La consagración de la primavera de Stravinsky y Preludio a la siesta de un fauno de Debussy: análisis y estilo musical

Igor Stravinsky: La consagración de la primavera (Danza de los adolescentes)

Año: 1913.

Estilo: Aunque podríamos clasificarla en distintos estilos diferentes, como el nacionalismo o el impresionismo, en realidad no encaja en ninguno. Podríamos decir que es la obra más rupturista del momento, que abrió el oído a nuevas posibilidades sonoras, pero que no tuvo continuadores, como ya podrá hablarse de estilo.

Género: Ballet. Un ballet es una obra escénica de danza con un argumento comprensible al que el compositor dota de música para acompañar los diferentes números en un pacto con el coreógrafo. Trata de la celebración de la llegada de la primavera en un tiempo antiguo, que culmina con el sacrificio de una joven.

Timbre: Orquesta sinfónica muy ampliada en todas sus secciones. Lo más interesante de esta pieza desde el punto de vista timbrico es que la orquesta se trata como un gran instrumento percusivo. Y el comienzo de esta pieza es un claro exponente de ello: la cuerda, en los compases iniciales, no hace melodía alguna, sino ritmo con notas siempre repetidas en una disonancia escalofriante. Las trompas refuerzan los acentos rítmicos, sin ninguna intervención melódica. La afinación resultante es indeterminada y caótica, como un instrumento percusivo.

Forma

La pieza tiene 2 secciones claramente diferenciadas separadas por una pausa con un calderón. La sección inicial va de los números 13 a 21 y se caracteriza por la contundencia rítmica del ostinato inicial, que reaparece varias veces alternando con episodios más "suaves" (pero igual de rítmicos). La segunda sección ve incrementarse el fragor orquestal.

Procedimiento compositivo

El ritmo es el motor de la música, lo cual no es extraño en todas las formas de la música de danza. Los episodios o secciones que se van sucediendo suelen tener la uniformidad de pulso (la corchea) como patrón y consisten básicamente en ostinatos rítmicos y melódicos que crean atmósferas persistentes que solo cambian, y de forma abrupta, al entrar en el siguiente episodio (los contornos son nítidos).

Textura

Amelódica, típica de las obras marcadamente percusivas. Algún momento de melodía acompañada.

Melodía

Sencilla, primitiva, puntual, a menudo de origen folclórico. No siempre hay contenido melódico, como acabamos de comentar. Cuando lo hay, encomendado a veces a instrumentos concretos, otras veces a varios simultáneamente, son sencillas y breves, a veces con motivos repetidos en ostinato, y no distraen del discurso rítmico dominante.

Claude Debussy: Preludio a la siesta de un fauno

Año: 1894.

Estilo: Impresionismo. El primer estilo musical que consistentemente rompió con el pasado de la tradición clásico-romántica, si bien no de una forma radical, sino a base de pequeños detalles, como el desinterés por la forma tradicional, la aceptación de combinaciones de sonidos armónicamente innovadoras, a veces inaceptables para la armonía convencional, el gusto por las melodías y escalas exóticas, a veces con influencia de otras culturas, el interés por ciertas novedades timbricas aun dentro del empleo de los instrumentos convencionales...

Género: Poema sinfónico. Es un género orquestal muy frecuente en el siglo XX. El referente extramusical en este caso es un poema simbolista de Mallarmé, bastante conceptual y complicado. Descripción musical del poema.

Timbre: Orquesta sinfónica con algunas curiosas ausencias (no hay fagots, ni metales salvo las trompas) y la única percusión son unos crotales que aparecen al final muy discretamente. Un instrumento muy impresionista y sugerente es el arpa. La cuerda también suena muy ensoñadoramente con sordina en ocasiones. Los instrumentos de madera se tratan con carácter solista en muchas ocasiones, y particularmente la flauta que parece representar el ambiente bucólico y campestre que tanto caracteriza al fauno.

Forma

Estructura tripartita ABA, aunque la segunda vez la A está variada y no es igual. Tampoco está claro dónde están las transiciones entre una sección y otra cuando se escucha, pues el espíritu o carácter de toda la obra es muy similar.

Procedimiento compositivo

A Debussy no le gusta mucho el desarrollo. Le encanta la repetición de ideas en todas las escalas y la variación. Así, a base de repeticiones de pequeños motivos, o tríos o casi secciones, con variaciones y prolongaciones, se va construyendo la música.

Textura

Hay pasajes de melodía acompañada donde la melodía tiene todo el protagonismo, pero lo más frecuente es el contrapunto, donde diversos instrumentos achican material melódico trascendente que suena a la vez que el de los demás.

Melodía

Cromática y exótica, típica de finales del siglo XIX. La melodía inicial es toda una ruptura a los moldes aceptados de composición, no por su cromatismo, sino por su ámbito inicial, de una cuarta aumentada o tritono, intervalo siempre considerado inadecuado. Por otra parte, las melodías de esta pieza están llenas de adornos y arabescos, que intentan difuminar sus contornos. "Desdibujar" los contornos es muy característico de la música impresionista (igual que pasa en pintura).

Armonía

Se puede considerar que la armonía es tonal, y los cambios o modulaciones son todo lo bruscos o coloristas que sus intenciones poéticas requieren. La armonía no dirige la trama, sino que solo la adorna.

Ritmo

Muy fluctuante, con cambios de compás y de tempo que provocan una agógica variada que en momentos parece irse animando y luego volver a la relajación inicial. Una especie de rubato que hace que también tenga contornos difuminados, que no se perciban con claridad. El compás no es lo fundamental en esta pieza, donde los acentos tratan de no marcarse.

Dinámica

Variada con reguladores abundantes y en general pocos contrastes. Los momentos de clímax se alcanzan en oleadas sucesivas que cada vez son un poco más fuertes hasta alcanzar el máximo al final de la sección B (página 19 de la partitura). En general, la sensación de toda la pieza es que el volumen siempre está bajo control, contenido.