El barroco

TEMA 12. EL BARROCO. ARQUITECTURA Y URBANISMO EN ITALIA: BERNINI Y BORROMINI. LA ARQUITECTURA CORTESANA EN FRANCIA. ESPAÑA: ARQUITECTURA RELIGIOSA Y CIVIL. LA ESCULTURA EN ITALIA: ESTÉTICA Y MATERIALES EN LA OBRA DE BERNINI. LA IMAGINERÍA RELIGIOSA ESPAÑOLA: ESCUELAS Y PRINCIPALES ARTISTAS. LA PINTURA EN ITALIA: DEL NATURALISMO (CARAVAGGIO) Y EL CLASICISMO ( CARRACCI) AL BARROCO DECORATIVO (CORTONA Y LUCAS JORDÁN). LA PINTURA EN FLANDES (RUBENS Y SU CÍRCULO) Y HOLANDA (REMBRANDT Y LOS MAESTROS MENORES). LA PINTURA ESPAÑOLA: RIBERA, ZURBARÁN, VELÁZQUEZ Y MURILLO.El recargamiento es un intento de sobrevivir al estilo amanerado dado a finales del s. XVI. Así también la complicación decorativa, que se ha dado en los estilos anteriores ( Clásico, Románico y Gótico), pero nunca tan fuerte como al final del Renacimiento hasta el punto que constituye por sí mismo un estilo artístico.//Así aparece el Barroco que abarca desde principios del s. XVII hasta finales del XVII.//Hay diferentes teorías al respecto de dónde viene este nombre: -del portugués barrueco que significa perla defectuosa e irregular. -del castellano barrueca perla irregular y en sentido figurado y despectivo deforme. -del francés baroque que significa extravagante. -del griego baros con significación de pesadez y -del nombre de un pintor que cultiva este estilo en Italia y se llama Barocci. -Es en 1788 en la Enciclopedia General de D´Alambert y Diderot donde Quatremére de Quincy une la palabra Barroco a un arte plástico: en la arquitectura. -En los siglos XIX y XX (sentimiento nacionalista) el Barroco será reconocido no como degeneración de lo clásico sino como un estilo propio de su tiempo.//En lo político, como consecuencia de las Guerras de Religión, surge un equilibrio nuevo en Europa con potencias políticas claramente divididas entre católicas (sur) y países protestantes (norte). Aparecen las nacionalidades como símbolo de sus respectivos pueblos y culturas. En lo económico surge el capitalismo comercial y familias poderosas con países que se enriquecen y otros que caen en la ruina. En lo filosófico aparecen las teorías sobre el origen divino de la monarquía, las ideas de Descartes, Newton, Leibnitz. Descubrimientos de Copérnico, Galileo, Pascal. En música: Vivaldi, Bach y Häendel. En lo literario, Moliére y el Siglo de Oro en España.//Es el arte de la Contrarreforma (Concilio de Trento -1545-1563). El arte barroco viene de este concilio en el que la Iglesia católica rebatía en arte los dogmas atacados por los protestantes: el triunfo de la fe, de la religión, del pontificado, el culto a la Virgen, a los mártires y santos, cultivando los temas patéticos y místicos. Los jesuitas le adoptan como su forma de expresión. El arte Barroco tiene dos ámbitos: -el cortesano y católico con aspecto a veces clásico, otras naturalista y, en la mayoría, sensual y decorativo. -el burgués y/o protestante, que también busca lo inmediato y cotidiano en la afirmación de los aspectos sensibles de la realidad y de su status. Pero es más intimista y menos decorativo.//El estilo en general se inició en Roma ya en tiempos de Miguel Angel, apareciendo como un estilo grandilocuente y ostentoso. Entre las causas que inclinan el gusto hacia esta riqueza de apariencias, encontramos el auge del capitalismo, las familias ricas de Roma,… y todas las circunstancias que señalamos arriba.//La complicación ornamental aparece mezclando a veces arquitectura, pintura y escultura contribuyendo todo a la apariencia suntuosa del conjunto.//El Barroco español abarca el s. XVII y la primera mitad del XVIII coincidiendo con un periodo crítico en lo económico, el de los Austrias, con una desmesurada intervención de la nobleza en el gobierno y el deseo de aparentar. Es de cierta originalidad llegando a crearse algunas escuelas. Es un momento de auge creativo por encima de las posibilidades reales tanto en el arte civil como en el religioso. En este segundo aspecto se construyen templos de grandes dimensiones y rica decoración. La escultura y la pintura acusan realismo y patetismo para mover el espíritu de los fieles hacia lo trascendente.//////ARQUITECTURA:Después de la Contrarreforma, finales del XVI, la Iglesia muestra su austeridad en el arte plástico aportando desnudez y sobriedad (el estilo purista) pero sin olvidar la grandeza (anula lo ornamental). Pero esta arquitectura matemática y desnuda dura poco ya que en el XVII se da paso a la complicación y al dinamismo. Se complican las estructuras espaciales siendo más ricas en función del movimiento aunque con elementos clásicos, rompiéndolos y dando libertad a un artista que un renacentista no podía imaginar.//Características: plantas y fachadas en curva; templos de gran lujo y ornamentación; entablamentos curvos; frontones rotos y uno metido dentro de otro; columnas salomónicas; empleo de estípites (columnas de anchura mayor en la parte baja que en la alta); arcos mixtilíneos; decoración vegetal cubriéndolo todo; sensación teatral y de movimiento; bóvedas de lunetos pintadas con escenas celestes; cúpulas con efectos de luz espectaculares;; efectos de luces y sombras en las fachadas; exuberancia decorativa en el exterior que llega a ocultar los elementos constructivos; esculturas en hornacinas o nichos; cornisas; molduras superfluas; y combinación de edificios con plazas y jardines buscando perspectivas fugadas y ejes diagonales creando un conjunto de grandilocuencia. El ojo no puede ver el conjunto entero de la obra sino que para comprender todos los elementos constituyentes del edificio necesita ir por partes y detalles. ////ITALIA:Este estilo nace en Italia a principios del XVII.//El Barroco italiano tiene diversas etapas: -Barroco inicial con la utilización de elementos clásicos, austero, con severidad pero con utilización como recurso de algún elemento barroco. (Carlo Maderno). -Barroco clásico que recurre a los elementos clásicos pero los confiere movimiento y dinamismo. (Bernini y Pietro da Cortona). -Barroco pleno, en el que se unen los elementos del barroco clásico con los elementos manieristas. (Borromini, Guarino Guarini y Filippo Juvara) -Rococó, lleva a lo máximo los elementos del barroco pleno.//En Roma:Jacobo Barozzi de Vignola (1507-1573) es el creador de uno de los modelos que servirá para las iglesias barrocas. Su obra es la iglesia de los jesuitas en Roma (Il Gesú) que puede ser considerada como el primer edificio barroco (barroco inicial). La fachada es de Giacomo della Porta que siendo bastante plana recurre al elemento barroco de introducir un frontón triangular dentro de otro semicircular.//Carlo Maderno/a (1556-1629) es el primer arquitecto propiamente barroco, dando en sus obras grandiosidad con esplendor, creando ya la curva y el juego de luces y sombras. Termina la basílica de San Pedro del Vaticano con la prolongación de planta a la cruz latina y su fachada, donde une la fachada religiosa con la palacial (balcones). Hace la fachada de la iglesia de Santa Susana, parecida a la de “Il Gesú” pero ya no es plana y decora el interior de la iglesia de Santa María de la Vittoria. Como obra civil realiza el palacio Barberini que será terminada por Bernini y Borromini.//Gian Lorenzo Bernini (1599-1680) es el máximo representante del barroco italiano tanto en arquitectura como en escultura. Rompe el espacio siendo dinámico y movido. Realiza, en San Pedro del Vaticano sus dos obras maestras: la Columnata en la plaza de S. Pedro y, en bronce, el Baldaquino con la novedad de utilizar la columna salomónica (helicoidales, espirales) que servirá de ejemplo para arquitecturas posteriores, sobre todo en fachadas y retablos. Termina el palacio Barberini (iniciado por Maderna) y realiza los palacios de Montecitorio y Odescalci, este último importante porque será imitado en la arquitectura francesa ya en Versalles o a través de su propio proyecto para el Louvre que no llegó a realizarse. Fue también pintor.//Francesco Borromini (1599-1667) es un hombre de profunda religiosidad pero de espíritu atormentado. Es el que nos introduce en el propio barroco ya que Bernini crea escenografía y movimiento con elementos clásicos pero Borromini rompe los órdenes y los cánones clásicos, sin proporción (rompe las reglas, inventa elementos nuevos, concibe la arquitectura como escultura, ondula los entablamentos y cornisas, alabea los muros, formas nuevas de capiteles…). Su fantasía y extraordinaria capacidad hacen que sus obras tengan genialidad e inventiva. Es el verdadero creador y difusor de la fachada y planta curva así como del juego de volúmenes cóncavos y convexos, especializándose en la construcción de iglesias como la de San Carlos alle Quattro Fontane y la de Santa Inés (Plaza Navona), el Oratorio de los Filipenses y la Capilla de la Universidad de Roma (San Ivo alla Sapienza). Como obras civiles tiene el palacio de la Propaganda Fide (en colaboración) y el palacio della Spada. Pietro da Cortona (1596-1669) Pintor y arquitecto, es intérprete del clasicismo con un orden nuevo. Usa la columna con sentido escultórico (columna decorativa). Se especializa en el estudio de la perspectiva para crear su obra. Así, la fachada de Santa María della Pace está concebida según las diagonales y perspectiva de la plaza de delante. También tiene la iglesia de los Santos Martina y Luca.//En Venecia: Baltasar Longhena (1598-1682) es bastante clásico, pero une elementos palladianos (renacentistas) con otros bizantinos. Obra: la iglesia de Santa María della Salute.////En Turín:Guarino Guarini (1624-1683) religioso y maestro de matemáticas es considerado el gran geómetra de Turín. En sus obras mezcla los elementos renacentistas con influencias de elementos góticos, mudéjares (ladrillo), hispanoárabes (cúpula y bóveda califales) y sículo-normandos (tradición siciliana=ladrillo). Son característica sus óculos avalados (decorativos al exterior o de ventana). Obras en Turín: el palacio Carignano, la iglesia de S. Lorenzo y la capilla de la Santa Sindone. Filippo Juvara (1676-1736). En Turín se dan las dos corrientes igual que en Roma. Si Guarino Guarini es Borromini, Juvara es Bernini. Marca la transición del barroco al neoclásico. Le influye Guarini pero se interesa más por las obras de Bernini. Sus obras son la basílica y el monasterio de Superga con pórtico clásico y cúpula, la iglesia de San Felipe Neri y la fachada del palacio Madame que servirá como base para el Palacio Real de Madrid. Es nombrado arquitecto de corte por Víctor Manuel de Saboya y llamado a trabajar en cortes europeas como la española donde realiza el Palacio Real de Madrid (en el que une el palacio Odescalchi de Bernini con la influencia de la fachada del palacio Madame y elementos de Versalles y del Louvre) y el palacio de la Granja. En Portugal el Palacio Real y la Catedral de Lisboa./////FRANCIA.La arquitectura barroca francesa es tanto religiosa como civil. En la religiosa aparece la influencia italiana, mientras en la civil se busca mayor utilidad y funcionalidad.A partir de Luis XIII son los reyes quienes promueven las grandes obras y así el estilo recibirá el nombre del monarca en cuestión. Luis XIII. Se construyen iglesias y palacios sobre modelos italianos. Los autores más importantes son Lemercier autor de la iglesia de la Sorbona, Mansart constructor de la iglesia de Val de Gràce y del palacio de Maisons Laffitte, y finalmente Le Vau que realiza la fachada principal del Louvre.//Alguno de estos autores trabajan también durante el reinado de Luis XIV. Luis XIV da nombre a un estilo caracterizado por la suntuosidad y riqueza sobre todo en los interiores, ya que debido a la fundación de la Academia los elementos se atienen a mayor sobriedad y clasicismo. La construcción del palacio de Versalles agrupa a artistas de todo tipo como Perrault, Le Vau o Hardouin. Este último hace también la iglesia de los Inválidos en la Plaza Vendòme de París. Luis XV. El refinamiento de las formas barrocas da lugar, en este reinado, al llamado Rococó que se caracteriza por el empleo de la rocalla. El autor más importante es Jacques Gabriel que trabaja incluso en España donde es autor del Salón de la Porcelana del Palacio de Aranjuez. Este estilo nace debido a la importancia que adquiere la gran burguesía que busca una vida más agradable y el arte se hace más delicado. Luis XVI. Ya está cercano el Neoclasicismo cuando se fijan las normas de la Academia. Estas suponen una vuelta a los cánones clásicos y se pierde la creatividad. Autores: Servandoni levanta la iglesia de S. Sulpicio y Sufflot es autor de Santa Genoveva, llamada también el Panteón de París.////ALEMANIA Y AUSTRIA: Lucas Hildebrandt  Baltasar Neuman ///INGLATERRA: Iñigo Jones./////ESPAÑA. Con el traslado de la corte a Madrid se produce un crecimiento demográfico y urbanístico de primer orden y es, entonces, la capital el gran foco arquitectónico del s. XVII. En tiempos de los Borbones se construye en torno a la corte bajo la influencia francesa e italiana. En un segundo momento se crean las escuelas regionales.//Castilla: Juan Gómez de Mora trabaja en el convento de la Encarnación de Madrid junto a Fray Alberto de la Madre de Dios. También trabaja en el Ayuntamiento de Madrid, en el trazado de la Plaza Mayor de Madrid y en la Clerecía de Salamanca. Crescenci es de origen italiano y es autor de la Cárcel de la Corte, también realiza el Panteón de Reyes del Monasterio de El Escorial de planta poligonal, bronce y mármoles policromados. Francisco Bautista construye la iglesia de S. Juan Bautista de Toledo y el convento de las Comendadoras de Santiago en Madrid. Pedro de la Torre es autor de la capilla de S. Isidro en la iglesia de S. Andrés de Madrid. José Ximénez Donoso construye la Casa de la Panadería.En Salamanca trabaja durante todo el periodo la familia Churriguera y su estilo se caracteriza por una mayor complicación en la estructura de los edificios lo que ha dado lugar dentro del Barroco al llamado “Churrigueresco”. De Salamanca salen a realizar trabajos a otras provincias.José Benito Churriguera tiene el Catafalco de la Reina María Luisa de Orleans, el retablo de S. Salvador de Leganés, la capilla del Sagrario de la catedral de Segovia, el conjunto urbano del Nuevo Baztán de Loeches en Madrid y la fachada de la Academia de Bellas Artes de S. Fernando en Madrid.Alberto Churriguera realiza la Plaza Mayor de Salamanca y fue quien culminó la fachada de la catedral de Valladolid.Pedro de Ribera es el más abigarrado y complicado de los arquitectos barrocos. Obras: el puente de Toledo, la ermita de la Virgen del Puerto, la iglesia de Montserrat del convento de Benedictinos, la portada del hospicio, la portada del cuartel del Conde-Duque, todas ellas en Madrid.Narciso Tomé tiene la fachada de la Universidad de Valladolid y el transparente de la catedral de Toledo.Teodoro Ardemans nació en Francia pero llega a España para trabajar en el palacio de la Granja siguiendo el modelo del de Versalles.Filippo Juvara interviene en la construcción del Palacio Real de Madrid junto a Sachetti, pero Filippo es más clasicista especialmente en la Capilla Real. Bonavia realiza el palacio de Aranjuez. Carlier el convento de las Salesas Reales de Madrid.////Galicia: La ornamentación no es tan exuberante y los principales ejemplos están en Santiago de Compostela en torno al propio templo del Apóstol, pues se le da a la catedral una envoltura barroca. José Peña del Toro realiza la Torre de la Campana. Andrade la Torre del Reloj. Casas Novoa será quien recubra el románico pórtico de la Gloria con la fachada barroca del Obradoiro./////Cataluña. Josep Julí tiene la iglesia de Belén y el palacio de la Virreina, ambas en Barcelona./////Aragón Francisco de Herrera, el Mozo y Ventura Rodríguez terminan la basílica del Pilar de Zaragoza. El último también trabaja en Madrid en el palacio de Liria y en la iglesia de S. Mateo. Se trata de un autor que enlaza ya con los neoclásicos.////Levante con dos ciudades que destacan especialmente: Valencia y Murcia. Conrrado Rudolf realiza la fachada de la catedral de valencia. Jaime Bort hace la fachada de la catedral de Murcia.///Andalucía. Alonso Cano levanta la fachada de la catedral de Granada; Francisco Hurtado el convento de los Jerónimos de Sevilla; Antonio Rodríguez el palacio de S. Telmo en Sevilla; Luis de Arévalo la sacristía de la Cartuja de Granada y; Vicente Acero realiza los planos de la catedral de Cádiz y la fachada de la catedral de Málaga.///////ESCULTURA:En el s. XVI las formas que se siguen son las presentadas por Miguel Angel (tensión interior pero contenida siempre en un contorno cerrado). Las formas renacentistas son de equilibrio y reposo; las manieristas se cierran sobre sí mismas, nada sobresale. Pero en el s. XVII las formas escultóricas sobresalen, son gesticulantes, abiertas, en movimiento aún cuando estén realizadas en mármol.//Características: - Deseo de movimiento, no contenido sino hacia el exterior. Ahora los cuerpos rompen las fuerzas invisibles que los aprisionaban en el manierismo y se mueven con mayor naturalidad. Así, habrá formas en aspa, los ropajes adquieren personalidad de manera que los plegados se duplican, se hinchan y arremolinan. El escultor atiende más al movimiento de las telas que a marcar las formas de la figura humana. Sin duda se trata de aparentar un carácter pictórico, procurando representar más la apariencia que la realidad de la forma. -Contraposición de superficies (contrastes). Unas pulidas y otras rugosas, buscando la policromía de los mármoles y la madera polícroma. Lo virtuoso es que el mármol parezca vivo, con superficies de varios desgastes creando efectos pictóricos. -A veces no se piensa en una escultura aislada sino que necesita de un marco que continúe el movimiento. Se trata de una escultura decorativa, efectista y que trata de impresionar. -Contrastes en los materiales y su mezcla. -Materiales: en Italia: mármol, bronce y, en menor medida, madera. en Francia: mármol y bronce. en España y Alemania: mármol, bronce, barro y la madera. ·Temas: Temática religiosa, predominando el éxtasis (amor divino), las apoteosis gloriosas, escenas de santos (especialmente martirios) y ciertas alegorías, abundando en los retablos y fachadas de las iglesias. Temática decorativa-civil, así se producen estatuas ecuestres, monumentos ciudadanos, fuentes…muchas veces inspirada en la mitología. Temática mitológica para la decoración de palacios y jardines. Temática funeraria como exaltación de lo humano, gloria de los poderosos y del carácter heroico.////ITALIA. Esteban Maderno en 1600 esculpe en mármol blanco a Santa Cecilia, tendida tras ser degollada. Obra bien pulimentada y tratada con gran naturalismo. Su composición aún es cerrada. Gian Lorenzo Bernini: Sus obras más importantes las realiza solo y a partir de 1620: · Rapto de Proserpina o Plutón y Proserpina (1621-22), que representa el rapto de la diosa por el dios del mundo subterráneo o Averno descrito en las Metamorfosis de Ovidio. Tiene detrás el Cancerbero o perro guardián de las puertas del Averno. Composición en aspa que se abre por las manos de Proserpina, creando diagonales que se expanden hacia fuera. Es de mármol. Movimiento y dinamismo, parecen que van a mantener esa lucha para siempre, pero Plutón sabe que va a ganar por esa risa burlona que presenta. · Apolo y Dafne (1622-25), representa el momento final de la persecución en el que Apolo llega a tocar a Dafne y ésta se convierte en laurel. Representa el movimiento expansivo, gran finura de modelado y naturalismo en las hojas y la corteza. Efectos psicológicos en sus figuras. · David (1623), representado justo en el momento de tirar con la honda. Incluso con el gesto de fuerza en el rostro. · Longino (1629-38), es una figura monumental. Es su obra verdaderamente plena ya que rompe el esquema clásico, dando la composición diagonal y la conquista del cuerpo por el ropaje, concebido dramáticamente. Movimiento, claroscuro. Abundancia de plegados y hace bicromía con la hornacina de mármoles de varios colores. · Ëxtasis de Santa Teresa, en la capilla Cornaro de Santa María de la Vittoria. Es el tema del amor divino y lo concibe como un cuadro a pesar de ser de bulto redondo. Juega con las tonalidades pictíricas entre el mármol oscuro de las columnas con el claro del centro que compone un ángel o serafín traspasando el corazón de la santa con la flecha ardiente del Amor Divino, símbolo de la unión de la santa con Cristo. Todo ello sobre una gran nube de mármol blanco. Se advierten las distintas calidades entre la nube y el manto que son rugosos y el cuerpo que está pulimentado. Mezcla los materiales: mármol negro y blanco combinado con el bronce dorado de la flecha y los rayos de luz del fondo. En la santa, el cuerpo que se representa es mínimo limitándose a la cara, mano y pie. El resto queda tapado por el estudio de plegados del manto, donde lo importante es su disposición, no la anatomía. A esta visión se la añade en los laterales del altar a modo de tribunas de teatro, una especie de balconadas donde aparecen los personajes de la familia Cornaro que comentan, ven y disfrutan de esta visión con movimiento y gestos. · Muerte de la Beata Albertona, en éxtasis, en la que repite la disposición del rostro y plegados de Santa Teresa pero crea mayor dramatismo al retorcerse en sí misma y al aparecer sola. · Al tar Mayor de San Pedro del Vaticano, llamado la Cátedra (o silla) de S. Pedro. Está situado en el ábside de Miguel Angel. En el centro la ventana oval donde pone la paloma del Espíritu Santo. Alrededor, la Gloria Celestial con multitud de angelitos y rayos de luz que provienen del centro. Más abajo representa la cátedra de S. Pedro, bajo dos angelitos con la tiara y las llaves, envuelto a modo de reliquia. En el respaldo el relieve de la entrega de las llaves de Jesús a S. Pedro. Cátedra llevada por los cuatro Padres de la Iglesia. Uso de mármoles aprovechados y repulidos, bronce y yeso pintado simulando oro. Movimiento y nerviosismo. Interpretación de escenario. · Sepulcro de Urbano VIII (1628-47) en S. Pedro del Vaticano, está coronado por una estatua del Papa sentado y bendiciendo, en bronce sobre un pedestal elevado de mármol incorporando al conjunto dos figuras alegóricas: Caridad y Justicia. Cierto recuerdo de los sepulcros de los Medici de Miguel Angel. Del sarcófago sale la Muerte que arranca el cartel del nombre del Papa. Mezcla materiales: bronce y mármol, creando efecto pictórico y juego de luces y sombras. · Sepulcro de Alejandro VII. (1671-78) en S. Pedro del Vaticano. Al contrario que el anterior casi todo es de mármol, menos el Sol de la Verdad (alegoría). Mezcla mármoles de diferentes colores. El Papa aparece orando sobre un pedestal-sarcófago. A los lados las figuras alegóricas de las virtudes: Caridad y Verdad y, entre ellas, un amplio manto con muchos pliegues del que intenta salir la Muerte que alza el reloj de arena, dando la inestabilidad de la vida y la firme fe del Papa en oración.//Como decorador urbano realiza varias fuentes:· la del Tritón , es una de sus primeras fuentes (1642-43), en la que representa a cuatro delfines soportando una concha abierta de cuyo interior surge un tritón tocando un cuerno marino o caracola.· de los cuatro ríos en la Plaza Navona (1648-51). Representa Danubio, Ganges, Nilo y Río de la Plata que soportan un escudo con las llaves de S. Pedro y un obelisco egipcio. Rompe el efecto de simetría por el movimiento de los personajes. Proporción en los contrapesos de los personajes.· la de Neptuno (dios del mar) y la del Moro (divinidad marina, con concha y delfín) ambas en la Plaza Navona.////Retratos: · Retrato de Luis XIV de Francia realizado durante(cuñada del Papa). Es un busto donde prima lo psicológico. Sobriedad, contención y análisis psicológico. su estancia en la corte francesa invitado por el rey y que servirá de modelo para otros retratistas. · Ratrato de Constanza Buonarelli. Alejandro Algardi  ·Relieve del Encuentro del Papa León I y Atila (León I deteniendo a Atila (1646-1653) en el que el Papa detiene, ayudado por S. Pedro y S. Pablo que vienen desde el cielo, a Atila en su intento de tomar Roma. Realizado en mármol blanco, es equilibrado, presenta las tres formas de relieve y crea profundidad. De hecho es Algardi el creador del reieve pictórico. ·La Decapitación de S. Pablo (1641-47). Representa en dos figuras de bulto redondo al verdugo con espada en alto y arrodillado al santo. · Retrato de Dª Olimpia Pamphili (cuñada del Papa). Busto donde prima lo psicológico. Sobriedad y contención. Francisco Duquesnoy. Acentúa lo clásico. · San Andrés de S. Pedro del Vaticano. En los pilares centrales de esta basílica hay cuatro hornacinas donde se representan las cuatro mejores reliquias que conservaba el Vaticano que son: la cruz de S. Andrés, la lanza de Longinos, el paño de la Verónica y la Cruz de Cristo encontrada por Santa Helena. Longinos lo hace Bernini. Representa igual que el de Bernini en mármol blanco una composición en aspa dando a la figura un carácter más dinámico y movido. Pero los pliegues son bastante rectos, eliminando esa riqueza y virtusismo del manto que logra Bernini. Camilo Rusconi es un escultor que da paso al s. XVIII, donde une la corriente berninesca con la clasicista de Algardi y Duquesnoy. Obra: San Mateo.////En el s. XVIII se mantiene esa influencia de Bernini en todos los escultores, dando una bifuecación en dos direcciones: -una de refinamiento, gracilidad y jugueteo que dará lugar al Rococó -y otra más severa de la que surgirá el Neoclasicismo.///Del XVIII son escultores como Pietro Bracci (1700-1773) y Filippo della Valle (+ 1768) que junto con el arquitecto Nicola Salvi realizan entre 1732 -62, una de las fuentes más hermosas de Roma: La Fontana de Trevi. Fuente que utiliza como fachada el lado menor del palacio de los duques de Poli, dando un carácter escenográfico.////////////////PINTURA: ITALIA: La pintura barroca en Italia sigue utilizando el fresco, pero también el óleo sobre lienzo, lo que lleva al abandono de la tabla.//Esta pintura nace como contraposición al estilo manierista que era de carácter aristocrático e intelectual y, por tanto, que no servía para un mundo religiosos ya que producía sorpresa y asombro al fiel al ver esa irrealidad de cuerpos alargados, abundancia de desnudos, horror al vacío y perspectivas no comprendidas.//Por ello se tiende al naturalismo, con afán de movimiento y gusto por lo decorativo dejando que lo aparatoso y lo efectista haga que el fiel se acerque a la iglesia, representando santos y héroes.//También nace para servir a la Contrarreforma por lo que disminuyen los desnudos (en lo religioso sólo en S. Sebastián y la Magdalena) y el tema mitológico. A esto se añade la abundancia de temas de martirios y apoteosis como en la escultura.//La pintura barroca abarca desde fines del s. XVI hasta el s. XVIII y aunque es Italia de donde emena este estilo al resto de Europa, en cada país introducen novedades.//Italia es también la primera en marcar las direcciones fundamentales de la pintura barroca: 1.- Naturalismo y tenebrismo: Caravaggio. 2.- Clasicismo: Los Carraci, Guido Reni, Domenichino, Guercino. 3.- Pintura decorativa: Pietro de Cortona, P. Pozzo y Luca Giordano (Lucas Jordán)/////Naturalismo y tenebrismo. El naturalismo es lo contrario al Manierismo, no se para ante las cosas menos agradables como cadáveres, trozos de carne, pescados, vacas abiertas en canal o tipos humanos poco perfectos.//El tenebrismo pinta sobre fondo oscuro destacando las cosas del primer plano por medio de una iluminación dirigida creando, como consecuencia, un contraste de luces y sombras. El tenebrismo no se usa en paisajes pero sí en bodegones. En una época más avanzada se utiliza para crepúsculos.//Miguel Angel Merisi, Caravaggio (1573-1610). Nacido en la villa que le da nombre, al norte de la península itálica, pronto se traslada a Roma donde empieza a pintar en un taller. Hombre de vida complicada, solitario, trabaja solo (raro en este tiempo en que predomina el maestro y el taller) y rebelde. Muere joven y con una producción limitada. Realiza pocas obras pero cambia por completo la historia de la pintura y será seguida y copiada por el resto de los artistas.. Pinta todos los temas desde lo mitológico, lo religiosos y lo callejero tomando siempre tipos corrientes y personajes cogidos de la realidad y de la calle donde vive. Usa modelos directos al natural con todas sus imperfecciones (naturalismo) y para subrayar esa realidad usa algo que no es real: su luz es irreal, ya que la coloca el fondo oscuro del que sale un fuerte foco de luz (tenebrismo), dando un fuerte contraste de luces y sombras no dejando espacios intermedios de claroscuro. Por ello Caravaggio no da importancia al escenario, al fondo porque casi siempre lo elimina. Da lo que se ha dado en llamar corriente tenebrista, caravaggiesca, claoscuros fuertes…. Que influirá en flamencos, holandeses, franceses, e incluso, en el primer Velázquez.//Obras: Mitológico-morales: Baco adolescente El Niño Baco //Religiosas: es la producción más numerosa. Aquí, también buscará modelos reales y callejeros, con el recurso del tenebrismo:La muerte de la Virgen, Entierro de Cristo, La cena de Emaús, David con la cabeza de Goliat, San Jerónimo//Otras obras religiosas: la Virgen del rosario, la Virgen de los palafreneros, San Juan Bautista, la Vocación de S. Mateo, el martirio de s. Mateo, la conversión de S. Pablo ////Clasicismo Es la escuela boloñesa (al norte de Italia). Es contemporánea al naturalismo que reacciona duramente contra el idealismo excesivo (manierismo) y contra la realidad excesiva del naturalismo caravaggiesco, creando una pintura intelectual con unos fines más del Renacimiento que termina cayendo en cierto idealismo. Este estilo gustó mucho en todos los medios cultos, considerándose un estilo ecléptico (dibujo de Miguel Angel, colorido veneciano, idealismo de rafael y la sensualidad de Correggio) Es un arte sintético. Preocupado por el paisaje que suele ser bello, sereno y en el que se situan ruinas clásicas Paisaje que se opone al que realizan los flamencos y los holandeses que son mucho más reales y dramáticos. Primacía del dibujo natural con elementos clásicos no alterando lo real pero sí quitando lo imperfecto. Destaca Barocci. Los Carracci: Luis, Anibal y Agustín. Carracci, La Virgen de los Descalzos  Agustín Carracci, La comunión de S. Jerónimo, y Los desposorios de S. Catalina. Aníbal Carracci:Escenas mitológicas de Amor, La huida a Egipto Guido Reni destacan Crucifixión de S. Pedro (Vaticano), La Magdalena (Chicago).Entre las segundas: La Aurora (Villa Ludovisi, Roma), Hipómenes y Atalanta (Prado). Il Guercino, La aurora./////Pintura decorativa .Llamada también de plenitud barroca. Surge en la 2ª ½ s. XVII. Se especializa en bóvedas espectaculares y grandiosas con finalidad decorativa. Antecedentes: la bóveda de Anibal carracci y las innovaciones que hace su discípulo Lanfranco en los años 20 del XVII con elementos dinámicos, movimiento, escorzos y figuras volantes pintadas al servicio del poder. Pietro da Cortona Triunfo de la Divina El triunfo de s. Ignacio (1685-1694): encima de las verdaderas estructuras dela iglesia pintó al fresco, con efectos de extraordinario virtuosismo, los muros y las arcadas de otro gran templo que aparece en un cielo poblado de grupos de ángeles y de personajes alegóricos. Pozzo realiza así, junto a la obra del Baciccia (el Gesú), la más solemne y enfática celebración de los fastos de la Iglesia, a la vez que la última gran obra del barroco italiano. Il Baciccia, La gloria del nombre de Jesús. Lucas Jordán (Luca Giordano) (1634-1705). Napolitano, es un gran bovedista. Discípulo de Ribera. Hace cuadros a la manera y estilo de artistas tan diversos como Rafael, Durero o Tintoretto. Estudia a Lanfranco, Pietro da Cortona y los grandes maestros venecianos. Esa destreza para evocar estilos ajenos muy distantes, así como la rapidez con que ejecutaba sus obras, le valió el apodo de Luca “Fa presto”. Son aspectos en que se manifiestan el excepcional virtuosismo y su inteligencia pictórica y colorista, dando una evolución personal desde el apretado realismo riberiano de sus primeros años hasta las luminosas apoteosis barrocas de su última época. Es el más prestigioso pintor mural de la Italia de su tiempo. Fue llamado por Carlos II de España donde trabajó hasta que murió. Pinta los frescos de la Iglesia y la escalera del Escorial, el salón del Casón del Buen Retiro y la Sacristía de la Catedral de Toledo. Ningún otro pintor barroco dejó una producción tan extensa como él, que a veces se resiente de precipitación y superficialidad, pero constituye en conjunto un caso de gran fecundidad inventiva, de variedad de inspiración y de dominio de los recursos técnicos. Ejerce influencia como fresquista en los pintores del s. XVIII.///FRANCIA. Se dan las mismas tendencias que en Italia. A)Naturalismo como consecuencia del contacto con Italia alcanzó mucho éxito pero a pesar de lo dicho, algunos autores como La Tour son de influencia holandesa. // La Tour es el tenebrista más famoso como muestra en Los tramposos donde se sirve de la luz de un candil para iluminar su obra.//Los hermanos Le Nain representan escenas campesinas en tono gracioso y siempre al aire libre. B)Clasicismo. Es practicado principañmente por los franceses que vivieron en Roma y desde allí hacían los encargos. Suelen ser paisajistas y retratistas. -Paisajistas: Nicolás Poussin y Claudio de Lorena. -Retratistas: Felipe de Champaigne, Jacinto Rigaud y Nicolás Larguilliere. Nicolás Poussin Entierro de Cristo, El triunfo de Flora, La peste de Asod, y Los pastores de Arcadia. Claudio Paisaje con el embarco de Santa Paula.////Los retratistas están influenciados por Rubens y Van Dyck y trabajan en torno al reinado de Luis XIV (1º ½ s.XVII). Felipe de Champaigne, procede de Flandes y es creador de dos tendencias, una intimista burguesa caracterizada por la sobriedad y la expresividad (Retrato de la madre de Arnauld y La hija del pintor), y la otra cortesana en la que lo que se impone es el traje y el gesto.//En la Corte de Luis XIV domina esta segunda tendencia y sus autores principales son Jacinto Rigaud y Nicolás Larguilliere que trabajan especialmente la suntuosidad de la moda y la aparatosidad de los retratos con fondos arquitectónicos muy complicados y cortinajes. A)La Academia y el arte de Versalles.//En la 2º1/2 del s. XVII se crea la Academia Real de Bellas Artes con el fin de formar unas directrices artísticas al servicio de la Casa Real que alineará y controlará la creacción de París. Simón Vouet es su iniciador. Educado en Roma, tras una primera etapa tenebrista llega al clasicismo más descarado. Charles Le Brum es el principal representante de la Academia. Discípulo de Poussin y seguidor de Rubens. Trabaja en Versalles como pintor real en las Alegorías del rey y en los cartones para tapices del Palacio Real. Mignard pinta la cúpula de Valde-Grace además de ser retratista de la Corte; Antoine Coypel autor de la cúpula de la Capilla de Versalles y Charles de la Fosse autor de la cúpula de los Inválidos.///FLANDES Y HOLANDA:Hasta el s.XVII ambos territorios comparten una cultura común que, desde entonces, se distanciarán en lo social, económico, político y religioso como consecuencia de la secesión de Holanda o Provincia del Norte de la Corona de España. Como consecuencia habremos de diferenciar entre un Norte protestante, democrático y burgués y un Sur o Flandes católico, aristocra´tico y monárquico.//Estas diferencias encuentran su reflejo en la pintura: temas, tamaños y formas de tratarlos. Bélgica trata temas religiosos en grandes lienzos de altar con el tema de Santos y Sacramentos. Los temas mitológicos para grandes palacios, siempre muy sensuales; y el retrato muy aparatoso y solemne. Holanda trata temas religiosos del Antiguo Testamento en pequeño formato (para habitaciones de los burgueses) mientras los cuadros de altar desaparecen; Los de asunto mitológixco son pocos y tratados de manera alegórica y moralizante; el retrato es sobrio, intimista y realista, apareciendo el retrato coorporativo en un tono de igualdad democrática. En definitiva gusta más del realismno, de gusto burgués, pequeño tamaño, decoración con escenas domésticas, animales, paisajes urbanos, campestres, marinas, bodegones… Los autores son independientes y trabajan en tiendas donde acuden los clientes./////Flandes. Pedro Pablo Rubens está educado en las formas italianizantes por lo que se le considera un romanista desde su viaje a Italia donde estidia a Miguel Angel del que adopta la grandeza corporal, a los venecianos con sus colores cálidos y a Caravaggio. Las Características de su obra son la exuberancia, dinamismo y vitalidad en composiciones diagonales que refuerzan la sensación de movimiento. Obras religiosas: Adoración de los Reyes, Descendimiento, Juicio Final. Mitológicas: Las tres Gracias, Juicio de Paris (donde utiliza como modelo a su mujer Elena Fourment), retratos con un intenso colorido e importante tratamiento psicológico. Van Dyck es discípulo de Rubens que le influye tanto en el asunto mitológico como en el retrato. Características: elegancia y delicadeza que pone al servicio de sus retratos cortesanos. Influirá en la pintura inglesa del s. XVIII. Retrato de CarlosI de Inglaterra. Jordaens es un converso al protestantismo. Trata los temas populares y burgueses muy alegres El sátiro y el campesino.En los mitológicos sigue también a Rubens que era su maestro.//////Holanda. Rembrandt es un hombre de vida dramática. Se inspira en Italia lo que le hace estar influido al principio por el tenebrismo con fuertes juegos de claroscuros en penumbras. Temas religiosos del Antiguo Testamento tratados muy dramáticamente, paisajes, bodegones, retratos, autorretratos, retratos coorporativos, mitológicos. Ronda de noche, Los síndicos de los pañeros de Amsterdam, Muchacha bañándose, El buey desollado. También cultiva el género del grabado. Hals es fundamentalmente un retratista de espíritu alegre y optimista. De técnica suelta (impresionismo). Retrato coorporativo Banquete de los oficiales de S. Jorge, Los regentes del asilo de ancianos. Delft trabaja sobre todo en cuadros de interior tratados con gran delicadeza y sencillez. Colores claros aplicados a personajes que aparecen ocupados en tareas domésticas La carta.