Formas Musicales y Grandes Compositores del Barroco y Clasicismo

Formas y Géneros de la Música Clásica y Barroca

Sonata clásica (forma sonata)

La forma sonata (también denominada forma de allegro de sonata o forma de primer tiempo de sonata) es una forma musical empleada ampliamente desde principios del Clasicismo. Se emplea habitualmente en el primer movimiento de una pieza de varios movimientos, aunque a veces se emplea en los siguientes movimientos también. El estudio de la forma sonata en la teoría musical se basa en una definición estándar y una serie de hipótesis sobre las razones subyacentes acerca de la duración y variedad de la forma.

La definición habitual se centra en la organización temática y armónica de los materiales tonales, que:

• Se presentan en la exposición.
• Son elaborados y contrastados en el desarrollo.
• Son resueltos armónica y temáticamente en la reexposición o recapitulación.

Además, esta definición admite que una introducción y una coda pueden estar presentes. Cada una de las secciones a veces es dividida o caracterizada de una manera particular para que cumpla su función en la forma.

Ópera

La ópera (del italiano opera, 'obra musical') designa, desde aproximadamente el año 1617, un género de música teatral en el que una acción escénica se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones suelen ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica europea y occidental.

Aria

El aria es una de las partes más importantes de la ópera barroca. Comienza con una introducción orquestal que da pie al solista y consta de tres secciones: un primer tema, un segundo tema que contrasta con el primero y un tercer y último tema llamado da capo, en el que se vuelve a repetir el primer tema.

Las arias representan la reflexión, las emociones y la paz en las óperas y, según su temática, se clasificaban en: aria di sortita (para la presentación del personaje), aria fúnebre, aria de invocación, aria de furor, aria de venganza, aria del espejo, entre otras.

Recitativo

El recitativo es una forma musical concebida para la voz humana que se caracteriza por tener las inflexiones de esta voz cuando dialoga. El recitativo se usó en la ópera, el oratorio y la cantata durante los siglos XVII al XIX. En la ópera, el recitativo sirve para separar las arias. Por otro lado, hay un tipo de recitativo en canto llano que ya existía desde hace siglos en la iglesia y en el drama litúrgico; este se diferencia del canto llano tradicional por su precisión rítmica, por su armonización y por el tratamiento afectivo de las palabras.

Es una forma de canto, normalmente para una sola voz, que se asemeja a la palabra hablada, donde el músico debe indicar las inflexiones vocales. Se llama recitativo a este tipo de canto porque se aplica a la narración, al relato y al diálogo dramático. No se rige por un tempo ni una forma determinada.

Obertura

Las primeras óperas, que datan de principios del siglo XVII, no tenían oberturas, pero sí una introducción a cargo de los vocalistas en la que realizaban un resumen de la acción que se iba a desarrollar acto seguido. Las introducciones instrumentales se comenzaron a utilizar habitualmente a mediados del siglo XVII, cuando se desarrollaron dos formas características:

• Obertura francesa: desarrollada por Jean-Baptiste Lully, estaba compuesta de dos partes: la primera lenta y estática, y la segunda rápida y con abundantes detalles contrapuntísticos.
• Obertura italiana: desarrollada a finales del siglo XVII por Alessandro Scarlatti, constaba de tres secciones: rápida, lenta y rápida. Esta constituyó el antecedente del género instrumental independiente de la sinfonía.

Concierto barroco

Esta forma musical apareció a finales del siglo XVII en Italia y se extendió rápidamente por toda Europa. En un principio eran obras bastante sencillas: lo que tocaban los solistas lo repetía la orquesta. Poco a poco, las partes solísticas ganaron en sofisticación y dificultad hasta diferenciarse totalmente de las partes orquestales; surgió de este modo el concierto solista. Solía constar de tres movimientos (normalmente Allegro-Adagio-Presto), esquema fijado por el veneciano Antonio Vivaldi y que ha sobrevivido hasta nuestros días como forma musical.

Suite

Una suite (voz francesa), en música clásica occidental y en jazz, es una forma musical compuesta por varios movimientos instrumentales breves de carácter dancístico. Su origen se encuentra en los pares contrastantes de danzas del Renacimiento. Durante el Barroco fue una de las formas musicales más importantes y está considerada como una de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno.

Para que se mantuviera la unidad interna, todos los pasajes de una suite se componían en la misma tonalidad o en su relativo menor. Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por ello, se ha considerado este género un antecedente de la forma sonata que se originó en el siglo XVII.

Cantata

La cantata («cantada», del italiano cantare) es una pieza musical escrita para una o más voces solistas con acompañamiento instrumental, generalmente en varios movimientos y en ocasiones con coro. Se distingue de la pieza concebida para ser tocada o «sonada» (la sonata). La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio.

El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano y contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces.

Oratorio

El oratorio es un género musical dramático sin puesta en escena, vestuario ni decorados. Compuesto generalmente para voces solistas, coro y orquesta sinfónica, y a veces dotado de un narrador, su temática es frecuentemente religiosa (historias bíblicas, episodios de la vida de Jesús, hagiografías, etc.). Consta habitualmente de coros, arias, recitativos y pasajes instrumentales.

Aunque el oratorio abordaba principalmente asuntos religiosos (historias de la Biblia o vidas de santos), también admitía contenido profano (héroes mitológicos, temas históricos, himnos a la naturaleza, etc.). Formalmente es muy cercano a la cantata y a la ópera, comprendiendo generalmente una obertura, recitativos, arias y coros.

Bajo continuo

Es un procedimiento musical empleado para acompañar las formas musicales del Barroco. Comprende tres planos sonoros: la voz superior, la parte intermedia y el bajo. Las partes intermedias debían suponer un mero relleno, sin gran interés melódico propio, por lo que quedaban en un segundo plano. Se desarrolló durante el siglo XVI y la primera mitad del siglo XVII, cayendo en desuso hacia 1750-1770. Tuvo su origen en Italia.

Sinfonía

Una sinfonía es un tipo de composición musical orquestal (aunque actualmente es común encontrar sinfonías para plantillas más reducidas), dividida clásicamente en cuatro movimientos, cada uno con un tempo y una estructura formal diferente. Son célebres las sinfonías de Haydn, Mozart y Beethoven en el período clásico. La forma de la sinfonía ha variado con el tiempo entre el Clasicismo, el Romanticismo y el siglo XX; por ejemplo, las contemporáneas de Arthur Threisher son de tres movimientos.

El tamaño de la orquesta no es un factor fijo para interpretar una sinfonía, pues en general ha crecido a través del tiempo: mientras que una orquesta de cámara con un par de docenas de instrumentos es suficiente para interpretar una sinfonía de Haydn, una obra de Gustav Mahler puede requerir varios centenares de ejecutantes.

Grandes Compositores

Claudio Monteverdi

Claudio Giovanni Monteverdi fue un compositor, gambista y cantante italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Se erige como la figura capital en la transición entre la música del Renacimiento y la del Barroco.

Wolfgang Amadeus Mozart

Compositor fundamental de la época del Clasicismo que, a pesar de su corta vida, compuso cerca de 750 obras. Destacó por la asombrosa espontaneidad en su proceso de composición; se afirma que muchas de sus partituras fueron redactadas de un solo trazo. Desarrolló una producción variada en la que destacaron óperas, sinfonías y conciertos para piano, violín y otros instrumentos, además de abundante música religiosa a través de sus misas. Entre sus últimas composiciones sobresalen el Réquiem y la ópera La flauta mágica. Su música se caracteriza por reflejar alegría, serenidad y ternura.

Johann Sebastian Bach

Compositor alemán que, junto con Händel, representa la culminación del Barroco. Ninguno de los dos inventó formalmente estilos enteramente nuevos; su genialidad radicó en perfeccionar los modelos existentes hasta cotas insospechadas. En vida, Bach no fue debidamente valorado como compositor de primera línea, gozando de mayor reconocimiento como organista virtuoso. Por ello, gran parte de su obra cayó en un relativo olvido tras su muerte, hasta que Felix Mendelssohn promovió su redescubrimiento en 1829.

Entre sus obras destacan el Concierto de Brandeburgo n.º 4 y su vasta producción de cantatas sacras, en las que sobresalían tres elementos fundamentales: corales con textos bíblicos, recitativos como preámbulo vocal y arias construidas con la forma da capo (como en la célebre cantata BWV 140).

Georg Friedrich Händel

Georg Friedrich Händel fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre del Barroco y uno de los creadores más influyentes de la música occidental. En la historia de la música destaca por ser el primer compositor moderno que orientó deliberadamente su producción a satisfacer los gustos y demandas del público general, apartándose paulatinamente de la exclusividad aristocrática y mecenal tradicional.

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827). Su música reflejó un combate interior de dolor y rebeldía que emulaba su propia vida. Se rebeló contra las estrictas convenciones clásicas por considerar que limitaban la libre expresión de su pensamiento musical. Lejos de restringirse a los temas trágicos, su obra interroga las grandes cuestiones que atañen a la condición humana, otorgándole a su mensaje un alcance ético y universal.

La pasión, los contrastes extremos y una poderosa dinámica sonora dominan sus composiciones. Con su aportación, la música del incipiente Romanticismo se convirtió en una efusión lírica de la intimidad espiritual del creador. En su catálogo destacan las sonatas para piano, género en el que inauguró un nuevo estilo técnico virtuoso y profundizó en el desarrollo temático. En la orquestación, valoró equilibradamente las tres familias de instrumentos e incorporó sonoridades novedosas como los trombones y el flautín. Entre sus creaciones más universales figuran la Quinta Sinfonía y piezas como la Marcha turca.