Howl de Allen Ginsberg y Entropy de Thomas Pynchon: Beat, postmodernismo y «Snapshot of a Daughter-in-law» de Adrienne Rich

Literatura angloamericana de posguerra

Howl (publicado en Howl and Other Poems, 1956)

Howl (publicado en Howl and Other Poems, 1956): Los beats son autores de transición entre el modernismo y el postmodernismo. Eligieron el margen del establishment, abrazaron e idolatraron a los marginados sociales, como los afroamericanos o los drogadictos. En sus obras buscan la liberación espiritual y dan énfasis a la oralidad: el poema es una performance más que un texto para la página, y vive por sí mismo más que en los libros. La poesía se compone para ser leída en voz alta en clubes; Ginsberg encontró en los patrones del jazz una estructura rítmica adecuada para sus poemas, y Howl está compuesto por versos que recuerdan a la improvisación jazzística. Hay una denuncia de la vida moderna y una defensa de las figuras marginales. El verso libre suele implicar un patrón rítmico sustitutivo que compensa la pérdida de potencia musical que sigue a la eliminación de la rima y el ritmo.

La homogeneización cultural que se intentó tras la Segunda Guerra Mundial giró en torno a la identidad e ideología estadounidenses, debido a la vida institucionalizada que resultó de la Guerra Fría (imagen del hombre blanco, heterosexual, casado, con familia y profesión). Todo lo que no pertenecía a este grupo se percibía como una amenaza para el modo de vida estadounidense y para los valores occidentales.

Rasgos estilísticos de Ginsberg

• Unidades de aliento (breath units): sistema poético y meditativo por el que cada verso equivale a una respiración. Cada aliento contiene el momento significativo de la vida. Cada verso es independiente y no está relacionado con el poema como un todo métrico. Este recurso permite a Ginsberg incluir cualquier tipo de tema en su poesía.

Para crear ritmo utiliza los siguientes mecanismos:

• Anáfora: mecanismo rítmico y rimático. Repetición de una palabra o de una frase entera. Crea un ritmo impulsivo mediante la repetición del mismo sonido y puede intensificar el ritmo del poema. El ritmo de la primera sección está marcado por who; en la segunda, Moloch se usa muchas veces como recurso anafórico.
• Paralelismo y repetición: recursos contundentes en Howl. La reiteración de ideas, palabras, sonidos y estructuras sintácticas proporciona una rima interna que sustituye la tiranía de la rima final y vivifica la musicalidad de la forma del verso. Los poemas de Ginsberg se asemejan a canciones o cánticos con el propósito de despertar la respuesta del lector, como un baile.
• Yuxtaposición de imágenes: fusión de imágenes incongruentes para presentar una realidad chocante y surrealista, lo que permite desafiar los supuestos y expectativas racionales del lector. Se realizan yuxtaposiciones inquietantes: lo natural y lo orgánico, lo dividido y lo profano, lo espiritualmente elevado y lo bajo.
• Alusiones: referencias a sucesos o personas normalmente conocidos por el público. El poeta crea una red de referencias culturales: arpías (ave/mujer), la tragedia de Blake, el dadaísmo, referencias bíblicas (ángeles, epifanías, crucifixiones, el diluvio) y personales (Carl Solomon, mi madre en el manicomio).
• Parataxis: conexión de cláusulas sin conjunciones, para encadenarlas en una yuxtaposición discursiva; así logra una composición a modo de letanía (una especie de oración).
• Paronomasia o juegos de palabras: figura retórica que explota deliberadamente la confusión entre palabras de sonido similar con efecto humorístico o retórico. Ejemplos: «El»: los trenes elevados de Nueva York / palabra hebrea para Dios. «Wall»: Wall Street / el Muro de los Lamentos (Jerusalén).

Título

«Howl» (aullido) expresa dolor, pesar y rabia. Sus primeros versos definen la generación beat y exponen y exploran a los locos de su tiempo: «I saw the best minds of my generation destroyed by madness...» («Vi a las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura...»). La primera parte censura el lamentable daño causado a los contemporáneos del poeta. En la segunda, el poeta entona una diatriba contra «Moloch». La tercera parte afirma la solidaridad del poeta con los locos, especialmente hacia Carl Solomon, a quien el poema fue inicialmente dedicado.

Howl es un manifiesto beat: una crítica literaria a los efectos desequilibrantes de la cultura moderna y al periodo de Eisenhower. Retrata a Estados Unidos como espiritualmente vacío y arruinado por Moloch (imagen de Ginsberg para representar la avaricia y la industrialización, y también referencia a La máquina del tiempo de Wells). El poema presenta una realidad social en la que los límites entre pertenecer y ser excluido de la sociedad están marcados con dureza por las convenciones culturales.

Final

El final es abrupto y sin puntuación, como si la voz que lleva el aullido se hubiera extinguido, o como si se hubiera detenido por un despertar repentino o un colapso.

Estilo

Influido por Whitman: estructura de versos largos, repeticiones encantatorias y ritmos sincopados. De Poe toma la musicalidad hipnótica y el verso largo (The Raven), que inspiró la teoría de Ginsberg sobre la reunión de cuerpo y mente a través de la composición y la lectura poética (leer un verso largo implica un acto tanto físico como mental). Influido por el jazz como estructura rítmica para sus poemas, especialmente aquellos que requerían la potencia del aliento del músico. Los patrones rítmicos se configuran mediante la anáfora, cuya repetición sirve para mantener el compás. Cada verso comienza con la frase anafórica y después explora diferentes emociones, ideas y conceptos; una de ellas sirve como base para cada improvisación (como en el jazz) que regresa a cierto patrón.

Imaginería

Desoladora, para transmitir la idea de extrañamiento. Llena de imágenes sobre la locura, la religión y las instituciones mentales (Rockland, la camisa de fuerza). Las imágenes se yuxtaponen (colocadas una junto a otra) para causar una impresión chocante y surrealista, por ejemplo: abismo/vacío, alma/cuerpo. En la tercera parte encontramos alusiones al pecado, al arrepentimiento, a la muerte de Jesús (la colina del Gólgota, donde fue crucificado) y a su resurrección. Esta parte revela el espíritu beat, porque Ginsberg extiende los límites del manicomio de Rockland para incluir a toda la América contemporánea. Yuxtapone el vacío espiritual de la vida moderna con el colapso mental. También percibimos el interés de los beats por los marginados; en esta parte, los locos.

Entropy de Thomas Pynchon

Entropy: Thomas Pynchon. Esta obra desafía las expectativas literarias del lector y fuerza su revisión mediante la participación activa del lector en la construcción del significado. Este relato debe percibirse como un instrumento desafiante, un recurso subversivo que cuestiona varios sistemas: la ciencia, la religión, la literatura, etc. Debemos tener presente que en los años sesenta y setenta la ficción parecía agotada, muerta por el calor. Pynchon trata de dar protagonismo a cómo las ideas asumidas, basadas en la tradición y la convención, pueden ser resistidas.

El término «entropía» puede influir en nuestra lectura del relato, ya que se refiere a más de una cosa. Por un lado, alude a la entropía termodinámica, una energía que no está disponible para producir trabajo y que se relaciona con el caos y el desorden. Por otro, se refiere a la entropía de la comunicación, la pérdida de información en la transmisión de un mensaje. La familiaridad con estos términos nos permite interpretar lo que sucede en cada escenario.

Disposición espacial: muy relevante para el relato. Escenario binario para el desarrollo de los acontecimientos: el apartamento de Meatball, que puede definirse como un lugar altamente desordenado; el apartamento de Callisto es un sistema cerrado diseñado para resistir la muerte por calor (el punto de agotamiento de la energía). Ambos escenarios se oponen a la uniformidad del exterior: Callisto sellando su apartamento para evitar la muerte por calor que presupone fuera, un agotamiento de energía. El apartamento de Meatball, en cambio, está abierto a una amplia gama de personajes (ruido blanco); sin embargo, ambos resultan infructuosos.

Referencias culturales: escenario en Washington D. C., 1957. Refleja la época del Miedo Rojo (las ideas de izquierda se consideraban una amenaza). Alusiones a la heterogeneidad cultural del momento.

Imaginería musical: la comunicación ineficaz se neutraliza mediante patrones musicales. La música proporciona estructuras organizadas de sonido que crean significado y armonía. Estructura similar a la fuga: un tema se enuncia y luego es reiterado por una segunda voz. Los personajes de Aubade perciben todo input acústico como sonido, frente al ruido que impregna el relato. La imaginería musical permea la narración hasta el «diminuendo grácil» del latido del pájaro, que anuncia un cierre en términos narrativos y existenciales. En música, este momento de tensión en una fuga se llama «punto de clímax» (peal point); hay dos tipos, el dominante (que incrementa la tensión) y el tónico (que libera la tensión), dos conceptos que se mencionan en la última línea del relato.

Humor: omnipresente, presenta situaciones absurdas (una chica que se ahoga, un chico que atraviesa la ventana, bolsas de papel con agua arrojadas, nombres sugerentes: Meatball, Sandor Rojas, Aubade). Tono distendido que explora temas serios a través de personajes extravagantes. Muchos personajes de la fiesta salvaje de Meatball tienen responsabilidades en instituciones nacionales, pero se retratan como figuras lamentables e improductivas (por ejemplo, las chicas del gobierno, o el ex luchador por la libertad húngaro descrito como un Don Giovanni salivante). Los marcos de caracterización normales se desafían recurriendo a la ironía.

La autobiografía de Callisto: es dictada a Aubade, de modo que no es necesaria una voz narrativa global que proporcione un marco que explique la extraña vida de Callisto. Mediante el uso de la tercera persona, Pynchon fusiona su voz autorial con la de Callisto, en un ejercicio de mezcla.

Caracterización: es mínima, porque el espacio y la acción transmiten toda la información que el lector necesita. Pynchon no ofrece detalles adicionales sobre el trasfondo de los personajes, sino que hace que el propio Callisto suministre esos detalles.

Lenguaje: al igual que en Cathedral de Raymond Carver, el lenguaje es incapaz de describir la realidad y es, en sí mismo, un sistema arbitrario. Existe una relación arbitraria entre significante y significado, y una multiplicidad de significados relacionados con un mismo significante (polisemia). Todo ello puede llevar a malentendidos, a la incapacidad de comunicarse o a la creación de significados erróneos. Además, encontramos el concepto de entropía en la comunicación y el de «ruido blanco», o el exceso de actos comunicativos que dificulta la comprensión. Estos fracasos pueden llevar a las personas a dejar de comunicarse y aislarse. Pynchon utiliza la música para evitar estos problemas de lenguaje y comunicación, porque la música proporciona una estructura organizada de sonido que crea armonía.

«Snapshot of a Daughter-in-law» (1963), de Adrienne Rich

«Snapshot of a Daughter-in-law» (1963), de Adrienne Rich. La estructura, el lenguaje y el tema de este poema persiguen la liberación de los patrones y tradiciones dominados por los hombres. Escrito en verso libre y dividido en diez secciones, cada «instantánea» revela un estado mental femenino y proclama la posición de la mujer en la sociedad; desafía y rechaza los prejuicios y estereotipos. El título del poema sugiere una construcción fragmentaria y la idea de que solo al casarse con un hombre existe la nuera. Cada uno de los poemas que componen el volumen debe verse como una fotografía, un momento detenido capturado de la vida que reconoce y proclama la importancia de cada momento y contexto histórico.

A lo largo de su carrera, Rich se ha ocupado de una cuestión distintivamente postmoderna: el lenguaje como constructo social, una estructura que se revela tan controlada por los hombres como la historia. La lucha por encontrar un lenguaje femenino real ha condenado a las escritoras a elegir entre adaptarse al discurso masculino o al silencio absoluto. Rich afirmó que hasta ese momento había escrito bajo la influencia de los hombres; la ira y la imaginería de lo monstruoso dieron forma a su conciencia feminista inicial. Otra cuestión postmoderna es su exploración de inquietudes políticas y emocionales y la adopción de la fragmentariedad del verso de Dickinson.

Estilo: alusivo. Simone de Beauvoir (escritora y filósofa) y Emily Dickinson (por su preocupación por el confinamiento y el poder de la imaginación). Doble sentido del arma cargada: el poder creativo contenido en el arma de la imaginación y la violencia que comparte el tono general del poema.

Imaginería: la última instantánea es verdaderamente pictórica; la visión que transmite relata un movimiento descendente de la «ella» que está por venir, una acción en caída cuya brusquedad está representada por el final en forma de hoja del poema. Sus últimas palabras, gráficamente, parecen un instrumento puntiagudo. El uso de «you» en lugar de «I» es una estrategia retórica que intensifica la forma dramática que emplea; los pronombres se refieren a la figura de la nuera, pero pueden aludir a cualquier mujer que encaje con lo que el poema propone. La primera estrofa describe a una mujer que recuerda su juventud y su vanidad: es una belle sureña pasiva; el poema termina con una desafiante activa. Al principio encontramos espacios confinados de la esfera doméstica, pero el poema avanza hacia la movilidad al aire libre de la sección final.

El hecho de ver el hogar como un espacio ideal para la mujer es muy criticado en el poema; por el contrario, el hogar se retrata como restrictivo, irritante (el tono enfadado de los ángeles que le aconsejan) y desequilibrante mentalmente (golpea la cafetera en el fregadero), y la mujer se quema con el vapor y con el agua. El poema exhibe polivocalidad, o un conjunto de voces, al asumir las voces de otras mujeres silenciadas; la figura lingüística «ella» del poema es silenciosa: físicamente activa, pero lingüísticamente callada. La reversión es un instrumento poderoso y empoderador para la mujer (sección 9: el mero talento nos bastaba: brillo en fragmentos y borradores). En lugar de crear un Ícaro de alas de cera que pueda elevarse con limitaciones, da a luz a una mujer afilada que desciende, puntiaguda y dispuesta a dejar su huella.