Evolución de la Pintura Gótica: Estilos, Técnicas y Temáticas

Pintura Gótica

Durante el gótico, la pintura se independiza progresivamente de la arquitectura y se configura como un medio de expresión autónomo. Se desarrollan dos soportes figurativos predominantes: la vidriera y la pintura sobre tabla o retablo.

Al principio es una pintura aún idealizada, amable, que atrae por la belleza del dibujo, y con un color casi siempre suave. Se usan colores planos, sin gradaciones tonales, y para el fondo el oro, símbolo de luz, belleza y nobleza (y del cielo). Pero su evolución alcanza aspectos nuevos:

• Preocupación por representar la profundidad: se representan escenas en un espacio real.
• Estudio anatómico de las figuras, que poseen volumen, actitudes reales y sentimientos.
• Estudio y valoración de la luz: los efectos de luz y sombra permiten representar el volumen.
• Se intenta reflejar fielmente la realidad, oponiéndose al espíritu simbólico del románico.

La técnica más usada es el temple. En el s. XV se difunde la técnica al óleo, que utiliza como aglutinante el aceite. El fresco se utiliza solo en el primer gótico, pero en Italia se mantiene.

Temática

La figura de Cristo en la cruz será más humana, no es triunfante y sufre, tiene la cabeza ladeada y los brazos se despegan de la cruz por el peso de su cuerpo moribundo; lleva corona de espinas y los pies se montan uno encima del otro, con un solo clavo. Se hace habitual la representación del Juicio Final, con frecuencia en las portadas.

La figura de la Virgen cobra gran importancia; destacan los aspectos y sentimientos humanos: dolor, ternura y protección. La imagen amorosa y dulce de la Virgen con el Niño es muy abundante, ya que está considerada como el eslabón entre los hombres y Dios. Aumenta el patronazgo de los santos en ciudades, corporaciones, gremios e instituciones varias, y su representación lo hace también. Los santos son considerados abogados y protectores de los hombres y de sus actividades, y aumenta la demanda de sus imágenes y de escenas de sus vidas.

Estilos

Estilo Francogótico o Gótico Lineal (s. XIII-XIV)

Domina un naturalismo un tanto ingenuo; es una pintura idealizada, amable, que atrae por la belleza del dibujo y el colorido casi sin gradaciones tonales. Las figuras son planas, de colores vivos, sin referencias a lo corpóreo, sin los claroscuros y las sombras que proporciona la luz natural.

El oro de los fondos, los objetos del mismo metal y las piedras preciosas son elementos simbólicos que, por su belleza, luminosidad y valor, lógicamente, están destinados al servicio de Dios; también son un signo externo del poder de aquellos que las encargan.

Estilo Italo-Gótico (s. XIII-XIV)

Se desarrolla en Italia en paralelo al franco-gótico. Sus principios y evolución son distintos, ya que mantiene influencias de los iconos y mosaicos bizantinos. Como en la arquitectura gótica italiana domina el muro sobre el vano, los pintores tendrán más campo para desarrollar sus inquietudes y progresos técnicos en la pintura mural. Lo más característico es la preocupación por la profundidad, se estudia la perspectiva, la anatomía de las figuras, hay una clara valoración de la luz y las sombras, y se concede mayor atención a la naturaleza y a la representación del sentimiento.

Estilo Internacional (último cuarto s. XIV-mediados XV)

Es, hasta cierto punto, el resultado de la fusión de los estilos franco-gótico e italo-gótico. Del primero conserva el gusto por la línea y por los ritmos curvilíneos, así como el aire cortesano francés, pero toma del segundo la importancia de la mancha de color con el fin de dotar de volumen a las figuras, y el marco o paisaje como escenario de la acción representada.

La Pintura Flamenca (s. XV)

A principios del siglo XV Flandes es uno de los principales centros pictóricos y ejerce gran influencia en toda Europa. La pintura flamenca: el lujo y colorido aportado por la corte de Borgoña, y el realismo buscado por la rica clientela burguesa, que exige una gran calidad de ejecución y una minuciosidad que singularice cada elemento representado. Sus principales características son:

• El Realismo. Se representa cada detalle lo más fielmente posible: ropas, rasgos del rostro, objetos y hasta el mismo cabello. Asimismo, atienden a los gestos y actitudes.
• El gusto por el detalle. Representación de los objetos en sus más mínimos detalles: arrugas, pelos, flores, joyas, etc. Y también, representación de los efectos de la luz que ilumina estos objetos, haciendo resaltar las diferencias entre lo mate y lo brillante.