La imaginería barroca española: escuelas castellana, andaluza y murciana
La imaginería barroca española
La escultura española del Barroco se nutrió de su propia sustancia, al vivir en un aislamiento voluntario, de espaldas a modelos y técnicas extranjeras. Utilizó como material predilecto la madera, que revistió de vivos colores. Todo tipo de maderas van a ser utilizadas para fabricar retablos y pasos procesionales: dos géneros típicamente hispanos.
Los pasos procesionales
El paso procesional que sacan las cofradías penitenciales a la calle y que capta la atención del espectador es el mejor vínculo para enseñar ortodoxamente a la población iletrada el tema del Calvario o de la Pasión de Cristo. Es más fácil educar a través de la emoción y de los sentidos que por la vía de la razón.
Las imágenes sagradas adoptan variantes regionales, condicionadas por el carácter de sus habitantes y el rigor del clima. La austeridad castellana y la dureza de la meseta forjaron la tipología de crucificados patéticos y yacentes, que exhiben en sus cuerpos el dramático suplicio de la Pasión, y de vírgenes transidas de dolor. En Andalucía y Murcia, donde la primavera ya ha estallado para la Semana Santa, surgen Cristos jóvenes y vírgenes adolescentes; en Sevilla prima el carácter clásico y el amor por la belleza. En cuanto a la policromía, los castellanos emplearán la pintura sobria, mientras que los andaluces utilizarán el estofado, lo que dará más brillo y elegancia a sus esculturas.
La escuela castellana: Gregorio Fernández
Gregorio Fernández es el más tropo indiscutible del Barroco castellano. En su producción se advierten dos etapas: una fase manierista, que alcanza hasta 1616, y un periodo de madurez donde afianza el naturalismo.
Sus obras de talla completa y bulto redondo están impregnadas de patetismo, caracterizándose en su etapa de esplendor por el modelado blando del desnudo y la rigidez metálica de los ropajes. Son telas plegadas, paños artificiosos que contrasta con los postizos realistas que aplica a sus imágenes: ojos de cristal, dientes de marfil. Sus mejores clientes fueron las órdenes religiosas, y como creador de tipos iconográficos dio forma definitiva en Castilla al modelo de la Inmaculada y al de la Virgen de la Piedad.
La escuela andaluza: el realismo clásico
Juan Martínez Montañés: mantuvo siempre en su obra la mesura clásica, pero al servicio de la realidad. Su talla, muy bien modelada, y sus grandes paños plegados dan grandiosidad a la imagen. Su devoción es más intelectual que sensorial. Realizó numerosos retablos y en el campo de la escultura devocional y pía definió los modelos de Niño Jesús y de Inmaculada. En cuanto a la segunda, la concibió como a la Virgen niña que junta las manos en actitud de orar y descansa sobre la pana de querubines, guardando la composición trapezoidal.
Juan de Mesa: para lograr sus esculturas consultaba al natural y estudiaba los cadáveres, imprimiendo a sus crucificados los símbolos de la muerte. Por eso se le denominó el «imaginero del dolor». Se convirtió en el artista predilecto de las cofradías sevillanas, tanto por su cercanía como por sus precios, muy asequibles.
Granada: Alonso Cano sobresale en las figuras de pequeño formato, donde lo bello se transforma en bonito. Le darán la fama su Inmaculada, de forma fusiforme, o los santos San Juan de Dios y San Diego de Alcalá, estatuillas destinadas a la devoción doméstica.
La escuela murciana: Francisco Salzillo
Su aprendizaje en el taller fue con su padre, escultor de origen napolitano, así que en sus tallas se fundó el refinamiento italiano y el dinamismo de la imaginería barroca española. Su producción fue cuantiosa. Como autor de pasos procesionales es un gran escenógrafo, agrupando en un mismo paso imágenes de talla con otras de vestir. Para los pasos de la Oración del Huerto, la Cena,