Ritmo, melodía, armonía y textura en la música: fundamentos del lenguaje musical
1. Ritmo
El ritmo no es un elemento exclusivo de la música. Podemos descubrir su presencia en otras manifestaciones: el cambio de las estaciones, el día y la noche, la respiración, el caminar, etc. Todas estas realidades tienen en común su carácter cíclico, es decir, la repetición de momentos de tensión y de reposo, de subidas y bajadas. El ritmo es, por tanto, la sucesión de dos estados opuestos.
Musicalmente, el ritmo se define como la ordenación de los sonidos y silencios en el tiempo. Esta ordenación rítmica se realiza en base a la distribución de los pulsos regulares que marcan los compases, en los que distinguimos tiempos fuertes o acentuados y tiempos débiles.
1.1. Ritmos básicos
Recuerda lo que ya hemos estudiado sobre los compases. La mayor parte de nuestra música responde a dos tipos básicos de ritmo: binario y ternario, o a la combinación de estos dos.
Ritmo binario: consiste en la sucesión de dos tiempos, el primero fuerte y el segundo débil. Todos los compases binarios, de dos tiempos, responden a un ritmo binario. Los compases cuaternarios, de cuatro tiempos, también responden como ritmo binario.
Ritmo ternario: consiste en la sucesión de tres tiempos, el primero fuerte, el segundo y el tercero aún más débil que el segundo. Todos los compases ternarios, de tres tiempos, responden a un ritmo ternario.
Se pueden crear ritmos más complejos utilizando compases de amalgama, que combinan dos ritmos distintos, binario y ternario, en un único compás. Por ejemplo, un compás de cinco tiempos, binario-ternario, o al revés.
1.2. Fórmulas rítmicas
La complejidad rítmica de la música ha ido evolucionando a lo largo de la historia y muchos compositores han buscado una mayor flexibilidad, tratando de evitar las medidas regulares impuestas por la tiranía del compás. Así, el ritmo regular del compás puede enriquecerse utilizando fórmulas rítmicas o recursos especiales como:
Agrupaciones irregulares de figuras: permiten dar a las figuras un valor especial, con diferente duración (mayor o menor) a la que les correspondería de forma normal dentro del compás. La agrupación irregular más frecuente es el tresillo, que consiste en la interpretación de tres figuras en el lugar de dos.
Acentos: pequeños signos en forma de ángulo que se colocan encima o debajo de las notas para reforzar su interpretación, independientemente del pulso fuerte del compás.
Síncopas: prolongación en tiempo fuerte de una nota atacada en parte débil del compás. El tiempo débil enlaza con el fuerte, lo que provoca la anticipación del acento.
Las síncopas se escriben ligando las dos figuras, desde el tiempo débil al fuerte. También hay síncopas constituidas por una sola figura.
2. Melodía
Es el elemento musical más importante después del ritmo. Si el ritmo está asociado al movimiento físico, la idea de melodía va asociada a la emoción y a los sentimientos.
Llamamos melodía a la sucesión lineal de alturas de sonido que expresan una idea musical.
Todas las melodías se construyen dentro de un determinado sistema de escalas, es decir, dentro de una determinada organización de alturas de sonido.
2.1. Escala diatónica
Como ya hemos visto, la mayor parte de nuestra música occidental se construye sobre la escala diatónica, formada por cinco tonos y dos semitonos.
Recuerda: según la distribución de los tonos y los semitonos, las escalas diatónicas pueden ser mayores y menores.
La escala diatónica mayor sigue el modelo de la escala de Do natural y, por tanto, tiene los semitonos entre los grados III-IV y VII-VIII.
La escala diatónica menor sigue el modelo de la escala de La natural y, por tanto, tiene los semitonos entre los grados II-III y V-VI.
Como las escalas pueden construirse partiendo de cualquier nota, natural o alterada, necesitamos mantener la distribución de tonos y semitonos del modelo utilizando alteraciones para que la sonoridad siga siendo la misma. Estas alteraciones, propias de cada escala, se colocan siempre al comienzo de la obra y detrás de la clave, formando lo que llamamos armadura de clave.
Observa el siguiente cuadro en el que aparecen las diferentes escalas mayores y menores con sus correspondientes armaduras:
Tonalidades relativas: los modos mayor y menor de una misma tonalidad, con las mismas notas y las mismas alteraciones, se denominan tonalidades relativas. Así, las escalas de Do mayor y La menor son tonalidades relativas porque las dos son escalas naturales, que no tienen ninguna alteración.
Los nombres de las tonalidades relativas, mayor y menor, guardan una relación interválica de 3ª menor, es decir, forman un intervalo de 3ª (3 notas en total) que tiene un tono y un semitono (1 y 1/2).
Si partimos de un modo mayor, el nombre de su relativo menor será una 3ª menor (con 1 tono y 1 semitono) en sentido descendente. Si de un modo menor, el nombre de su relativo mayor será una 3ª menor (con 1 tono y 1 semitono) en sentido ascendente.
Grados de la escala
Las leyes de la tonalidad, además de «obligarnos» a mantener la distribución de los tonos y semitonos, implican también una ordenación jerárquica de los grados o notas de la escala. Así, en la música tonal, cada nota cumple una función determinada y recibe un número y un nombre concreto.
Las notas o grados más importantes de una escala son:
El I grado: se llama tónica porque es la nota que da nombre a la tonalidad o escala. Es el grado más importante y el que marca siempre el final de una obra musical.
El V grado: se llama dominante porque es la nota «imán» que domina sobre las demás. Dirige la línea melódica repitiéndose muchas veces.
El IV grado: se llama subdominante porque está por debajo de la dominante. También es un grado con una gran influencia tonal sobre el que recae gran parte de la composición.
Otros grados importantes son el VII o sensible (en las tonalidades mayores), porque al estar a distancia de semitono de la tónica produce una fuerte atracción, y el III o mediante, porque marca la diferencia entre el modo (3ª mayor con 2 tonos) y el menor (3ª menor con 1 tono y 1 semitono).
2.2. Otras escalas
Escala menor armónica: es una escala menor en la que se eleva el VII grado para convertirlo en sensible, acercándolo a un semitono de la tónica.
Escala cromática: formada por los 12 sonidos, naturales y alterados, a distancia de semitono, en sentido ascendente y descendente.
Escala pentafónica: se compone de cinco sonidos eliminando los grados IV y VII de una escala diatónica mayor. No tiene semitonos y su sonido se corresponde también con el de las cinco negras del piano.
2.3. Estructura de la melodía
De la misma manera que en el lenguaje verbal distinguimos sílabas, palabras, frases, párrafos, etc., que se ordenan para componer una idea, en el lenguaje musical las melodías se componen también de estructuras más pequeñas. Así, en una melodía podemos distinguir:
Motivo: sería el equivalente a la palabra, es decir, un pequeño conjunto de notas con significado musical. Es la célula básica de la melodía, ya que el encadenamiento y desarrollo de los motivos construye la frase musical.
Frase: igual que la frase gramatical, es una melodía con sentido propio que termina en una cadencia. La mayor o menor amplitud de las frases y su sentido melódico nos permite distinguir «semifrases», dos frases más pequeñas y normalmente simétricas, que forman una frase.
Cadencia: equivalente a las pausas en el lenguaje, sirve para separar distintas frases musicales. Las cadencias pueden tener un carácter más o menos conclusivo dependiendo de la nota que utilicen como final. La cadencia perfecta, claramente conclusiva, es la que termina en tónica.
Tema: es la melodía que se convierte en el centro de una obra musical, idea principal sobre la que se construye toda la composición. Por eso, suele ser una melodía reconocible, fácil de identificar y de recordar.
Normalmente, el tema está compuesto por una frase musical que podemos dividir en dos semifrases. La primera, a modo de pregunta, se denomina antecedente. La segunda, de respuesta, se denomina consecuente.
2.4. Diseños melódicos
El diseño melódico se define como la línea o dirección que siguen las notas de una melodía, la «cordillera melódica» que forman las distintas alturas del sonido. Podemos encontrar diseños muy variados:
Horizontal: cuando la línea melódica se mueve muy poco, utilizando notas repetidas.
Ascendente: si la melodía va subiendo de grave a agudo.
Descendente: si la melodía va bajando de agudo a grave.
Ondulado: cuando la melodía oscila suavemente sobre una nota base.
Quebrado: si se mueve formando picos con intervalos amplios.
Simétrico: cuando encontramos el punto más agudo o más grave en el centro de la melodía.
3. Armonía
Ya sabemos que un intervalo armónico es aquel en el que las notas suenan a la vez. La armonía es entonces la parte de la música que trata el estudio de los sonidos que se producen a la vez.
La armonía se fundamenta sobre las mismas cualidades del sonido que la melodía: altura y duración. Pero mientras la melodía es una organización de sonidos sucesivos, la armonía consiste en la organización de los sonidos simultáneos.
Recuerda lo que hemos estudiado sobre los intervalos melódicos y armónicos. Los intervalos melódicos se disponen en sentido horizontal y son el elemento básico de la melodía. Los intervalos armónicos se disponen en sentido vertical y son el elemento básico de la armonía.
La melodía se representa en el pentagrama de manera horizontal, colocando un sonido tras otro, de izquierda a derecha. La armonía se representa de forma vertical, colocando unos sonidos encima de otros para indicar que se producen a la vez.
3.1. Consonancia y disonancia
Un intervalo armónico, es decir, dos sonidos que se escuchan a la vez, puede producir en el oyente dos sensaciones distintas que llamamos consonancia y disonancia.
Consonancia: son los sonidos que el oído percibe de forma distendida y equilibrada, que se complementan o se funden casi como si fueran un único sonido.
Disonancia: son los sonidos que el oído percibe con tensión, que parece que se repelen o chocan entre sí, y se distinguen claramente dos sonidos distintos.
En la teoría musical tradicional, la consonancia se definía como los intervalos que resultaban agradables al oído, y la disonancia como los que producían una sensación molesta o de desagrado.
Evidentemente, la evolución de la música a lo largo de la historia ha provocado también una transformación en la forma de escuchar y apreciar los sonidos, de tal modo que hoy en día podemos entender como sonidos consonantes los que tiempo atrás eran considerados disonantes.
3.2. Construcción de acordes
El elemento básico de la armonía es el acorde, formado por la superposición de dos o más intervalos armónicos, es decir, tres o más sonidos simultáneos.
Los acordes se construyen superponiendo intervalos de 3ª sobre una nota base que llamamos fundamental.
Si tomamos la nota Do como base del acorde que queremos construir, superponiendo una serie de terceras sobre esa fundamental formaríamos el acorde: Do-Mi-Sol.
Sustituyendo los nombres de las notas por números tendríamos la representación de cualquier acorde: 1-3-5.
Sin embargo, la mayor parte de nuestra música se basa simplemente en el acorde de tres sonidos (1-3-5), es el que llamamos acorde de tríada.
Con frecuencia, los acordes de tríada se refuerzan doblando la nota fundamental una 8ª alta.
Aunque tenga cuatro sonidos, sigue siendo un acorde de tríada ya que la duplicación de las notas no cambia el acorde. De hecho, la mayor parte de música armónica se escribe a cuatro voces duplicando uno de los sonidos de la tríada.
3.3. Inversión de acordes
Los acordes no tienen que aparecer siempre en su posición fundamental, es decir, con el sonido 1 como base del acorde. Podemos invertir el orden de las notas 1-3-5, y hacer que el sonido 3 o el 5 ocupen la primera posición del acorde como notas más graves.
Cuando el sonido 3 ocupa la posición del bajo, decimos que el acorde está en 1ª inversión.
Cuando el sonido 5 ocupa la posición del bajo, decimos que el acorde está en 2ª inversión.
3.4. Principales acordes
Recuerda los que hemos estudiado sobre los principales grados de la escala. Como los acordes se construyen sobre esas mismas notas, dentro de ese mismo sistema tonal, representan las mismas funciones y guardan las mismas reglas que los grados de la escala como sonidos individuales.
Por tanto, los acordes más importantes de una tonalidad son también los de tónica, subdominante y dominante, es decir, los construidos sobre los grados I, IV y V de la escala.
3.5. Cadencias
Igual que en la melodía, la cadencia armónica es el punto de reposo que sirve para separar las distintas ideas musicales o señalar el final de una obra. Dependiendo de esa estructura armónica final, la cadencia tendrá un carácter más o menos conclusivo y recibirá diferentes denominaciones.
Cadencia perfecta: tiene un sentido totalmente conclusivo, marcando el final con la sucesión de los acordes de dominante y tónica.
Semicadencia: marca un punto de reposo en la dominante para servir de enlace con otra frase, por tanto, no tiene carácter conclusivo. Normalmente el acorde de dominante va precedido por el de tónica o el de subdominante.
4. Textura
Entendemos por textura el entramado o tejido musical de una obra, resultado de la disposición de sus distintas partes o voces. La textura musical se define así en función de cómo estén dispuestos los «hilos» melódico-armónicos.
La textura se refleja en el aspecto visual de la partitura, en su forma de escritura, de tal manera que podemos distinguir dos grandes tipos de textura: de escritura horizontal y de escritura vertical.
4.1. Escritura horizontal (basada en la melodía)
Textura monódica o monofónica: compuesta por una sola línea melódica. Aunque intervengan varios intérpretes, todos hacen lo mismo a la vez. Es la textura que utilizamos normalmente cuando cantamos en grupo.
Textura polifónica o contrapuntística: consiste en varias líneas melódicas que suenan a la vez. Las voces guardan independencia entre sí y es frecuente el uso de la imitación. El ejemplo más claro de textura contrapuntística o polifónica es el canon.
5. El estilo musical
El estilo musical está directamente relacionado con la evolución técnica del lenguaje musical y, por tanto, con la época en la que se ha escrito la composición. De esta forma, podemos hablar de estilos musicales como sinónimo de periodos históricos, ya que cada época está marcada por unas ideas y unas prácticas comunes.
Musicalmente, el estilo se define por la técnica de relacionar y combinar los elementos esenciales del lenguaje musical: el ritmo, la melodía y la textura.
Hacemos ahora un breve recorrido de la evolución de estos materiales en la música occidental.
5.1. Evolución del ritmo
El ritmo de la música estuvo marcado desde el comienzo por el ritmo natural, ligado a la palabra: un ritmo libre y flexible destinado a potenciar la expresión y el significado del texto que se cantaba.
La notación del ritmo permitirá a la música independizarse del texto y hará posible también el nacimiento de la polifonía. El ritmo se organizará con pulsaciones regulares marcadas por acentos en dos combinaciones básicas: ritmo binario y ritmo ternario.
La influencia de otras culturas y estilos musicales llevará a la superposición y creación de ritmos más complejos que evitan la regularidad del compás desplazando los acentos o combinando medidas distintas.
5.2. Evolución de la melodía
La organización de la melodía ha utilizado distintos sistemas de escalas. Desde los antiguos modos o escalas modales, que suponían una diferente distribución de tonos y semitonos en función de la nota por la que comenzara la escala, a nuestro sistema tonal o escalas tonales, que supone la diferenciación de dos sonoridades básicas: mayor y menor.
El tratamiento de la melodía ha evolucionado también desde ámbitos más reducidos (de 6ª, 7ª y 8ª) y con movimientos por grados conjuntos, a ámbitos cada vez más extensos y con amplios saltos interválicos.
5.3. Evolución de la textura
Las primeras manifestaciones musicales utilizaron la textura monódica como la forma más simple y natural de interpretación. La polifonía surgirá con la intención de adornar y enriquecer el canto mediante la superposición de voces diferentes, llegando a texturas contrapuntísticas progresivamente más complejas a medida que avance la notación musical que permita su registro.
El nacimiento de la armonía irá unido a la consolidación de la tonalidad y a formas musicales como la ópera que requerían destacar la melodía principal del cantante sobre el resto de las voces, supeditadas a una función de acompañamiento.
El tratamiento de la textura evolucionará hacia la utilización de distintos procedimientos, combinando texturas contrapuntísticas y armónicas, o contrastando masas sonoras de diferentes densidades.