Comparativa Musical: Debussy, Schönberg y Stravinsky - Obras Revolucionarias

Preludio a la Siesta de un Fauno: Debussy y el Impresionismo Musical

Contexto Histórico y Estilístico

Claude Debussy, compositor francés (1862-1918), compuso "Preludio a la Siesta de un Fauno" entre 1892 y 1894. Esta obra se considera un hito del impresionismo musical, un movimiento que surgió en paralelo al impresionismo en la pintura y al simbolismo en la poesía. Busca evocar atmósferas y sensaciones a través de la música, en lugar de seguir estructuras formales rígidas.

Análisis de la Obra

La obra está inspirada en el poema sinfónico "L'après-midi d'un faune" de Stéphane Mallarmé. La coreografía original, de Vaslav Nijinsky, evocaba un bajorrelieve griego animado, con movimientos angulares donde los bailarines se presentaban principalmente de perfil.

• Forma: Se divide en tres secciones. La primera introduce el tema principal con la flauta. La segunda explora las atmósferas sonoras sugeridas. La tercera recapitula elementos de la primera.
• Textura: Predomina la melodía acompañada y el contrapunto.
• Composición: Se basa en la repetición y variación de motivos.
• Melodía: El solo inicial de flauta presenta una melodía cromática y sensual, en el ámbito de una cuarta aumentada. La repetición de motivos y la elección de acordes se basan en la sonoridad.
• Armonía: Se aleja de la función tonal tradicional. Las melodías cromáticas sugieren ambigüedad tonal, culminando en un final impreciso en Mi mayor.
• Timbre: La orquestación incluye flauta traversa, cuerdas frotadas, viento madera, arpa y trompas (sin percusión). Se utilizan técnicas como el arco, pizzicato, sordina, armónicos y glissandos.
• Métrica: Presenta cambios de compás y ritmos.
• Dinámica: Predominan los matices suaves, con pocos contrastes fuertes.
• Relación con el texto/programa: Evoca la ensoñación del fauno y su encuentro con las ninfas.

Pierrot Lunaire: Schönberg y el Expresionismo Atonal

Contexto y Estilo

Arnold Schönberg, compositor austriaco de origen judío (1874-1951), compuso "Pierrot Lunaire" en 1912. Esta obra es un ejemplo clave del expresionismo musical, que se caracteriza por la expresión de emociones intensas y a menudo angustiosas, reflejando la crisis del individuo en la sociedad moderna.

Análisis de la Obra

"Pierrot Lunaire" es un ciclo de 21 canciones basadas en poemas de Albert Giraud, traducidos al alemán. Los poemas, en forma de rondel, no siguen una narrativa lineal, sino que presentan una serie de estados de ánimo contrastantes.

• Forma: Utiliza la forma de passacalle, una danza en compás ternario. El bajo ostinato crea una sensación de gravedad, mientras que la melodía varía.
• Textura: Contrapunto. Se presenta un canon entre clarinete y violonchelo, con cambios de registro en el piano.
• Composición: Variaciones y canon.
• Melodía: Se utiliza el "Sprechstimme", un estilo de canto recitado que busca la expresión violenta y agresiva del texto.
• Armonía: Atonalidad. Se rompen las reglas de la armonía tradicional, utilizando disonancias y tensiones continuas para crear un efecto dramático.
• Timbre: La obra está escrita para voz femenina y un conjunto de cinco instrumentistas que tocan ocho instrumentos diferentes (piano, flauta/piccolo, clarinete/clarinete bajo, violín/viola y violonchelo). Se emplea el "Sprechstimme", una técnica vocal entre el canto y el habla.
• Métrica: Compás ternario. Los cambios de tempo enfatizan el texto. La voz sigue un ritmo declamatorio, mientras que los instrumentos mantienen una pulsación regular.
• Dinámica: Predominan los matices suaves (pp), con contrastes marcados y reguladores (fff).
• Relación texto/música: La música intensifica la expresión del texto, que describe las emociones y visiones de Pierrot, un payaso arquetípico.

La Consagración de la Primavera: Stravinsky y la Vanguardia

Contexto y Estilo

Igor Stravinsky (1882-1971), compositor ruso, estrenó "La Consagración de la Primavera" en 1913. Esta obra causó un gran escándalo en su estreno debido a su carácter innovador y rupturista. Se considera una obra clave de la vanguardia musical del siglo XX.

Análisis de la Obra

"La Consagración de la Primavera" es un ballet en dos actos, originalmente coreografiado por Nijinsky para los Ballets Rusos. Aunque concebida como un espectáculo, la obra se ha interpretado frecuentemente en formato de concierto.

• Forma: Dos secciones principales, separadas por una pausa marcada por un calderón en los timbales y el bombo.
• Textura: Predomina la homofonía (melodía acompañada) y el contrapunto.
• Composición: Se basa en la repetición de ostinatos rítmicos y melódicos, así como en la superposición de acordes y el desplazamiento de acentos.
• Melodía: Utiliza melodías que recuerdan a canciones folclóricas rusas, pero fragmentadas y transformadas. Las frases melódicas son a menudo cortas y reguladas por ostinatos.
• Armonía: Se emplean dos acordes disonantes y opuestos que crean polos de tensión y relajación.
• Timbre: La cuerda tiene un papel predominante, a menudo tratada como percusión para enfatizar el ritmo y la agresividad de la danza. La orquesta es amplia e incluye instrumentos como flautín, clarinete piccolo, contrafagot, ocho trompas, trompeta piccolo y una sección de percusión extensa. Se utilizan técnicas como armónicos, divisi y pizzicato en las cuerdas.
• Métrica: El ritmo es irregular y complejo, con cambios frecuentes de compás y acentos sincopados.
• Dinámica: Presenta fuertes contrastes dinámicos.
• Relación con el programa: El subtítulo de la obra, "Cuadros de la Rusia pagana", sugiere la idea central de la coreografía: un ritual pagano en el que una joven es sacrificada para propiciar la llegada de la primavera.