Generación del 27: Poetas, Teatro y Novela Hispanoamericana del Siglo XX

Generación del 27

Se denomina Generación del 27 al grupo de poetas que comienzan su actividad literaria en España en los años 20. De hecho, debe su nombre a las estrechas relaciones de amistad que mantuvieron entre sí y se presentaron ya en la conmemoración del tricentenario de la muerte de Luis de Góngora.

La nómina de los poetas del 27 está integrada por Pedro Salinas, Jorge Guillén, Rafael Alberti, Dámaso Alonso, Gerardo Diego, Federico García Lorca, Vicente Aleixandre, Luis Cernuda, Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Han recibido una educación universitaria y tienen una sólida formación cultural. Imbuidos de un cierto elitismo intelectual, se preocupan por la política española. Comparten el mismo anhelo de perfección, aspiran a la obra bien hecha. Son muy representativos sus homenajes a Góngora. Saben conciliar lo moderno y vanguardista con la herencia literaria legada por los siglos anteriores.

Su poesía se caracteriza por:

• La poesía popular tradicional: canciones y romances.
• Los clásicos del Renacimiento y del Siglo de Oro.
• La influencia de Gustavo Adolfo Bécquer, Rubén Darío y Juan Ramón Jiménez, con su ideal de poesía pura.
• Las vanguardias: el surrealismo, el futurismo, el ultraísmo y el creacionismo.
• También les influyeron José Ortega y Gasset y Ramón Gómez de la Serna.
• Cultivo intenso de la imagen y la metáfora. Crean un vocabulario poético brillante y sugerente que sustituye la realidad cotidiana por la literaria. Crean la imagen visionaria y la metáfora con influencia surrealista, donde la razón no recorre ninguna semejanza lógica entre los términos A y B. Ambos términos se relacionan ya que provocan en el lector la misma emoción.
• Innovación métrica. Utilizan el verso libre y el versículo, con una influencia surrealista que se caracteriza por su gran longitud. El ritmo se mantiene a partir de las repeticiones de todo tipo.
• Variedad de temas. Utilizan temas vanguardistas relacionados con la técnica, lo moderno, etc., e intentan recuperar temas tradicionales como el amor, la muerte, etc.

Trayectoria de la generación

Desde 1920 hasta 1927

En esta primera etapa influyen el romanticismo de Bécquer, la poesía tradicional y la de los clásicos. Son rasgos comunes el ideal de perfección formal, el uso intensivo de la metáfora, el afán por explorar nuevas posibilidades del lenguaje y el empleo de los versos y estrofas tradicionales. La etapa se cierra con el homenaje a Góngora en 1927.

Desde 1927 hasta 1939

La deshumanización asume un contenido trascendente. A partir de 1927, los poetas abandonan en sus composiciones el lenguaje y las formas poéticas tradicionales. Renuncian a la estrofa y a la rima, incorporan el verso libre y el versículo, y dan énfasis a los temas existenciales, políticos y sociales. Es el momento en que los poetas comienzan a politizarse. Se adhieren a la causa republicana y entran en el Partido Comunista. Sobre todos ejerció una influencia decisiva el poeta surrealista Pablo Neruda, de ideología comunista. La politización de la literatura se intensifica en los años de la Segunda República y durante la Guerra Civil.

La posguerra

La mayoría de los poetas del 27 tuvieron que partir al exilio. En España solo quedaron Vicente Aleixandre, Gerardo Diego y Dámaso Alonso. El dolor de la guerra, el exilio forzoso y el estado de la Segunda Guerra Mundial explican el dramatismo y el tono sombrío de la poesía del 27 en esta etapa. El retorno a las formas poéticas tradicionales y clásicas es uno de sus rasgos más destacados.

Federico García Lorca

Su trayectoria poética se divide en dos etapas:

• Etapa de juventud. Incluye sus primeros escritos: Impresiones y paisajes y Libro de poemas. Este último lo escribió bajo el influjo de Rubén Darío, Antonio Machado y Juan Ramón Jiménez.
• Etapa de plenitud. Comienza con el Poema del cante jondo, que se inscribe en la lírica neopopularista y presenta su mayor madurez temática, formal, conceptual y sentimental. Los temas de esta obra son la muerte y la incompatibilidad moral del mundo gitano con la sociedad burguesa. Lorca emplea los procedimientos habituales de la poesía de origen popular. Escribió Primeras canciones y Canciones; en ambos emplea la canción y el romance. Los temas son el tiempo y la muerte.

Su obra poética neopopularista culmina en el Romancero gitano, compuesto por 18 romances e inspirado en el mundo gitano y su folclore. Lorca elevó al gitano al rango de mito literario. El lenguaje estilizado, de gran concisión expresiva, resulta de la fusión de lo popular y lo culto. Palabras utilizadas por Lorca con valor simbólico son la rosa (mujer), el azul (hombre), el viento (erotismo), la luna (muerte), etc.

Lorca escribió Poeta en Nueva York durante la crisis económica y social que provocó el crac de la bolsa neoyorquina. Emplea imágenes visionarias del lenguaje surrealista. Su obra se cierra con Seis poemas galegos y Sonetos del amor oscuro.

Teatro de posguerra

Años 40

La comedia burguesa

Se desarrolla en espacios lujosos, donde personajes pertenecientes a la burguesía viven conflictos personales relacionados con el adulterio, la soltería, la nostalgia del pasado, el choque generacional y la crisis de valores tradicionales. La resolución de tales conflictos suele desembocar en un final feliz que pretende ser ejemplar. Eluden los conflictos sociales y políticos. Los autores más destacados son:

• José María Pemán, quien cultivó géneros desde el histórico al costumbrista.
• Joaquín Calvo Sotelo, que escribió comedia humorística de evasión y drama de tesis.
• Juan Ignacio Luca de Tena, con ¿Quién soy yo?.

Teatro humorístico

Destacan dos autores:

• Enrique Jardiel Poncela, quien se propuso renovar la comedia rompiendo con las formas tradicionales de lo cómico.
• Miguel Mihura, que impulsó una nueva forma teatral basada en la inverosimilitud y el rechazo del realismo.

Años 50/60

Surge un teatro de carácter existencial que trata de reflejar las vivencias, estado de ánimo e inquietudes de los españoles en la posguerra. Destacan:

• Antonio Buero Vallejo. Es uno de los autores más importantes del teatro español de la segunda mitad del siglo XX. El papel que desempeñó fue doble: le devolvió la función testimonial, social y moral, y actualizó el género trágico con Historia de una escalera. Utiliza un lenguaje realista y simbólico para reflejar la tragedia del individuo y la esperanza y el compromiso con lo ético.
• Alfonso Sastre. Comienza escribiendo obras de contenido existencial, pero pronto asume los postulados del realismo y orienta su escritura hacia temas sociales, revolucionarios y de denuncia social, como Escuadra hacia la muerte y La mordaza.

Años 60/70

Defienden un teatro comprometido, testimonial, de inspiración costumbrista, próximo al sainete, a la tragedia grotesca de Arniches, al esperpento de Valle-Inclán y a la obra dramática de Bertolt Brecht. Sus personajes son de extracción humilde. Destacan:

• Lauro Olmo, con La camisa, que aúna la ternura costumbrista, la visión esperpéntica de la vida y la denuncia social.
• José Martín Recuerda, que advierte un progresivo alejamiento de la estética realista para acercarse a otras formas, con obras como Los salvajes de Puente San Gil.
• Antonio Gala, cuyo teatro se distingue por el empleo de un lenguaje poético-simbólico que tiende al barroquismo, la reflexión sobre los temas humanos íntimos, una visión de la realidad cercana a lo mágico y cierta intención crítica de la sociedad. Obras como Anillos para una dama.

Vanguardias y corrientes experimentales

Hacia los años 70 irrumpe en la escena española un grupo de dramaturgos que se proponen superar las limitaciones estéticas del realismo, incorporando corrientes experimentales extranjeras: teatro de crueldad, del absurdo, etc. Les preocupan los temas políticos, sociales y morales referidos a España. Desde el punto de vista estético, coinciden en considerar el texto dramático solo como base de la creación teatral, utilizar un lenguaje poético-alegórico de filiación vanguardista, presentar a los personajes bajo la apariencia simbólica, conceder gran relevancia a los códigos sonoros y visuales, y concebir el teatro como una representación en la que el espectador tiene que participar. Destaca Francisco Nieva. Su teatro es una mezcla de vanguardismo y esperpento.

• El teatro furioso comprende obras que cuestionan las instituciones tradicionales españolas y el autoritarismo, como Pelo de tormenta.
• El teatro de farsa y calamidad, al que pertenecen las obras más poéticas y de contenido metafísico, como Malditas sean Coronada y sus hijas.
• El teatro de crónica y estampa, de tema político, como Sombra y quimera de Larra.

Novela hispanoamericana del siglo XX

Las principales tendencias que la integran se suceden en el tiempo. La novela de la tierra triunfa con narraciones en las que la naturaleza se convierte en el centro de las obras. El tema principal es la lucha entre la civilización y la barbarie, asociadas al mundo de la ciudad y del hombre, y al espacio natural. En la década de los 30 se generaliza el cultivo de la novela social, influida por el realismo socialista y alejada del simbolismo modernista. Se advierten tres ciclos temáticos:

• La novela indigenista. Con la publicación de El mundo es ancho y ajeno, de Ciro Alegría, y de Huasipungo, de Jorge Icaza. Las dos obras reducen el problema a un esquema simple en el que el indio bueno es pisoteado por los terratenientes blancos, situación que conduce al enfrentamiento. La novela indigenista se transforma a raíz de Los ríos profundos, de José María Arguedas, y de Redoble por Rancas, de Manuel Scorza. Abandonan la visión de la sociedad y el realismo simplista, combinando lo real y lo mágico.
• La novela de la Revolución mexicana. Se inicia con Los de abajo, de Mariano Azuela, y cierra su etapa con La sombra del caudillo, de Martín Luis Guzmán. Guzmán anticipa la idea del fracaso social del proceso revolucionario que desarrollarán escritores como Juan Rulfo en Pedro Páramo.
• La novela del dictador. Las obras se adscriben a distintas tendencias narrativas y están compuestas a lo largo del siglo XX. Su existencia se debe a la situación política de muchas naciones hispanoamericanas, sometidas a dictaduras desde su nacimiento. Este hecho ha llevado a considerar al dictador como elemento determinante de su realidad. Destacan obras como El otoño del patriarca, de Gabriel García Márquez.

La publicación de La ciudad de los perros, de Mario Vargas Llosa, y de Cien años de soledad, de García Márquez, da comienzo al boom de la novela hispanoamericana. Se trata de un fenómeno editorial, ya que el éxito internacional de estas novelas abre las puertas al mundo de la narrativa escrita en Hispanoamérica y posibilita el conocimiento de escritores pertenecientes a generaciones anteriores. Los autores del boom comparten un conjunto de rasgos:

• Adoptan una actitud positiva ante la Revolución cubana.
• Renuevan el realismo, asumiendo la influencia de la literatura innovadora anterior y de la Generación perdida norteamericana.
• Recuperan géneros y tendencias tradicionales en Hispanoamérica: la naturaleza como elemento central de las obras, el indigenismo, la Revolución mexicana o el tema del dictador.
• Intentan reflejar la esencia de Hispanoamérica, su paisaje, su historia, su cultura, con la intención de explicar y denunciar la situación presente.

Se advierten distintas tendencias que a menudo se combinan:

• El realismo mágico, también llamado lo real maravilloso. Algunos hispanoamericanos destacan los elementos mágicos y maravillosos presentes en su realidad, influidos por las vanguardias europeas y las culturas precolombinas. Defienden la idea de que esta realidad se puede conocer a través del inconsciente, el sueño, etc. Las supersticiones y leyendas convierten los hechos reales en otros sin que sea fácil la delimitación entre ambos planos. Hay innovaciones técnicas:
  • Subjetivismo. Reacciona contra el narrador omnisciente en tercera persona y muestra la acción a través de la óptica parcial del protagonista o de distintos personajes, adquiriendo una gran variedad de perspectivas.
  • Incorporan a sus historias el mundo del subconsciente con técnicas como el monólogo interior o la segunda persona narrativa.
  • Ruptura de la linealidad temporal. A veces se producen saltos cronológicos y otras se entrecruzan los tiempos.
  • Siguen tratando temas existenciales y añaden los temas de la soledad y la incomunicación.
  • Los aspectos formales. La sucesión se concibe como un acto de comunicación, por eso se describe de forma clara y directa. Estas novelas necesitan de un lector activo capaz de analizar la materia narrativa.
• El tratamiento más tradicional de la realidad. Son escritores preocupados por la cuestión social americana, que analizan, explican e intentan transformar mediante la denuncia.
• Conflictos existenciales, como en El túnel y Sobre héroes y tumbas, de Ernesto Sábato.
• La narración fantástica cultivada por Jorge Luis Borges.

Tras el boom narrativo surgen nuevas promociones de escritores. Junto a la novela, el cuento es un género narrativo muy cultivado desde los años 40 hasta la actualidad. Recopilado en colecciones, ha dado títulos de gran calidad y originalidad debido a las peculiaridades culturales y literarias de este contenido. El cuento ha adelantado innovaciones estructurales y lingüísticas que desarrollaron los escritores del boom de los años 60. Destaca Jorge Luis Borges con El Aleph.