Escultura y Pintura del Barroco: Bernini y Caravaggio en el Arte

Estudio del Estilo y Movimiento en la Escultura Barroca

Se acentúa la tensión de la escena a través de los contrastes de luces y sombras, violentos en los pliegues del manto de Apolo o en la ojarasca del pelo de la joven, y suaves en la superficie de la piel de los cuerpos de los jóvenes.

Conclusión

Bernini muestra en esta obra ser el maestro indiscutible de la escultura barroca, no solo en Italia sino en toda Europa, como un virtuoso en el tratamiento del mármol —renunciando al bloque único característico de la escultura renacentista—, así como un genio a la hora de representar la emoción y el movimiento.

La Muerte de la Virgen: Obra Cumbre del Barroco

• Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio
• Fecha: 1605-1606
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Dimensiones: 3,65 m x 2,45 m
• Localización: Museo del Louvre
• Estilo: Barroco italiano

Contexto Histórico

Italia. Tras el Concilio de Trento, la Iglesia plantea el arte como un vehículo para la religión; el arte servirá de propaganda. A través del arte se busca atraer al creyente, haciendo que sienta la pasión y el sufrimiento de aquellos personajes que se representan. El creyente se debe conmover con esas obras que contemplan; por lo tanto, el sentimiento será el principal elemento de sus obras.

Tema

Religioso. La Virgen, madre de Cristo, acaba de morir. Los apóstoles y María Magdalena la acompañan y sufren.

Descripción

La Virgen en su lecho de muerte, un catre, aparece con una vestimenta roja, los pies descalzos, el pelo alborotado, sus manos inertes, el cuerpo hinchado y una finísima aureola divina sobre su cabeza. Junto a ella encontramos a María Magdalena, que desconsola apoya su cabeza sobre las rodillas. A su lado vemos un cuenco metálico (palangana) con el que limpió el cuerpo de María. Los apóstoles, descalzos, muestran diferentes actitudes frente a esa muerte: San Juan erguido reflexiona, otros sollozan, secan sus lágrimas u ocultan sus ojos como muestra de dolor. Toda la escena se desarrolla en una estancia austra y oscura, de cuyo techo cae un denso telón rojo.

Elementos Formales

Composición

Diagonal, organizada a partir del rostro de la Virgen. Los elementos que la crean son:

• Rayo de luz: surge desde una ventana situada en la parte superior izquierda y llega hasta el rostro de María.
• Apóstoles: dispuestos en escala.
• El cortinaje.

Color

Colores saturados con predominio del rojo (muerte, pasión, dolor), cálido en María Magdalena y en los ropajes de los apóstoles, ya que se quiere resaltar el sentimiento (el color por encima de la línea). No obstante, también vemos el verde, color complementario del rojo. Caravaggio quiere reforzar el contraste de actitudes: rojos y cálidos (sufrimiento, dolor) frente al verde de San Juan (actitud de reflexión).

Luz: Aspecto Esencial

Utiliza el claroscuro muy acentuado, dando lugar al tenebrismo. Ilumina bruscamente aquello que desea mostrar, sumiendo en la oscuridad el resto de la escena. Aquí surge, como ya se ha dicho, desde la izquierda, desde una parte superior, cayendo sobre María y Magdalena. Es el elemento que modela, da volumen y aporta profundidad a la escena, oscureciendo el fondo e iluminando los primeros planos. Luz y color se concentran para destacar el dramatismo del momento y el dolor de la escena. A ello colabora el naturalismo, que provoca un mayor efecto sobre el espectador. No resalta a una mujer idealizada como suele representar la Iglesia en las imágenes, sino a una mujer ahogada en el Tíber, hinchada, descalza... Es una escena cotidiana. Este realismo se muestra también en el anacronismo de los ropajes de María y Magdalena, o en el cuenco representado como una naturaleza muerta y, por supuesto, la teatralidad propia del Barroco en la presencia del telón que descubre una escena realmente dramática.

Significado

Se abandona la belleza ideal y la idealización de los personajes para acercar al espectador un sentimiento profundamente religioso en el que el sufrimiento domina, tal como pedía la Iglesia tras la Contrarreforma. Sin embargo, Caravaggio, mediante una obra directa, trata de ir más allá; quiere plasmar la verdadera realidad. Pretende, con su naturalismo y su manejo de la luz y el color, hacer sentir al ser humano del momento la religión verdaderamente: una religión verídica y real. Aunque es de destacar también que no elimina totalmente el carácter sagrado de la escena, como atestigua la finísima aureola que vemos sobre la cabeza de María. Fue rechazada por irreverente, por escoger como modelo a una mujer ahogada en el Tíber o a una prostituta; pero, sobre todo, por ser demasiado directa. Su pintura influirá no solo en la Italia de su tiempo, sino también en otros autores como Velázquez o Rembrandt.