Grandes Obras del Arte Barroco: Escultura y Pintura de Maestros Clave
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Gian Lorenzo Bernini: Escultura Barroca y Dramatismo
David
- Escultura barroca en mármol blanco.
- Representa a David en el momento de máxima tensión, justo antes de lanzar la piedra.
- El rostro refleja el esfuerzo y la concentración del instante, con la boca cerrada y el ceño fruncido.
- Característico del Barroco, el rostro expresa una intensa emoción, dramatismo y sentimiento.
- El mármol capta el rizado del cabello y la viveza de la mirada.
- La cuerda de la honda, esculpida con gran tensión, parece a punto de romperse.
Apolo y Dafne
- Temática clásica o mitológica, muy recurrente en el Barroco.
- Destaca el gran detalle desde cualquier punto de vista, especialmente en el cabello de Dafne.
- Composición basada en ejes diagonales. Dafne se enrosca en una espiral, mientras brotan hojas de laurel y ramas de su cuerpo.
- La expresión de Dafne es de pánico y terror, acentuando el dramatismo y el sentimiento.
- Magistral detalle en la boca y los ojos de Dafne, con la boca abierta en un grito.
- Las manos y los pies se transforman en laurel, mostrando una anatomía perfecta.
- Apolo, representado como un atleta, evoca las figuras de Praxíteles.
- (Nota: Se recomienda conocer la historia mitológica de Apolo y Dafne para una comprensión completa de la obra).
Éxtasis de Santa Teresa
- Obra de la etapa más madura de Bernini.
- Encargada por el cardenal Federico Cornaro, de origen veneciano.
- Ubicada en la Capilla Cornaro de Santa María de la Victoria en Roma (famosa por su aparición en la película Ángeles y Demonios).
- Representa a Santa Teresa de Jesús de Ávila, recién santificada en la época, lo que la convertía en un tema de gran actualidad.
- La escultura capta el éxtasis místico: una experiencia en la que un santo entra en contacto directo con la divinidad.
- Se inspira en un texto de Santa Teresa donde narra su éxtasis, describiendo cómo un ángel la atraviesa con un dardo de oro.
- Flanqueada por balcones laterales con figuras de la familia Cornaro observando la escena, y un trampantojo en bajorrelieve al fondo.
- La iluminación cenital, proveniente de una ventana oculta, crea un efecto teatral y escenográfico.
- Rayos de bronce dorado simulan la luz divina, añadiendo efectos de color, texturas y cromatismos.
- El ángel viste una tela fina y vaporosa, con una sonrisa amable y pícara.
- Santa Teresa, con vestiduras de tela más pesada, muestra una expresión de gozo y abandono, con la boca abierta, que ha sido interpretada como una analogía del éxtasis sexual.
Michelangelo Merisi da Caravaggio: El Tenebrismo y el Realismo Barroco
San Mateo y el ángel
Primera Versión (Destruida)
- Destruida por la Iglesia, solo se conservan fotografías en blanco y negro.
- Representa al ángel guiando la mano de San Mateo. Esta versión fue rechazada por la Iglesia, pero adquirida por otro comprador.
Segunda Versión
- El evangelista escribe el Evangelio, mientras el ángel le inspira y dicta el contenido.
- Predominio del color negro en el fondo, la mesa, San Mateo y el ángel.
- Caravaggio demuestra su maestría en las texturas de las telas, utilizando colores cálidos y un enfoque realista.
- San Mateo es representado como una persona común, envejecida y real, lo que en ocasiones generó rechazo en la época por su 'vulgaridad'.
- El taburete en escorzo y el libro parecen invadir el espacio del espectador.
La vocación de San Mateo
- Óleo sobre lienzo que capta el momento en que Cristo invita a San Mateo, un recaudador de impuestos, a seguirle. La escena está ambientada en el siglo XVII, con vestimentas y objetos de la época.
- Una ventana abierta, una mesa y un hombre con barba (San Mateo) con un gesto muy expresivo.
- A la derecha, Cristo extiende su brazo.
- Iluminación tenebrista o tenebrismo: técnica que consiste en iluminar selectivamente ciertas partes del cuadro, dejando otras en la oscuridad.
- El gesto de San Mateo es de incredulidad.
- Cristo, aunque central, parece pasar casi inadvertido entre los demás.
- Caravaggio, un pintor realista, destaca por sus matices y texturas.
- Anteriormente, fue pintor de bodegones y conocido por su vida nocturna, fiestas y frecuentar tabernas.
- A diferencia del sfumato de Leonardo, Caravaggio recupera el perfil de las figuras y no difumina los contrastes.
- Utiliza una gama de colores reducida y cálida: rojos, amarillos y ocres.
El Martirio de San Mateo
- Representa el momento de mayor intensidad del martirio del Santo.
- San Mateo yace tumbado en el suelo.
- Un soldado está a punto de asestarle el golpe final con la espada.
- La composición se estructura en dos líneas diagonales maestras.
- Una hoja de palmera, símbolo del martirio.
- Iluminación cálida y focal, como si proviniera de velas.
- El cuerpo completo del soldado, con un ideal de belleza clásico-renacentista.
La crucifixión de San Pedro
- San Pedro es crucificado boca abajo sobre una roca (aludiendo al lugar del martirio, el Templete de San Pietro in Montorio).
- El torso y la anatomía del santo son representados con un vigor juvenil, contrastando con su rostro de anciano.
- Gran detalle en las telas, texturas, la pala, la madera y la roca excavada.
- La iluminación se concentra en la parte fundamental del cuadro.
- Venas marcadas, acentuando el realismo.
- Ausencia de sfumato, con una clara línea de contorno.
José de Ribera: El Naturalismo Español
San Andrés
- Realizado en óleo sobre lienzo.
- Representa al Apóstol Andrés abrazado a la cruz en forma de aspa, símbolo de su martirio.
- En su mano sostiene un anzuelo con un pez, aludiendo a su oficio de pescador.
- El rostro y el torso desnudo del santo están fuertemente iluminados.
- Uso del tenebrismo, con marcados contrastes entre las zonas iluminadas y las sombrías.
- Esta obra presenta una figura aislada del Apóstol Andrés. La luz incide violentamente desde la izquierda, y la figura está representada con un realismo impactante.