Gian Lorenzo Bernini: Escultura Barroca y Dramatismo
David
Escultura barroca en mármol blanco.
Representa a David en el momento de máxima tensión, justo antes de lanzar la piedra.
El rostro refleja el esfuerzo y la concentración del instante, con la boca cerrada y el ceño fruncido.
Característico del Barroco, el rostro expresa una intensa emoción, dramatismo y sentimiento.
El mármol capta el rizado del cabello y la viveza de la mirada.
La cuerda de la honda, esculpida con gran tensión, parece a punto de romperse.
Apolo y Dafne
Temática clásica o mitológica, muy recurrente en el Barroco.
Destaca el gran detalle desde cualquier punto de vista, especialmente en el cabello de Dafne.
Composición basada en ejes diagonales. Dafne se enrosca en una espiral, mientras brotan hojas de laurel y ramas de su cuerpo.
La expresión de Dafne es de pánico y terror, acentuando el dramatismo y el sentimiento.
Magistral detalle en la boca y los ojos de Dafne, con la boca abierta en un grito.
Las manos y los pies se transforman en laurel, mostrando una anatomía perfecta.
Apolo, representado como un atleta, evoca las figuras de Praxíteles.
(Nota: Se recomienda conocer la historia mitológica de Apolo y Dafne para una comprensión completa de la obra).
Éxtasis de Santa Teresa
Obra de la etapa más madura de Bernini.
Encargada por el cardenal Federico Cornaro, de origen veneciano.
Ubicada en la Capilla Cornaro de Santa María de la Victoria en Roma (famosa por su aparición en la película Ángeles y Demonios).
Representa a Santa Teresa de Jesús de Ávila, recién santificada en la época, lo que la convertía en un tema de gran actualidad.
La escultura capta el éxtasis místico: una experiencia en la que un santo entra en contacto directo con la divinidad.
Se inspira en un texto de Santa Teresa donde narra su éxtasis, describiendo cómo un ángel la atraviesa con un dardo de oro.
Flanqueada por balcones laterales con figuras de la familia Cornaro observando la escena, y un trampantojo en bajorrelieve al fondo.
La iluminación cenital, proveniente de una ventana oculta, crea un efecto teatral y escenográfico.
Rayos de bronce dorado simulan la luz divina, añadiendo efectos de color, texturas y cromatismos.
El ángel viste una tela fina y vaporosa, con una sonrisa amable y pícara.
Santa Teresa, con vestiduras de tela más pesada, muestra una expresión de gozo y abandono, con la boca abierta, que ha sido interpretada como una analogía del éxtasis sexual.
Michelangelo Merisi da Caravaggio: El Tenebrismo y el Realismo Barroco
San Mateo y el ángel
Primera Versión (Destruida)
Destruida por la Iglesia, solo se conservan fotografías en blanco y negro.
Representa al ángel guiando la mano de San Mateo. Esta versión fue rechazada por la Iglesia, pero adquirida por otro comprador.
Segunda Versión
El evangelista escribe el Evangelio, mientras el ángel le inspira y dicta el contenido.
Predominio del color negro en el fondo, la mesa, San Mateo y el ángel.
Caravaggio demuestra su maestría en las texturas de las telas, utilizando colores cálidos y un enfoque realista.
San Mateo es representado como una persona común, envejecida y real, lo que en ocasiones generó rechazo en la época por su 'vulgaridad'.
El taburete en escorzo y el libro parecen invadir el espacio del espectador.
La vocación de San Mateo
Óleo sobre lienzo que capta el momento en que Cristo invita a San Mateo, un recaudador de impuestos, a seguirle. La escena está ambientada en el siglo XVII, con vestimentas y objetos de la época.
Una ventana abierta, una mesa y un hombre con barba (San Mateo) con un gesto muy expresivo.
A la derecha, Cristo extiende su brazo.
Iluminación tenebrista o tenebrismo: técnica que consiste en iluminar selectivamente ciertas partes del cuadro, dejando otras en la oscuridad.
El gesto de San Mateo es de incredulidad.
Cristo, aunque central, parece pasar casi inadvertido entre los demás.
Caravaggio, un pintor realista, destaca por sus matices y texturas.
Anteriormente, fue pintor de bodegones y conocido por su vida nocturna, fiestas y frecuentar tabernas.
A diferencia del sfumato de Leonardo, Caravaggio recupera el perfil de las figuras y no difumina los contrastes.
Utiliza una gama de colores reducida y cálida: rojos, amarillos y ocres.
El Martirio de San Mateo
Representa el momento de mayor intensidad del martirio del Santo.
San Mateo yace tumbado en el suelo.
Un soldado está a punto de asestarle el golpe final con la espada.
La composición se estructura en dos líneas diagonales maestras.
Una hoja de palmera, símbolo del martirio.
Iluminación cálida y focal, como si proviniera de velas.
El cuerpo completo del soldado, con un ideal de belleza clásico-renacentista.
La crucifixión de San Pedro
San Pedro es crucificado boca abajo sobre una roca (aludiendo al lugar del martirio, el Templete de San Pietro in Montorio).
El torso y la anatomía del santo son representados con un vigor juvenil, contrastando con su rostro de anciano.
Gran detalle en las telas, texturas, la pala, la madera y la roca excavada.
La iluminación se concentra en la parte fundamental del cuadro.
Venas marcadas, acentuando el realismo.
Ausencia de sfumato, con una clara línea de contorno.
José de Ribera: El Naturalismo Español
San Andrés
Realizado en óleo sobre lienzo.
Representa al Apóstol Andrés abrazado a la cruz en forma de aspa, símbolo de su martirio.
En su mano sostiene un anzuelo con un pez, aludiendo a su oficio de pescador.
El rostro y el torso desnudo del santo están fuertemente iluminados.
Uso del tenebrismo, con marcados contrastes entre las zonas iluminadas y las sombrías.
Esta obra presenta una figura aislada del Apóstol Andrés. La luz incide violentamente desde la izquierda, y la figura está representada con un realismo impactante.
