Literatura española de posguerra: narrativa y poesía de 1940 a los años 70

La narrativa desde 1940 hasta los años 70

La narrativa de la década de 1930 y la novela del exilio

La novela de los años 30 (como la poesía) había tendido hacia la rehumanización y el compromiso social, tras abandonar la deshumanización de los años 20. En esta línea se encuentra la literatura de Ramón J. Sender, Max Aub, Francisco Ayala y Rosa Chacel, quienes al acabar la guerra marchan al exilio por su apoyo a la República. Su obra se realiza al margen de la literatura que se hace en España y, en general, tratan con insistencia sobre el tema de la guerra.

La novela de los primeros años de posguerra

En 1939 el panorama cultural es desolador: muchos autores se han exiliado y la literatura se encuentra determinada por la presión de la censura, que impide que se pueda expresar una denuncia explícita. En la década de los 40 solo hay casos excepcionales y aislados, como Gonzalo Torrente Ballester, Camilo José Cela, Carmen Laforet y Miguel Delibes. Estos autores encarnan dos tendencias narrativas principales: la novela existencial y el tremendismo.

1. Novela existencial

Lo existencial se convierte en uno de los temas fundamentales de la narrativa. Paralelamente a lo que ocurre en la poesía desarraigada, la desorientación, la hostilidad de la vida y la angustia marcan los motivos de parte de la novela de estos años.

• 1944: Nada, de Carmen Laforet (Premio Nadal): la trama recoge hechos cotidianos de su vida, inmersa en la incomunicación y el desencanto.
• 1947: La sombra del ciprés es alargada, de Miguel Delibes: novela impregnada de preocupaciones existencialistas, como la obsesión por la muerte y por la infelicidad.

2. El tremendismo

Algunas novelas reflejan los aspectos más desagradables y brutales de la realidad para efectuar una reflexión profunda sobre la condición humana.

• 1942: La familia de Pascual Duarte, de Camilo José Cela: la novela narra un cúmulo de crímenes y de atrocidades que parecen verosímiles por el tipo de protagonista y por el ambiente. Como un nuevo pícaro, Pascual Duarte narra su biografía para que entendamos cómo ha llegado a ser un condenado a muerte.

Década de los 50: El realismo social

Con la Guerra Fría, en los años 50, España empieza a salir del aislamiento y se incorpora a algunos organismos internacionales dentro de la órbita de EE. UU. El incipiente desarrollo del turismo y la industria trae cierta recuperación económica y cambios en los estilos de vida, como las migraciones de los campesinos hacia las ciudades y la difícil inserción de estas personas en los suburbios urbanos. Al mismo tiempo, los jóvenes que han vivido la guerra como niños o adolescentes empiezan a manifestar actitudes críticas respecto al poder y a la división social entre vencedores y vencidos.

Para muchos, La colmena de Camilo José Cela, publicada en 1951, es un precedente de la novela social. En ella, con mayor o menor realismo, aparece reflejada la sociedad del momento (la de la inmediata posguerra).

Se observan dos grandes tendencias:

• a) El neorrealismo: Se centra en los problemas del hombre como ser individual (la soledad, la frustración...). Destacan Ana María Matute, Ignacio Aldecoa (El fulgor y la sangre), Rafael Sánchez Ferlosio (El Jarama, 1956; novela conductista concebida como crónica de un día de domingo de un grupo de jóvenes junto al río Jarama) y Carmen Martín Gaite (Entre visillos).
• b) Novela social (realismo social): Se centra en los problemas de los grupos sociales. Sobresalen Jesús Fernández Santos (Los bravos, 1954), Jesús López Pacheco (Central eléctrica), Juan García Hortelano (Nuevas amistades, 1959; Tormenta de verano) y Armando López Salinas (La mina).

El tema recurrente de estas obras es la propia sociedad española: la dureza de la vida en el campo, las dificultades de la transformación de los campesinos en trabajadores industriales, la explotación del proletariado y la banalidad de la vida burguesa. El estilo de la novela realista es sencillo, tanto en el lenguaje como en la técnica narrativa, pues pretende llegar a un público amplio. Los contenidos testimoniales o críticos son los más importantes.

La novela de los años sesenta: entre la preocupación social y el experimentalismo

Durante la década de los sesenta se detecta un cierto agotamiento del realismo social y una clara evolución hacia la experimentación y la renovación formal. Autores como Luis Goytisolo o Juan Goytisolo constituyen la avanzadilla de estas nuevas tendencias:

1. Los escritores españoles se dejan influir por autores europeos (Proust, Kafka, Joyce), norteamericanos (Faulkner, Dos Passos) o latinoamericanos del boom (Vargas Llosa, Cortázar, García Márquez).
2. Las novelas pasan a ser más complejas y experimentales, orientadas hacia un lector con mayor preparación intelectual que el de los años 50.
3. Las novedades no afectan solo al argumento o a la estructura, sino también a la ortografía y puntuación, suprimiendo párrafos o signos gráficos, y propiciando la mezcla de géneros.
4. Ya no se pretende únicamente denunciar la situación social, sino que también se persigue la experimentación con nuevas formas y técnicas narrativas, como el perspectivismo, el monólogo interior o las continuas rupturas temporales (saltos hacia atrás y adelante en la trama).

Dos novelas son consideradas los modelos definitivos de estas nuevas tendencias: Tiempo de silencio (1962), de Luis Martín-Santos, y Señas de identidad (1966), de Juan Goytisolo.

La evolución de la poesía española de posguerra

Las circunstancias histórico-sociales de estas décadas propician distintas orientaciones artísticas en la lírica española, tales como una poesía de evasión, de compromiso social o de experimentación.

Miguel Hernández (1910-1942)

Nacido en Orihuela en 1910, participó como soldado junto al ejército republicano durante la Guerra Civil. Al acabar la contienda fue encarcelado en diversas prisiones españolas y condenado a muerte; aunque la sentencia le fue conmutada por 30 años de reclusión, su vida se vio truncada definitivamente en 1942 en el penal de Alicante a consecuencia de la tuberculosis. En su producción poética se establecen cuatro etapas:

• a) Poesía de tono barroco: Se refleja en Perito en lunas (1934). Son 40 octavas reales de clara influencia gongorina y vanguardista. Sobresalen las metáforas y los símbolos como medios poéticos para transmutar y enriquecer la realidad cotidiana (la luna, el toro, la noria, el labrador...).
• b) Plenitud amorosa y poesía impura: En 1936 publica El rayo que no cesa. El centro vital de la obra es la pasión amorosa hacia la que sería su mujer, Josefina Manresa; una pasión obstaculizada por los convencionalismos de la moral provinciana: el amor es un «rayo» clavado en el corazón con trágicos presagios de muerte. En cuanto al estilo, abandona el barroquismo formal previo y presenta una poesía más desgarrada, instalada en la corriente de la «poesía impura» promovida por Pablo Neruda y en la concepción telúrica del amor cercana a Vicente Aleixandre. La obra se compone mayoritariamente de sonetos, aunque incluye en tercetos encadenados su célebre «Elegía a Ramón Sijé» (muerto en 1935), canto sincero y conmovido al amigo perdido.
• c) Poesía de combate durante la guerra: Miguel Hernández emplea su lírica para luchar por la causa republicana y escribe Viento del pueblo, integrándose activamente en el romancero bélico. Como el viento, la voz del poeta alienta a los soldados en las trincheras, arenga al combate y mantiene viva la esperanza. Son poemas que lloran la muerte de Lorca y de los combatientes en el frente, a la par que ensalzan al niño yuntero, el sudor de los campesinos o la figura lejana de la esposa. En esta etapa redacta también El hombre acecha, donde la palabra sigue siendo trinchera moral, si bien la muerte de su primer hijo y la inminente derrota tiñen los versos de profunda desolación.
• d) Poesía desnuda y reflexiva: Las metáforas se reducen sensiblemente en busca de una expresión directa, honda y esencial. Son composiciones creadas mayoritariamente en presidio, recopiladas en Cancionero y romancero de ausencias (1938-1941): el poeta se duele de la separación familiar, recrea intensos testimonios de amor hacia su esposa y evoca una guerra generadora de ruina y dolor, sin renunciar del todo a la esperanza. Destacan entre sus páginas las sobrecogedoras «Nanas de la cebolla», dedicadas a su segundo hijo.

Años 40: Poesía arraigada frente a poesía desarraigada

La lírica de la década de 1940 se vertebra fundamentalmente en torno a tres publicaciones periódicas:

• 1. Revista Escorial: Reunió a los miembros de la Generación del 36 (Luis Rosales, Leopoldo Panero, Dionisio Ridruejo y Luis Felipe Vivanco), volcados en una poesía intimista centrada en motivos tradicionales como el amor, la fe, la tierra y el paisaje.
• 2. Revista Garcilaso: Fundada con el respaldo oficial del régimen franquista con el propósito de forjar un modelo estético funcional a la dictadura. Dirigida por José García Nieto y secundada por autores afines a Escorial, cultivó temas como Dios, la patria o el paisaje castellano mediante un riguroso dominio formal. Dámaso Alonso acuñó para esta corriente formalista y evasiva el marbete de poesía arraigada, caracterizada por proyectar un universo armónico ajeno a las penurias del contexto histórico.
• 3. Revista Espadaña (1944): Surgió en confrontación directa con el formalismo oficialista, reclamando un testimonio de mayor densidad existencial y humana que testimoniara las heridas de la posguerra, corriente denominada por Dámaso Alonso como poesía desarraigada. Renace así la concepción de la poesía como vía de comunicación y testimonio de preocupaciones universales: la angustia histórica, la orfandad metafísica, la incomunicación y la muerte. Resulta axial el año 1944 con las publicaciones simultáneas de Hijos de la ira (Dámaso Alonso) y Sombra del paraíso (Vicente Aleixandre), unidas a la fundación de Espadaña por autores como Eugenio de Nora y Victoriano Crémer, a los que se suman Gabriel Celaya, Blas de Otero, Carlos Bousoño y José Hierro.

Vanguardismo y Postismo

Al margen de las corrientes arraigada y desarraigada, pervivieron impulsos vanguardistas vinculados al legado del 27 y al surrealismo, patentes en el grupo Cántico de Córdoba y en el movimiento del Postismo (abreviatura de postsurrealismo), impulsado por Carlos Edmundo de Ory. En esta estética, el deseo erige el dinamismo vital del poema mediante imaginerías alucinatorias y asociaciones procedentes del inconsciente.

Años 50: La poesía social

Hacia 1955 cristaliza el denominado realismo social en el panorama lírico a través de dos obras determinantes: Pido la paz y la palabra de Blas de Otero y Cantos iberos de Gabriel Celaya. Ambas propuestas trascienden la angustia individualista previa para reubicar los conflictos del individuo en el entramado sociopolítico colectivo.

Esta pauta temática concibe a España como obsesión reflexiva bajo una óptica marcadamente política, canalizando cuestiones idénticas a las del teatro y la novela coetáneos: la marginación social, la servidumbre laboral, la alienación del individuo y la conquista de libertades democráticas. Su discurso adopta prioritariamente un léxico llano, comunicativo y de corte coloquial concebido expresamente «para la inmensa mayoría». Los creadores más representativos de esta promoción son José Hierro, Gabriel Celaya y Blas de Otero.

Años 60 y 70: La Generación del 50

A finales de los cincuenta irrumpe una nueva promoción poética (conocida como la promoción de los sesenta o Generación del 50) que, sin postergar las tensiones sociales, persigue una depuración estética superior e introduce un viraje de lo colectivo a la esfera biográfica individual. Conciben la escritura poética como un medio de introspección cognoscitiva: comprender la realidad a través del autoconocimiento. Este núcleo reúne a autores como Ángel González, Jaime Gil de Biedma, José Ángel Valente, Francisco Brines y Claudio Rodríguez.

Sus líneas temáticas compartidas comprenden:

• La vivencia elegíaca del tiempo devastador y la mitificación de la infancia y la juventud como paraísos perdidos.
• El erotismo amoroso, la vivencia corporal y la exaltación ética de la amistad.
• La metapoesía y la reflexión crítica sobre el acto de la escritura.
• El testimonio cívico y político abordado a través de recursos de distanciamiento como la ironía, la parodia y la precisión lírica.

En el aspecto formal concilian el tono conversacional con una severa exigencia de síntesis expresiva y personalidad estilística, prescindiendo por lo común de las estridencias vanguardistas.

Los años 70: Los Novísimos

Durante la década de 1970 se instaura una profunda ruptura con el realismo testimonial precedente, caracterizada por la autonomía estética, la experimentación formal y la incorporación masiva de elementos de la cultura de masas (el cine clásico, los deportes, la televisión, los cómics y la música pop), combinados con abundantes citas culturalistas de signo cosmopolita. A sus integrantes se les conoció con frecuencia como «culturalistas» o «venecianos» por su fascinación por atmósferas estéticas decadentes y refinadas.

La denominación del grupo arranca de la célebre antología editada en 1970 por Josep Maria Castellet bajo el título Nueve novísimos poetas españoles, que congregó a Pere Gimferrer (figura referencial del movimiento), Guillermo Carnero, Félix de Azúa, Antonio Martínez Sarrión, Manuel Vázquez Montalbán, Leopoldo María Panero, Ana María Moix, Vicente Molina Foix y José María Álvarez. A esta corriente de renovación se sumarían más tarde voces como las de Luis Alberto de Cuenca y Luis Antonio de Villena.