El Romanticismo musical: características, cronología y principales compositores

Romanticismo

Romanticismo: a partir de 1775 comienzan a sentirse una cierta fatiga y como una rebeldía contra las normas y ataduras clásicas, síntomas que suponen un anuncio ya del romanticismo. Los primeros atisbos los podemos encontrar en los pueblos nórdicos, donde los literatos encuentran sus modelos de inspiración en sus propias leyendas populares y mitos escandinavos antiguos. En Alemania se llama Sturm und Drang. Frente a la diosa razón del clasicismo surge la revalorización del sentimiento que rechaza toda regla o atadura formal.

El artista romántico se caracteriza por un anhelo de libertad total, sobre todo en lo sentimental y en la inspiración. El hombre romántico se caracteriza por una gran exaltación idealista (filantropía, amor a la patria...). El hombre romántico ve que estos elevados ideales son inalcanzables porque chocan contra la realidad prosaica de cada día. La consecuencia lógica serán la angustia, el pesimismo y el desengaño. Para superar esta frustración, el artista romántico elige la vía de la evasión, de la sustitución de su insatisfactoria realidad concreta y cotidiana por una fantasía.

En el romanticismo, el individuo y el yo son el centro de toda proyección. El romántico prefiere el campo y la naturaleza. La música ocupa el puesto más alto. La consecuencia es una tendencia de todas las artes (arte total, Gesamtkunstwerk), el aglutinante perfecto.

Cronología

1º) Paso del clasicismo al romanticismo a través de Beethoven y Schubert. 2º) Introduce la primera generación romántica: Schumann y Chopin. 3º) Liszt, en la música programática, y Wagner con el intento de fusión de todas las artes. En el 4º, volvemos hacia atrás para estudiar el fenómeno del nacionalismo musical.

Rasgos musicales

• Ritmo: más complejo y libre. Empleo del rubato. Aumenta la lentitud y la rapidez con respecto al barroco y al clasicismo.
• Melodía: frases menos regulares y cuadradas que en el clasicismo.
• Armonía: empleo de nuevos acordes, mayor libertad en el uso de la disonancia y el cromatismo con fines expresivos.
• Textura: melodía acompañada.
• Forma: homofónica.

Siguen practicándose las formas del clasicismo, aunque con menos rigidez y rigor. Aparecen nuevas formas: poema sinfónico y obertura de concierto. Gran desarrollo de la ópera. Nacimiento del ballet moderno.

Los 4 medios favoritos de la expresión musical eran el lied, el piano, la ópera y la orquesta. Instrumentación y orquestación: mejoras de los instrumentos y nuevos (corno inglés, arpa, tuba...). Berlioz escribe estos tratados de orquestación. El piano es el instrumento favorito.

El lied romántico

Canción para voz solista con acompañamiento de piano, de corte íntimo (Alemania).

• Schubert (1797-1828): es considerado el inventor del lied romántico. La bella molinera es considerada pieza inmortal del romanticismo. Hay una facilidad de inspiración y una perfecta unión en el poema, el canto y el clima que crea el piano. Los temas son la muerte, la nostalgia, el sentimiento de la naturaleza...
• Schumann (1810-1856): mayor formación literaria que Schubert. Amor y vida de una mujer. La forma es libre. El piano acompaña en un segundo plano.
• Brahms: sucesor de Schubert y Schumann.

Otros países

• Francia: Berlioz, Debussy y Ravel.
• Rusia: Tchaikovsky.
• Italia (ópera): los rasgos generales de la ópera italiana eran: destaca por sus melodías, un don melódico incomparable, cierta superficialidad hasta la llegada de Verdi, el coro adquiere importancia y el virtuosismo vocal.

Ópera italiana

• Rossini: compositor popular. Óperas como El barbero de Sevilla se caracterizan por un estilo superficial, apropiado para la comedia y con decisiones introducidas para halagar al público. Guillermo Tell es lo último y lo mejor de su producción, además de algunas piezas religiosas.
• Bellini: continuador de Rossini en óperas "serias" (Norma).
• Donizetti: resulta superior a este. Óperas cómicas como El elixir de amor y Don Pasquale.
• Verdi (1813-1901): distingue 3 épocas.
  • 1ª época (hasta 1855): época de patriotismo y de aspiraciones libertadoras bajo dominio austriaco, que se refleja en obras mediante escenas colectivas. Algunas se convierten en himnos patrióticos y revolucionarios que le dieron problemas con la censura. Vemos personajes de la misma época y con la misma vestimenta que los espectadores.
  • 2ª época: Aída.
  • 3ª época: Otello. En estas óperas consigue llegar al ideal de continuo sonoro donde las arias se unen al drama y se diluyen recitativos y arias.

Verismo y Weber

Verismo: Puccini. A finales del siglo XIX surge una nueva corriente dramático-musical que, desechando la temática mitológica, fantástica e histórica del primer romanticismo, trata de buscar el realismo más crudo en los asuntos de la vida ordinaria.

Weber (1786-1826): reacciona contra la influencia operística italiana, siendo considerado el creador de la ópera romántica alemana. Reacciona contra los convencionalismos italianos usando la orquesta para la expresión. Mezcla lo popular de la naturaleza con lo fantástico. Se adelanta a Wagner con el uso del leitmotiv.

Wagner y el drama musical

Wagner (1813-1883) realizó una profunda reflexión sobre la ópera. Llega muy lejos en su afán de reformar la ópera. Lo esencial de su pensamiento es querer realizar una síntesis de todas las artes en un todo, partiendo de la tragedia griega. Los asuntos deben ser tomados de mitos y leyendas germánicas, y sus modelos musicales son Beethoven y Weber.

Entre las novedades de su estilo:

• A cada drama le precede una obertura de gran poder dramático, que prepara la acción.
• Empleo de melodía basada en el habla (melodía infinita). Simple declamación que a veces se transforma en frases melódicas. Posibilita una acción dramática continua.
• Leitmotiv: técnica de composición mediante la cual el autor asocia una temática musical a un personaje o situación determinada. Precedentes en Weber y Berlioz.
• Orquesta con más componentes, sobre todo viento. Frecuentemente registros extremos (agudos), el trémolo y el pizzicato.
• Cambia la armonía al usar un sistema inestable.

La ópera en Francia

• 1ª: la clase media demanda una nueva ópera que se denominará gran ópera. Nuevo estilo espectacular, con gran lujo escenográfico y de vestuario, dramático, de grandes masas orquestales y corales, sobre asuntos heroicos e históricos. Meyerbeer (1791-1864) y Berlioz (1803-1869), música instrumental programática, Los troyanos.
• 2ª: la ópera cómica seguía evolucionando: argumentos que son comedias o dramas semiserios, uso del diálogo hablado, medios más modestos. Destaca Carmen de Bizet. En 1875 desaparece la distinción entre ópera seria y cómica.
• 3ª: ópera lírica. Trata de contrarrestar las ampulosidades de la gran ópera. Destaca Gounod como compositor de música religiosa. También destacan Camille Saint-Saëns y Massenet.

Opereta

Opereta francesa y vienesa: consta de un solo acto, se mezclan escenas cantadas con habladas, para un público culto. Offenbach es el creador de este género (Los cuentos de Hoffmann).

España y piano romántico

España: los operistas españoles del momento copian a los italianos.

Piano romántico: Chopin y Liszt.

Sinfonismo romántico

Surge la música programática como solución definitiva para la fusión de ideas literarias y musicales. La música programática cristalizaría, entre otras formas, en el poema sinfónico. El creador del poema sinfónico en un solo movimiento es Liszt.

• Schubert: lied.
• Berlioz: poemas sinfónicos. Será el único representante del sinfonismo francés en la primera mitad del siglo. Sinfonía fantástica, La condenación de Fausto.