Pintura Barroca Europea y Española: Vermeer, Ribera, Zurbarán y Murillo
El arte de la pintura (Johannes Vermeer)
- Autor: Johannes Vermeer.
- Cronología: 1666.
- Estilo: Barroco.
- Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo.
- Localización: Museo de Historia del Arte de Viena, Austria.
- Tema: Alegoría.
Descripción y significado de la obra
La obra representa una escena íntima de un pintor retratando a una modelo femenina junto a una ventana. La composición cuenta únicamente con dos personajes: el propio pintor y su modelo. Se cree que la figura del artista constituye un autorretrato de Vermeer. Su vestimenta lujosa subraya la idea de que el pintor no es un mero artesano, sino el ejecutor de un trabajo distinguido y noble.
Los expertos atribuyen un carácter simbólico a diversos aspectos del cuadro. Por ejemplo, la ausencia de velas en el candelabro representa la supresión de la fe católica. Como corresponde a una alegoría, la luz natural se transforma en una luz glorificadora. Este cuadro destaca por ser el más grande y complejo de toda la producción de Vermeer, además de ser famoso por figurar entre las obras predilectas del propio artista. Creado en una época sin fotografía, ofrece una representación visual sumamente realista de la escena. Otros de sus puntos fuertes son el empleo magistral de colores brillantes y el impacto de la luz natural filtrándose a través de las ventanas.
Características generales de la pintura barroca española
La pintura barroca en España presenta rasgos específicos y relevantes que definen su personalidad artística:
- Ausencia de ciertos rasgos del Barroco internacional: Elementos como lo grandilocuente o lo coral son sustituidos en la escuela española por un enfoque íntimo, sobrio y humilde.
- Predominio de la temática religiosa: Aunque maestros como Diego Velázquez incorporan el paisaje y la mitología, y Francisco de Zurbarán cultiva el bodegón, la temática sacra continúa siendo el eje principal.
- Ausencia de sensualidad: La marcada vigilancia de la Iglesia católica redujo de forma drástica el tratamiento de los desnudos y lo sensual.
- Uso del tenebrismo: No se utilizó únicamente como recurso técnico de iluminación, sino como vehículo primordial para transmitir profundos valores espirituales.
Principales maestros del Barroco español
José de Ribera
En la producción de José de Ribera (referido en ocasiones erróneamente como Francisco Ribera) se ha destacado con frecuencia su crudo realismo, patente en obras cumbres como El martirio de San Felipe. Durante su estancia en Nápoles, Ribera se mantuvo fiel al estilo y al claroscuro dramático de Caravaggio.
De esta etapa procede su serie de Filósofos y sabios de la Antigüedad. Aunque tales representaciones resultaban frecuentes en el siglo XVII, la novedad radicaba en el tratamiento que les confirió: personajes vulgares ataviados con ropas humildes y gastadas. La tipología suele repetirse de forma constante: la figura situada frente al espectador, representada de medio cuerpo tras una mesa. Entre sus composiciones más singulares destacan La mujer barbuda y otro sobresaliente ejemplo de realismo extremo, El niño cojo.
Francisco de Zurbarán
Un género de enorme aceptación durante el periodo barroco fue el de las naturalezas muertas o bodegones. Zurbarán legó admirables ejemplos, entre los que descuella el Bodegón de Los Ángeles (Naturaleza muerta con limones, naranjas y una taza con rosa), considerada la naturaleza muerta más lograda y de mayor belleza atribuida al pintor.
La composición se articula en torno a un canastillo de mimbre colmado de naranjas y coronado por azahar. A los lados, sobre platos de estaño, reposan unos grandes limones y, en el extremo opuesto, una taza alta junto a una delicada rosa. Este motivo de la taza y la rosa reaparece en varias de sus obras. Zurbarán recurre a un sistema de iluminación intensa y dirigida que subraya la rotundidad de los volúmenes y las diversas texturas de frutas y recipientes.
Asimismo, a lo largo de su carrera pintó numerosas figuras de Santas Vírgenes, concebidas como auténticos retratos «a lo divino». Un exponente característico de esta serie es Santa Casilda.
San Hugo en el refectorio de los cartujos
- Autor: Francisco de Zurbarán.
- Cronología: Hacia 1655.
- Estilo: Barroco.
- Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo.
- Localización original: Sacristía de la Cartuja sevillana de Santa María de las Cuevas.
- Localización actual: Museo de Bellas Artes de Sevilla.
- Tema: Religioso.
De los tres grandes lienzos ejecutados para la Cartuja, constituye el más complejo e intenso. Representa el milagro en el que San Hugo visita el refectorio de los monjes cartujos y comprueba cómo la carne servida en sus platos se transforma milagrosamente en ceniza. Para estructurar la escena, Zurbarán recurrió a modelos ajenos de composición; sin embargo, los rostros de los monjes forman una admirable galería de expresiones místicas y ensimismadas.
Bartolomé Esteban Murillo
El Niño Jesús, San Juan Bautista niño y la Virgen niña figuran entre los temas devocionales de mayor éxito en la producción de Murillo. Sus representaciones infantiles nunca muestran a los niños como hombres en miniatura, sino que capturan con fidelidad la gracia y ternura de la infancia. Una de sus obras más célebres en este ámbito es El buen pastor, donde incorporó un movimiento natural y un sobresaliente dominio del color y las veladuras.
El pintor también se inspiró en los tipos populares de su tiempo. Así se aprecia en La Sagrada Familia del pajarito o en Los niños de la concha, donde el cordero, símbolo de San Juan Bautista, contempla a los infantes. Junto a su producción religiosa, Murillo retrató la realidad cotidiana y marginal de Sevilla, como demuestran piezas magistrales del costumbrismo barroco: El joven mendigo (o El niño despiojándose) y Niños comiendo melón y uvas.