arte Barroco y la Contrarreforma

Como arte de la Contrarreforma católica, el Barroco ayuda a fomentar una religiosidad más piadosa y emocional y, al mismo tiempo, a proclamar el triunfo de la Iglesia. Se representa a los santos con realismo y seriedad (como en Zurbarán), pero también de forma dinámica y sensual (como las Inmaculadas de Murillo). Rubens es un pintor que asimila y expresa magníficamente estos ideales. La arquitectura religiosa busca la suntuosidad y la decoración impactante en los templos, y la escultura utiliza líneas muy movidas que exteriorizan los sentimientos (como en Bernini o Alonso Cano).

Arte Cortesano y Burgués

El Barroco es también un arte cortesano al servicio de las monarquías absolutas: Velázquez y Rubens retratan a reyes y cortesanos. A su vez, se desarrolla un importante arte burgués en repúblicas y estados protestantes, reflejando los valores e intereses de esta clase social: Rembrandt, Vermeer, Hals.

Características Generales del Arte Barroco

El Barroco llegó a definirse por un conjunto de rasgos opuestos al clasicismo renacentista. Frente a la armonía y el equilibrio clásicos, opone su gusto por la libertad creadora, el movimiento, el contraste (luces y sombras, quietud y éxtasis) y la expresión intensa de las emociones, buscando impactar y persuadir al espectador. Es un reflejo sensual y dinámico de una realidad percibida como compleja y en conflicto. Quiere ser un arte comprendido, abierto, sensual y dinámico, aunque a veces pueda parecer exagerado, efectista y excesivamente decorativo.

Panorama Musical del Barroco

Características del Estilo Musical Barroco

Inicialmente, el término 'barroco' aplicado a la música tuvo connotaciones negativas; los teóricos anteriores consideraban su armonía confusa, cargada de modulaciones y disonancias, de entonación difícil y movimiento forzado. Sin embargo, actualmente se reconoce que operó grandes cambios, resultando en una época revolucionaria y de gran complejidad musical.

Características principales:

• El contrapunto y la polifonía alcanzan una gran perfección técnica y expresiva.
• Surge y se consolida la melodía acompañada con el bajo continuo (o bajo cifrado), interpretado por uno o varios instrumentos (generalmente un instrumento armónico como el clave u órgano y uno melódico grave como la viola da gamba o el violonchelo), desarrollando la textura homofónica junto a la polifónica.
• Uso sistemático de sonidos alterados (sostenidos y bemoles). Las exigencias armónicas del bajo continuo conducen a una organización melódica y armónica moderna: se abandonan los modos gregorianos y se consolidan las dos modalidades principales: mayor y menor. La armonía es más rica y variada.
• Se explotan conscientemente los factores dinámicos y de movimiento: ritmo marcado y energético, contrastes de intensidad (fuerte-suave, llamado dinámica de terrazas), y tempo.
• La interpretación musical se profesionaliza. La música culta es realizada mayoritariamente por músicos especializados y el público adopta un rol principal de escucha, sin participar activamente como en épocas anteriores.
• Se desarrollan y consolidan nuevas formas musicales instrumentales y vocales.

Nuevas Formas Musicales del Barroco

Fuga

Es un procedimiento contrapuntístico que lleva la práctica del canon e imitaciones hasta sus últimas consecuencias. Su resultado es muy concentrado y denso, y su audición requiere atención extrema, beneficiándose de escuchas repetidas. Son generalmente de duración breve y sus temas (sujetos) no suelen extenderse más de dos o tres compases. La fuga consiste en la presentación de un tema o motivo (sujeto) en una sola voz; este mismo sujeto se repetirá igual o transportado inmediatamente por una segunda voz, mientras que la primera realiza un contrapunto llamado contrasujeto. Si hubiera una tercera voz, expone nuevamente el sujeto, mientras la segunda voz lleva el contrasujeto, quedando la primera libre para hacer un diseño contrapuntístico libre. Cuando todas las voces (normalmente 3 o 4) han expuesto el sujeto sucesivamente, finaliza la exposición. Esta exposición enlaza con el desarrollo, donde el tema o motivo se modifica, fragmenta, transporta o combina de diversas maneras. Si la estructura del sujeto lo permite, puede producirse un estrecho (presentación del sujeto en rápidas sucesiones superpuestas en distintas voces), alcanzando un alto grado de intensidad que se resuelve con la cadencia final. Fue llevada a la máxima perfección por Johann Sebastian Bach.

Sonata

Inicialmente, 'sonata' se refería a la música 'sonada' o tocada por instrumentos, en oposición a la 'cantata' (cantada). A lo largo del siglo XVII, hubo una transformación que daría lugar a dos tipos principales: la sonata da chiesa (sonata de iglesia), generalmente para uno o dos instrumentos melódicos (violines) y bajo continuo, de carácter más serio y contrapuntístico, y estructurada habitualmente en cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido); y la sonata da camera (sonata de cámara), también para un pequeño grupo de instrumentos, pero con carácter más ligero y formada por una sucesión de movimientos basados en ritmos de danza.

Concierto

Surge de la reunión de diversos instrumentos, buscando la oposición y el diálogo entre diferentes timbres e intensidades. Distinguiremos dos tipos principales:

• Concierto Grosso: Típico del Barroco, enfrenta a un pequeño grupo instrumental solista (concertino) contra el bloque orquestal completo (ripieno o tutti), creando contrastes de sonoridad y textura.
• Concierto Solista: Establece un diálogo dramático entre un instrumento solista protagonista (que exhibe virtuosismo) y la orquesta acompañante.

Suite

Es una sucesión de danzas escritas generalmente en la misma tonalidad, aunque contrastantes en tempo y carácter. Se buscaba el contraste de movimientos rápidos y otros más lentos, combinando diferentes ritmos (por ejemplo, alternando danzas de compás binario y ternario). La estructura básica suele incluir cuatro danzas principales: Allemande (alemana), de movimiento moderado; Courante (corranda), de movimiento más vivo; Sarabande (zarabanda), de movimiento lento, ternario y noble; y Giga, danza rápida y vivaz, a veces de estilo fugado. Entre la Sarabande y la Giga, a menudo se insertaban danzas opcionales (Gavotte, Minué, Air, Bourrée, Rigaudon, etc.). Era un conjunto de piezas habitual en la música instrumental y cortesana.

Oratorio

Obra de gran escala para voces (solistas, coro) y orquesta, generalmente de temática religiosa (basada en historias bíblicas) y sin representación escénica. Combina arias, recitativos y coros de manera similar a la ópera, pero se presenta en formato de concierto.

Cantata

Obra vocal con acompañamiento instrumental. Puede ser para solista(s) o coro. Inicialmente de temática profana en Italia (cantata da camera), pero adquiere gran importancia con contenido religioso en los países protestantes, especialmente en Alemania (cantata de iglesia), donde se integra en la liturgia luterana (Bach compuso cientos de ellas).

La Música Barroca en Italia

Italia es la cuna de importantes estilos y formas musicales barrocas:

• La Ópera: Nace a principios del siglo XVII con figuras como Claudio Monteverdi (considerado el primer gran compositor operístico) y evoluciona a lo largo del siglo con escuelas como la florentina, romana y veneciana, consolidándose en el XVIII con la escuela napolitana (Alessandro Scarlatti) y compositores posteriores como Giovanni Battista Pergolesi.
• La Cantata: Género vocal narrativo para solista(s) y acompañamiento. Puede considerarse una ópera en miniatura sin escenificación. Sus temas son mayoritariamente profanos en Italia.
• El Oratorio: Similar a una cantata de gran formato, siempre con contenido religioso. Su nombre deriva de la Congregación del Oratorio de San Felipe Neri. Combina polifonía vocal, solos instrumentales y estilo contrapuntístico.
• La Música Instrumental: Alcanza un gran desarrollo con organistas como Girolamo Frescobaldi. El órgano inspira a muchos compositores. Florece el virtuosismo instrumental, escribiéndose piezas de gran dificultad técnica (conciertos, sonatas, etc.). Un nuevo instrumento destaca por su agilidad y expresividad: el violín, con maestros de la composición e interpretación como Arcangelo Corelli y Antonio Vivaldi, fundamentales en el desarrollo del concierto grosso y el concierto solista.

La Música Barroca en Alemania

Alemania en el periodo barroco es una encrucijada de influencias políticas y estilísticas, dividida en numerosos estados, con el norte predominantemente protestante y el sur católico. Heinrich Schütz, tras estudiar en Italia, introduce las técnicas del nuevo estilo barroco italiano en Alemania.

Formas musicales destacadas en Alemania:

• Lied: Canción para voz solista con acompañamiento instrumental (generalmente clave o laúd, más tarde piano). Basada en poemas alemanes, de carácter intimista y sin gran virtuosismo vocal. Se considera una semilla de la futura ópera alemana y, como género de canción, se desarrollará ampliamente en el Clasicismo y Romanticismo.
• Coral: Composición de estructura sencilla sobre una melodía litúrgica preexistente o nueva, destinada al canto congregacional en los oficios religiosos protestantes. Inspira a los compositores de música para órgano (preludios corales) y sirve como base temática para muchas cantatas religiosas. La técnica organística alemana florece con figuras como Johann Jakob Froberger, Johann Pachelbel y Dietrich Buxtehude.

La gran figura del barroco alemán, y una de las cumbres de la música occidental, es Johann Sebastian Bach. Su obra resume y casi agota todas las posibilidades expresivas del Barroco tardío, llevando formas como la fuga y el contrapunto a su máxima perfección. Su vasta obra incluye ciclos como El clave bien temperado, numerosos conciertos (como los Conciertos de Brandeburgo), Suites orquestales y para instrumentos solistas, obras maestras contrapuntísticas como El arte de la fuga y la Ofrenda Musical, grandes obras corales como las Pasiones (según San Mateo y San Juan) y la Misa en Si menor, y cientos de Cantatas religiosas y profanas.

Contemporáneos notables de Bach fueron Georg Friedrich Händel (aunque desarrolló gran parte de su carrera fuera de Alemania), Georg Philipp Telemann (el compositor más famoso en su tiempo) y Johann Mattheson.

La Música Barroca en Inglaterra

La época isabelina (finales del s. XVI - principios del XVII) supuso un renacimiento cultural (con figuras como William Shakespeare en el teatro). Aunque Shakespeare muere a principios del siglo XVII, el prestigio cultural continúa.

La música instrumental del barroco inglés enlaza con la práctica musical del Renacimiento a través de la escuela de los virginalistas (música para teclado) y laudistas (como John Dowland, compositor destacado de canciones y música para laúd).

El músico inglés más destacado del Barroco es Henry Purcell. Abordó todos los géneros, destacando en la música escénica (semi-óperas como The Tempest o King Arthur) y componiendo la considerada primera gran ópera inglesa, Dido y Eneas.

Georg Friedrich Händel, aunque nacido en Alemania y formado en Italia, es considerado una figura central de la música inglesa del Barroco tardío, ya que se afincó en Londres y obtuvo la nacionalidad británica. Compuso numerosas óperas italianas (opera seria) que triunfaron en Londres, además de suites instrumentales (como la Música acuática y la Música para los reales fuegos artificiales), conciertos y, especialmente célebres en el mundo anglosajón, sus oratorios en inglés (como El Mesías).

La Música Barroca en Francia

Durante los reinados de Enrique IV y Luis XIII, la música francesa mantuvo cierta independencia de las innovaciones italianas. Con la regencia y posterior influencia del Cardenal Mazarino (de origen italiano, mediados del s. XVII), la corte se italianiza musicalmente durante casi veinte años. Tras su muerte, se retorna y se consolida un estilo más propiamente francés, adaptado a la lengua y sensibilidad nacionales.

La música francesa del Barroco temprano tiene una estética propia, pero a mediados del siglo XVII asimila influencias italianas, creando una síntesis con un fuerte carácter nacional.

Jean-Baptiste Lully, italiano de nacimiento pero naturalizado francés y músico predilecto de Luis XIV, es clave en este proceso. Partiendo de modelos italianos, crea la tragédie lyrique (tragedia lírica u ópera francesa), un estilo más acorde con el gusto francés, cuidando la declamación y acentuación del idioma, incorporando ballet y coros espectaculares. Presta gran atención a la orquestación e instaura el modelo de la obertura francesa (caracterizada por una sección lenta y majestuosa con ritmos punteados, seguida de una sección rápida fugada, y a veces un retorno a la lentitud inicial).

Su continuador principal en la ópera francesa es Jean-Philippe Rameau, también un importante teórico musical.

Un instrumento emblemático del estilo francés, especialmente en la música de cámara y el posterior estilo galante, es el clavecín. Los compositores para clavecín (clavecinistas), a menudo también organistas, desarrollan un estilo refinado. Están muy influidos por la danza (muchas piezas son suites o tienen carácter danzable). Su estilo se caracteriza por el uso abundante de adornos (agréments) que embellecen la melodía y, frecuentemente, por el uso de títulos descriptivos o poéticos para sus piezas. Compositores clavecinistas importantes incluyen a François Couperin ('Le Grand') y al propio Rameau.

El Barroco en España

El siglo XVII representa para España la pérdida de su hegemonía europea y una profunda decadencia económica y política. En el siglo XVIII, con la llegada de los Borbones, se inicia una lenta recuperación.

Sin embargo, culturalmente, España vive la continuación de su Siglo de Oro durante buena parte del XVII, con figuras cumbre en la pintura (Zurbarán, Velázquez), la escultura (Gregorio Fernández, Martínez Montañés) y la literatura (Quevedo, Góngora, Lope de Vega).

El gusto barroco, teatral y efectista, arraiga profundamente en todas las clases sociales. Este estilo alcanza una expresión exuberante en la arquitectura, especialmente en la obra de los Churriguera (estilo churrigueresco).

Música Religiosa y Órgano

La polifonía religiosa, de gran tradición en España, cuenta en el siglo XVII con maestros como Pedro Heredia y Juan Bautista Comes, y en el siglo XVIII con José de Nebra y Antonio Rodríguez de Hita (estos últimos ya en transición al Clasicismo).

En la música para órgano, el siglo XVII se abre con la obra de Francisco Correa de Araujo (aún con rasgos renacentistas) y culmina con la de Juan Cabanilles (de sólida estructura barroca y gran virtuosismo). En el siglo XVIII, menos brillante en este campo, destaca José Elías.

Música Instrumental y Escénica

En la música instrumental profana, el instrumento más popular es la guitarra barroca, con teóricos y compositores como Joan Carles Amat, Luis de Briceño y, especialmente, Gaspar Sanz (autor de la Instrucción de música sobre la guitarra española).

La llegada de la dinastía Borbón en el siglo XVIII intensifica la influencia italiana en la corte, con la presencia de músicos como Domenico Scarlatti (clavecinista que compuso la mayoría de sus innovadoras sonatas en España) y Luigi Boccherini (violonchelista y compositor que pasó gran parte de su vida en Madrid). Ambos se adaptaron e identificaron notablemente con el gusto español (incorporando ritmos y giros melódicos locales), influyendo a su vez en él.

También se desarrolla un género escénico propio, la Zarzuela barroca, que alterna partes cantadas y habladas, con compositores como Sebastián Durón y José de Nebra.