Laocoonte y sus Hijos: Escultura Helenística de la Escuela de Rodas

Clasificación de la Obra

• Género: Escultura
• Título: Laocoonte y sus Hijos
• Cronología: Período helenístico (siglo IV - I a.C.)

Análisis Material y Formal

Tipología

La obra es una escultura de bulto redondo, específicamente un grupo escultórico.

Material

Está hecha en mármol. Se trata de una copia romana; el original era de bronce.

Volumen

La obra es de gran volumen, acentuado por el movimiento y la tensión de la escena. El grupo presenta una concepción bidimensional, concebido para ser visto de frente, y no para que el espectador gire en torno a él.

Técnica

La técnica de esta obra demuestra que la escultura griega ha alcanzado un grado de barroquismo, como se aprecia en la tensión y dramatismo de los rostros, cuerpos, el movimiento y la inestabilidad del grupo.

El personaje central, Laocoonte, de mayor tamaño, destaca por su estudio anatómico y del rostro. Tiene una postura semisedente, que parece apoyarse en el asiento, del que cuelgan unos rígidos ropajes. Tiene la pierna derecha doblada y la izquierda retrasada, acentuando la idea de tensión.

La composición, más que piramidal, se puede considerar triangular. Las figuras laterales, los hijos de Laocoonte, se abren en forma de ángulos rompiendo la verticalidad. Por lo tanto, nos encontramos ante un gran desequilibrio compositivo. El movimiento forzado y la tensión del conjunto se acentúan por la disposición de las serpientes que, con sus anillos de formas sinuosas con curvas y contracurvas, a la vez cierran y abren el conjunto. El cuerpo desnudo de Laocoonte es un perfecto estudio anatómico. Se trata de la anatomía de un atleta ya maduro, casi decadente, pero con una musculatura hiperdesarrollada (muy propio del helenismo), que contrasta con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de sus dos hijos.

Las calidades táctiles están estudiadas con gran virtuosismo técnico: piel, cabellos, los escasos vestidos. Podemos apreciar las rugosidades y texturas de la piel, los rizos con abundante labor de trépano en barbas (presenta profundas incisiones para dar efecto de gran relieve de claroscuro), los cabellos que acentúan los efectos de luz y sombra, y el acanalamiento rígido de los paños. Los rostros y gestos son tremendamente expresivos, reflejan miedo y dolor, pero lo gestual y emotivo no sólo están en los rostros, sino en los cuerpos en movimiento, en el dinamismo de la composición, en el ritmo marcado por brazos, piernas y serpientes.

Trascendencia en la Historia del Arte

Esta obra tendrá una gran trascendencia en la historia del arte. Se ocultó en Roma y se descubrió en el siglo XVI, causando un gran impacto. Miguel Ángel quedaría impresionado e influiría en su obra, así como en el Manierismo. También El Greco se sentiría atraído e influiría en su pintura. Incluso la iglesia adoptó el rostro del Laocoonte como prototipo del mártir cristiano por la expresión.

Análisis del Contenido (Significado)

Tema o Asunto Representado

El tema representado es mitológico: el sacerdote troyano Laocoonte (figura central y de mayor tamaño) es castigado por los dioses a morir junto a sus hijos por dos tremendas serpientes marinas.

Explicación Simbólica

Esta obra expresa como ninguna del mundo antiguo la cólera de los dioses y los castigos crueles que estos pueden infligir a los mortales. Simboliza el enfrentamiento entre las fuerzas poderosas de lo incomprensible y la impotencia humana. En este caso, el sacerdote troyano de Apolo es castigado por exhortar a sus compatriotas a no aceptar el Caballo de Troya como regalo de los griegos. Los dioses, al ver frustrados sus planes de destruir Troya, enviaron dos gigantescas serpientes de mar para que se apoderaran del sacerdote y de sus dos desafortunados hijos y los estrujaran entre sus anillos. En el rostro de Laocoonte se puede apreciar el dolor, no sólo físico, sino el moral al verse impotente y no poder hacer nada por sus hijos inocentes.

Funcionalidad

Esta obra tiene una clara funcionalidad propagandística: en el mundo helenístico, las obras se hacían por encargo de personajes poderosos, como monarcas, sátrapas o generales. También tiene una funcionalidad religiosa: mostrar los castigos que se podían recibir cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.

Estilo Artístico

La obra pertenece al arte griego (siglo VII-I a.C.), y más concretamente al período helenístico (323-siglo I a.C.), que se caracteriza por la pérdida del equilibrio formal y psicológico, así como la atenuación del idealismo clásico y tendencia a representar lo naturalista y el realismo extremo, aunque este resulte desagradable o deficiente (niños, ancianos, agonizantes, etc.). Se prefiere lo feo a la belleza formal, triunfa lo anecdótico, lo recargado, lo expresivo. Se alcanza la perfección en el movimiento, con escorzos, composiciones en diagonal, desequilibrio en los cuerpos, dramatismo y tensión en los rostros. Se pierde parte de la independencia e individualismo de los artistas, al concentrarse estos en talleres o escuelas. Pertenece a la Escuela de Rodas; esta escuela, junto con la de Pérgamo, se diferencia de la de Atenas (más clásica) y la de Alejandría (más cotidiana y alegórica) por el movimiento exagerado, el sentido expresivo hasta lo agónico, complicación formal y dinámica, dramatismo y patetismo, la acentuación del sufrimiento y el dolor, el gusto por lo recargado y lo barroco. Otras obras de esta misma escuela son la Victoria de Samotracia, el grupo del Toro Farnesio o el desaparecido Coloso de Rodas.

Relación de la Obra con su Contexto Histórico

La muerte de Alejandro Magno en el 323 a.C. supuso la pérdida de la unidad de acción del mundo griego: sus generales se repartieron en trozos su inmenso imperio y surgieron monarquías hereditarias en Egipto, Siria, Macedonia, Pérgamo, etc. En estos momentos se produjo una fusión entre la cultura griega y los gustos orientales. Las obras las encargaban estos ricos monarcas o grandes generales, con un gran afán propagandístico, con el deseo de mostrar su poder y su lujo. Fueron desapareciendo progresivamente los ideales de belleza, armonía y equilibrio del clasicismo griego. Todo esto es claramente apreciable en esta obra, así como el desequilibrio y el sentido de crisis y decadencia que supone el Helenismo dentro de la civilización griega, próxima a ser dominada por Roma.