Donatello y Leonardo da Vinci: el Renacimiento italiano en el arte y la cultura
Donatello
Donatello nació en Florencia. Fue el escultor italiano más famoso del siglo XV y, junto al arquitecto Brunelleschi y el pintor Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista.
Acompañó a Brunelleschi en su viaje a Roma, conociendo el arte de la Antigüedad, que consideraba “un auténtico tesoro” (le impresionó profundamente la Estatua ecuestre del emperador Marco Aurelio).
Abordó tanto la escultura exenta como el relieve. Entre las esculturas exentas, la obra que le dio fama fue San Jorge, primera escultura exenta desde la Antigüedad clásica; posteriormente tendría gran éxito con el David y con el Gattamelata. Además del relieve clásico, aporta el relieve schiacciato: relieve muy aplastado desde el primer plano, en el que mediante la perspectiva lineal consigue producir una gran sensación de profundidad.
Donatello es un artista que vuelve al mundo clásico pero aporta elementos totalmente originales a la escultura. Se aleja del ideal de belleza clásico ya que introduce en sus obras el realismo, en el que tienen cabida la fealdad, la desproporción y la vejez. Este aspecto se refleja en la Magdalena, escultura que realizó siendo ya anciano: es una Magdalena vieja, decrépita, fea y esquelética, acentuándose estos rasgos porque Donatello utiliza como material la madera, a la que da un aspecto corroído.
Los sentimientos en las figuras de Donatello abarcan desde el dramatismo (figuras de los profetas y Magdalena) hasta la melancolía (David) o la alegría desbordada (niños del relieve de la Cantoría de Florencia). Pero el aspecto más original es la expresividad de los rostros, sobre todo de las miradas, muy intensas, y de los gestos de algunas de sus figuras, sobre todo de San Jorge y de Gattamelata, personajes que parecen estar muy seguros de sí mismos. Con esto anuncia la “terribilità” miguelangelesca (Miguel Ángel admirará profundamente a Donatello).
Contexto cultural: Italia en los siglos XV y XVI
El movimiento cultural de Italia en los siglos XV y XVI supone el renacer del arte y la cultura grecorromana. Sus ideales son la armonía y el humanismo. En lo artístico se recuperan técnicas antiguas como los órdenes clásicos, temas mitológicos y la decoración antigua.
Coincide con una crisis económica y política, por lo que surge la nostalgia por el esplendor pasado.
- Quattrocento (siglo XV): nuevas concepciones estéticas basadas en los principios grecolatinos, con Florencia como centro.
- Cinquecento (siglo XVI): consolidación de los cambios. El manierismo rompe con los principios de belleza y equilibrio.
Burgueses y mecenas contratan a artistas. Los Médici, en Florencia, remodelan la ciudad y son precursores del renacimiento clásico.
Se distinguen dos generaciones:
- Primera mitad del siglo XV: Brunelleschi, Donatello y Ghiberti, Masaccio, Angelico y Paolo Uccello.
- Segunda mitad del siglo XV: Alberti, Masolino y Botticelli.
Se liberan de la arquitectura, que quedaba condicionada por los principios de la perspectiva y la búsqueda de la belleza. El tema del hombre y el retrato cobran gran desarrollo, así como el monumento ecuestre y las tumbas, para enaltecer la gloria del héroe. Se fusionan temas cristianos y mitologías grecolatinas. Representan cuerpos desnudos con un naturalismo idealizado y una anatomía perfecta.
Donatello, con el Gattamelata, primer monumento ecuestre desde la Antigüedad, influido por el emperador Marco Aurelio, realizado en bronce, retrata a un personaje real. Este tipo de encargos tenía la misma finalidad: volver al mundo clásico romano como propaganda del poder. El jinete y el caballo sobre el pedestal son anticlásicos; el rostro es un retrato realista y la mirada transmite, representa e indica. Se aprecia la terribilità miguelangelesca. El bronce es un recurso expresivo de dureza. Las curvas y diagonales dan movimiento y dirección, y, a pesar de la plaza, el bloque se cierra. Después, con Verrocchio y Colleoni, se añaden movimiento e inestabilidad, y el bloque busca el dominio del espacio y la comunicación con el espectador.
Leonardo da Vinci
Leonardo nace en Vinci (República de Florencia) e inicia su labor artística en la ciudad de Florencia, en el taller del escultor y pintor Verrocchio.
Su interés por trabajar en Milán lo llevó a ofrecer sus servicios al duque Ludovico Sforza, señor y mecenas de Milán, como constructor de puentes, fortificaciones y artefactos, creador de adivinanzas, cocinero, poeta, músico y pintor. Las obras que dejó en esta etapa milanesa son magistrales; destacan La Virgen de las Rocas y La Última Cena. En 1499 Milán es conquistada por los franceses y Leonardo abandona la ciudad.
En 1500 Leonardo se instala de nuevo en Florencia, donde coincide con un joven Rafael, que pinta Vírgenes y Sagradas Familias, y con un joven Miguel Ángel, que esculpe el David. La obra más destacada de esta etapa es La Gioconda, que supone la cima en sus búsquedas pictóricas.
Tras una breve estancia en Roma, Leonardo viajó a Milán y se puso al servicio del rey de Francia, Francisco I. En 1517 marchó a Francia, para trabajar al servicio del monarca, donde falleció en 1519.
Leonardo da Vinci es el prototipo del hombre del Renacimiento, humanista interesado por el saber: estudió matemáticas, geometría, física, química, botánica, geología, medicina y anatomía, e ingeniería (hizo proyectos para desviar los cauces de los ríos, construyó puentes y artefactos de guerra, proyectó una ciudad subterránea y el primer submarino). Sus estudios sobre el vuelo de los pájaros lo llevaron a diseñar máquinas voladoras. Fue además músico, poeta y cocinero. No era solo un pintor magistral, sino también un gran científico: para él la pintura era una ciencia, pues a través de ella se podía investigar sobre la realidad. Todos sus conocimientos, de una u otra manera, aparecen plasmados en sus pinturas.
Leonardo afirmaba que la perspectiva lineal no reflejaba fielmente la naturaleza, por lo que añadió a esta perspectiva una serie de recursos pictóricos nuevos que provocan una gran sensación de profundidad, de contornos indefinidos y de misterio. Leonardo saca el máximo partido a estos recursos porque utiliza la técnica del óleo por veladuras. Estos recursos pictóricos son:
- La perspectiva aérea (ver conceptos artísticos ABAU).
- El esfumado, sfumato o difuminado (ver conceptos artísticos ABAU).
- La luz: Leonardo es uno de los grandes pintores de la luz. Emplea dos focos: uno amarillo y cálido que procede del exterior del cuadro y cae frontalmente sobre las figuras, potenciándolas y acercándolas al espectador; y otro, blanco y frío, que procede del fondo, alejándolo del espectador y aumentando la profundidad.
En sus cuadros destacan también las paisajes, que parecen paisajes lunares (rocosos, con brumas y luces de apariencia extraña), y las figuras, auténticas protagonistas. La integración del ser humano en la naturaleza es algo primordial en el Renacimiento, por eso Leonardo difumina los contornos de las figuras y consigue integrarlas en el paisaje. Modela las figuras, pero no parecen esculturas ni son rígidas, como las de los pintores del Quattrocento, sino blandas, suaves y gráciles. Presentan una doble tendencia: figuras de belleza idealizada y una gran delicadeza en las poses, actitudes y gestos; y figuras muy realistas, para las que tomó como modelos a gente humilde, del pueblo.
Contexto de la pintura renacentista
El Renacimiento tardío en Florencia y Roma es el eje político y cultural de la cristiandad, con papas renovadores que impulsan el renacer artístico. La arquitectura no es desmesurada, pero sí grandiosa y de belleza racional. La pintura busca simplificar y destacar el tema principal. La belleza ideal se apoya en el neoplatonismo, con corrección, elegancia y movimiento. La perspectiva lineal realza la monumentalidad. Hay menos dominio del dibujo y se impone el color. La perspectiva aérea difumina los contornos, y la luz y la sombra aportan expresividad.
La Virgen con el Niño y santa Ana
La obra representa una escena religiosa de la época medieval: el encuentro al crepúsculo de la Virgen con el Niño. Busca exaltar la actitud protectora y maternal de la Virgen hacia el Niño. La composición es equilibrada y cerrada, con diagonales que conducen la mirada del ángel hacia el espectador. El sfumato es suave, y la luz exterior incide en el rostro de la Virgen. El foco blanco, situado en el fondo y alejado, aporta profundidad. Los colores se reducen a una gama de un término y dos. Las figuras, idealizadas, se integran en la cueva, y los gestos sugeridos buscan la unidad del cuadro, destacando a Jesús.
La Gioconda
El encargo de Francisco del Giocondo es un retrato de su esposa. Aunque el tema religioso también aparece en retratos de nuevo tipo, esta obra supone un cambio respecto a los cuatrocentistas en la figura, el corte, las manos, el aspecto y el fondo. La composición es equilibrada, pero sugiere movimiento en la figura, situada en primer plano. El triángulo la cierra, aunque se abre hacia el espectador. El sfumato difumina los contornos, la figura se integra con los rizos y los pliegues de la túnica a la izquierda. El claroscuro crea misterio en los labios y los ojos; no sabemos cuál es su expresión. Sus características son el aspecto misterioso, el paisaje fantástico del fondo, el horizonte a la derecha y más alejado, y un punto de encuentro oculto que nos sigue con la mirada. El rostro de la derecha se modifica. Es una figura idealizada, sin ostentación ni gasa.