Evolución del Teatro Español del Siglo XX: De la Generación del 98 a la Posguerra

1. La renovación teatral a principios del siglo XX

En el siglo XX se produce una renovación del teatro que afecta tanto a las técnicas teatrales como al texto dramático. Inicialmente, la escena española la dominan el género chico (las zarzuelas), el costumbrismo, la astracanada de Pedro Muñoz Seca, el teatro poético en verso de Eduardo Marquina y la comedia burguesa de Jacinto Benavente (donde destaca El nido ajeno).

Los primeros intentos de renovación teatral partieron de la Generación del 98:

• Miguel de Unamuno: abogó por un teatro desnudo de acción mínima, caracterizado por la supresión de efectos que no dependieran de la palabra. Buscó la realidad última en el ser humano por medio del drama, constituyéndose en un método de conocimiento filosófico. Destacan obras como Fedra (1910) y El otro (1926).
• Azorín: ensaya un teatro de experimentación antirrealista que incluye el subconsciente; es relevante la iluminación que subraya el más allá de la realidad. Destaca su trilogía Lo invisible (1928).
• Valle-Inclán y Federico García Lorca: se erigen como los máximos ejemplos de esta profunda renovación escénica.

2. El teatro de Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936)

Valle-Inclán rechazó el realismo del teatro anterior y propuso una renovación absoluta. Para él, el teatro era un espectáculo total donde las acotaciones y los diálogos forman un único texto literario. Su dramaturgia fue evolucionando desde una estética y postura social modernista hacia planteamientos afines a las vanguardias, el simbolismo y el expresionismo, lo cual provocó serias dificultades para llevar sus obras a escena.

Etapas de su evolución dramática

• Primeros intentos modernistas: comenzó su producción con tentativas modernistas cuya manifestación más notable son las Sonatas, memorias del Marqués de Bradomín: un donjuán «feo, católico y sentimental» que representa un mundo decadente.
• El espacio gallego o las Comedias bárbaras: convierte su Galicia natal en el marco dramático fundamental. El protagonista indiscutible es don Juan Manuel de Montenegro, el último de los héroes de un régimen señorial que se desintegra.
• Las farsas: suponen el adiós definitivo al modernismo con obras como La marquesa Rosalinda. Inicia este ciclo que actúa como puente y transición hacia el esperpento.
• El esperpento: el autor se preocupa cada vez más por reflejar las tensiones de la vida colectiva, abandona las fórmulas literarias tradicionales y adopta lo grotesco como vía idónea para aprehender la realidad.

Luces de bohemia

Constituye el primer esperpento valleinclanesco. En la famosa escena XII, el protagonista, Max Estrella, formula su teoría: «España es una deformación grotesca de la civilización europea». La técnica esperpéntica exige presentar una realidad distorsionada. Según el autor, el artista dispone de tres modos para contemplar la realidad:

1. De rodillas: mirando desde abajo, la realidad aparece enaltecida, tal como ocurre en la tragedia clásica.
2. De pie: al mismo nivel, considerando a los personajes como iguales (el modelo shakesperiano).
3. Levantado en el aire: mirando desde arriba con distanciamiento crítico. Valle-Inclán opta por esta perspectiva superior, observando a sus criaturas como entes inferiores o peleles.

Para lograr dicho efecto emplea recursos definidos: la animalización de los personajes, un lenguaje sumamente conciso y una amplia variedad de registros lingüísticos (culto, coloquial, vulgar) articulados sin atender a la procedencia social, generando un choque expresivo deliberado. Esta falta de identificación entre el autor y sus personajes se conceptualiza como distanciamiento deformador, conectando directamente con la tradición barroca de Francisco de Quevedo.

El argumento narra el último día de vida del poeta ciego Max Estrella. Se trata de una peregrinación nocturna y trágica por la sociedad madrileña. Sus 15 escenas se ajustan a las 24 horas del canon temporal clásico. La España retratada es una muchedumbre hundida en la miseria moral y material. Asimismo, en Luces de bohemia subyace una denuncia frontal contra el sistema capitalista y sus estamentos de control: la policía autoritaria y la corrupción política.

Otros esperpentos

El ciclo del esperpento acoge otras obras maestras como las recopiladas en Martes de Carnaval, cerrándose con La hija del capitán, donde articula una violenta crítica hacia la dictadura militar del general Primo de Rivera.

3. El teatro de la Generación del 27: Federico García Lorca

Liderado por Federico García Lorca, el teatro del 27 asimila las corrientes vanguardistas universales rompiendo con el molde puramente realista, al tiempo que recoge la tradición clásica del Siglo de Oro y el acervo popular. Sobresale un equilibrio orgánico entre vanguardismo y clasicismo. Otros dramaturgos del período, como Max Aub (autor de San Juan y Morir por cerrar los ojos), cultivaron un teatro comprometido que denuncia la injusticia y exalta la libertad.

La concepción dramática lorquiana

Lorca definió su arte escénico afirmando: «El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana». En su obra coexisten la dimensión estética y una profunda intención pedagógica y popular, faceta materializada en la fundación de la compañía universitaria ambulante La Barraca.

Los núcleos temáticos de su dramaturgia coinciden con los de su lírica: el amor frustrado, el deseo insatisfecho, el destino adverso y la colisión constante entre el principio de autoridad y la libertad individual. Sus personajes principales son casi siempre mujeres que encarnan el anhelo irrefrenable de emancipación, rebelándose de forma trágica y autodestructiva.

Su lenguaje evoluciona desde el lirismo temprano hacia una creciente desnudez expresiva, reservando el verso para canciones populares de ambientación dramática y decantándose paulatinamente por una prosa dotada de gran intensidad trágica.

Trayectoria teatral según García Posada

• 1. Dramas modernistas: producción inicial impregnada por el modernismo y el simbolismo, desde El maleficio de la mariposa hasta Mariana Pineda, drama histórico en verso emparentado formalmente con el teatro de Marquina.
• 2. Las farsas: compuestas en los años veinte, tratan el conflicto entre la mujer joven y el marido viejo. Se dividen en farsas para personas (como La zapatera prodigiosa y Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín) y farsas para guiñol (El retablillo de don Cristóbal).
• 3. Las «comedias imposibles»: llamadas así por su dificultad técnica y escénica en la época. Tienen un fuerte influjo surrealista, con personajes fantasmagóricos y libre expresión de impulsos inconscientes. Destaca El público, donde aborda abiertamente la temática homosexual y cuestiona el teatro burgués convencional frente al drama auténtico.
• 4. Las tragedias: Lorca proyectó su Trilogía dramática de la tierra española, integrada por Bodas de sangre (1932), Yerma (1934) y la inconclusa La destrucción de Sodoma. Son tragedias poéticas de aliento clásico con presencia de coro, estilización de lo popular y un destino fatal que arrastra a las figuras. Destaca el empleo de símbolos recurrentes como la luna, la sangre, el caballo o el cuchillo.
• 5. Los dramas: Doña Rosita la soltera o el lenguaje de las flores (1935) y La casa de Bernarda Alba (1936). Esta última presenta el choque radical entre la tiranía moralizadora y el deseo de plenitud vital. Su prematura muerte dejó proyectos truncados en este período de madurez absoluta.

4. La renovación teatral de posguerra

Tras la Guerra Civil española, el panorama teatral quedó profundamente mermado: autores capitales habían muerto, otros marcharon al exilio y figuras como Unamuno, Valle-Inclán o Lorca fueron censuradas. Gran parte de la escena comercial se limitó a un teatro evasivo y complaciente.

Miguel Mihura (1905-1977)

Mihura revolucionó los esquemas cómicos huyendo del costumbrismo burgués mediante el uso de la fantasía, la ternura y un humor absurdo precursor de corrientes foráneas. Aunque su obra cumbre, Tres sombreros de copa (escrita en 1932), no se estrenó comercialmente hasta 1952, representó una lúcida denuncia contra la monotonía y las convenciones burguesas bajo una arquitectura formal en tres actos. A partir de títulos como Melocotón en almíbar (1958), atenuó su carga subversiva para conectar de modo más directo con el público, manteniendo siempre su agudeza escénica.

El teatro de testimonio y realismo social

En 1949, el estreno de Historia de una escalera de Antonio Buero Vallejo supuso un punto de inflexión decisivo al inaugurar la dramaturgia de testimonio y realismo social, orientada a plasmar las duras realidades contemporáneas y eludir, en la medida de lo posible, la censura franquista.

El debate: Posibilismo frente a Imposibilismo

Surgió una célebre polémica teórica entre dos posturas antagónicas:

• El posibilismo (Buero Vallejo): defendía la necesidad de sortear la censura atenuando ciertos elementos críticos directos para garantizar el estreno de las obras e intervenir en la conciencia cívica de los espectadores desde el interior del país.
• El imposibilismo (Alfonso Sastre): postulaba una posición radical y combativa que supeditaba lo artístico a la agitación política y social. Autor de tratados teóricos como Drama y sociedad, las creaciones de Sastre sufrieron continuas prohibiciones estatales. Destacan sus dramas existenciales como Escuadra hacia la muerte (clausurada a la tercera representación), La mordaza, La cornada y sus denominadas «tragedias complejas» (entre ellas, El banquete).

Tras Buero y Sastre, emergió la generación realista, volcada en temas como la alienación laboral, la pobreza urbana, el éxodo del campo a la ciudad y la desesperanza cotidiana. Sobresalen autores fundamentales:

• Lauro Olmo: La camisa.
• José Martín Recuerda: Las salvajes en Puente San Gil.
• José María Rodríguez Méndez: Los inocentes de la Moncloa.
• Carlos Muñiz: El tintero.

5. Antonio Buero Vallejo: Compromiso ético y técnica dramática

Hijo de un militar ejecutado al inicio de la contienda civil por su fidelidad al bando republicano, Buero Vallejo fue condenado a muerte al concluir la guerra. Su pena capital fue conmutada por treinta años de reclusión, de los cuales cumplió casi siete. En el presidio trabó amistad con el poeta Miguel Hernández. Tres años después de su excarcelación obtuvo el Premio Lope de Vega por Historia de una escalera (1949), iniciando una trayectoria brillante que lo consagró como la voz dramática más laureada de la España de posguerra.

Crítica social, ética y compromiso humano

La dramaturgia bueriana aúna el análisis histórico y social con la indagación existencial sobre el ser humano. Sus textos giran alrededor del enfrentamiento dialéctico entre el deseo de autorrealización y las dolorosas cortapisas del entorno. Los personajes se debaten entre la responsabilidad moral y la esperanza.

Resulta recurrente el paralelismo entre intelectuales históricos sometidos al absolutismo y los creadores contemporáneos cercados por la dictadura, visible en piezas como Las Meninas o El sueño de la razón. Esta misma identificación la proyectó sobre la figura decimonónica de Mariano José de Larra.

Renovación técnica y recursos escénicos

• Estructura dramática: sus doce primeras producciones se ajustan a esquemas cerrados de factura tradicional. En sus once piezas posteriores evoluciona hacia estructuras abiertas, caracterizadas por la fragmentación temporal, los saltos cronológicos continuos y las mutaciones espaciales.
• Efectos de inmersión: constituye su aportación técnica más relevante. Consiste en hacer que el espectador experimente sensorialmente las mismas limitaciones físicas o psicológicas del personaje (ceguera, alucinaciones auditivas, sombras distorsionadas), obligándolo a implicarse emocional y éticamente en el conflicto.
• Simbolismo y dimensión moral: los espacios escénicos trascienden la verosimilitud naturalista (la escalera vecinal simboliza el tiempo estancado y la frustración intergeneracional). Del mismo modo, personajes con taras físicas o psíquicas personifican la búsqueda interior de la verdad y la luz ética en medio de una sociedad alienada.
• Tipología de personajes: la crítica suele dividirlos entre figuras contemplativas o soñadoras (incapaces de actuar de forma resolutiva ante su entorno) y personajes activos (hombres de acción pragmáticos que, con frecuencia, recurren a la mezquindad o la violencia, concitando el repudio del espectador).

Etapas de su trayectoria

1. Realismo existencial (1949-1957): desde Historia de una escalera hasta finales de los años cincuenta. Predominan la estética realista, la concentración espacial y temporal, y la confrontación de dilemas morales interiores. Obras representativas: En la ardiente oscuridad y Madrugada.
2. Enfoque social: las peripecias individuales pasan a explicarse por condicionamientos históricos colectivos. Obra culminante: La doble historia del doctor Valmy (censurada en España durante años), la cual preludia sus ensayos formales posteriores.
3. Experimentación e inmersión: durante los años setenta asimila procedimientos vanguardistas universales de distanciamiento y participación catártica. Su mayor hito es La fundación (1974).
4. Etapa política: coincide con el periodo posterior al fallecimiento de Franco y el advenimiento del régimen constitucional. La crítica la cataloga como su fase de explícito teatro político, donde sobresalen títulos como El caimán (1981) o Lázaro en el laberinto (1986), enfocados en los desajustes morales de la nueva sociedad democrática.