Movimientos

06/10/2010

TEMA 1. IMPRESIONISMO

Es una corriente que surge a finales del siglo XIX, es una nueva estética. Podemos citar el año 1874 como inicio de este movimiento. En este mismo año en el mes de Abril se abre la primera exposición impresionista, se hace en la sala Nadar. Este fotógrafo tenía su estudio en el Boulevard de los Capuchinos (imagen), París. Se van a realizar 8 exposiciones impresionistas de los años 1874 al 1886. En la primera exposición participaron unos de los más importantes Renoir, Monet, Pisarro. Incluso se creó una sociedad que aglutino a muchos de los artistas impresionistas, Sociedad Anónima Cooperativa de Pintores, Escultores y Grabadores.

El nombre de “Impresionismo” lo da un periodista llamado Louis Leroy y va a denominarlo así con un sentido sarcástico. Dio ese nombre al criticar el cuadro de Monet (imagen), curiosamente firmado en el 1872, llamado por Leroy “Impresión sol naciente”, que parecía que era una impresión ya que no tenía ni derecho ni revés, y por eso también le impresionó.

Antecedentes remotos y próximos de la pintura impresionista:

Renacimiento: en la pintura renacentista se intentaba una representación científica de la naturaleza. (Ultima cena de Leonardo Da Vinci). Esto mismo se intenta desde el impresionismo, o sea buscar la representación más real, la mayor realidad. También los paisajes, “La tempestad de Giorgonne”), sobre todo cuando hay fenómenos atmosféricos adversos, la luz en una tormenta iluminando el paisaje. En la pintura impresionista va a ser la luz uno de los elementos más destacados.

• Barroco: tenemos a Caravaggio que representaba muy bien la luz, “La vocación de San Mateo”.
• La pintura flamenca: es un antecedente por ejemplo una pintura de Franz Hols “La cíngara”, es interesante porque la pintura de basa en una pincelada suelta, que es lo que vemos todo el tiempo en el impresionismo. Dentro de la pintura flamenca también vemos un antecedente en Vermer. “La lechera”. Aquí también es interesante el estudio de la luz, porque es lo fundamental a al hora de estudiar la pintura impresionista. Y concretamente Vermer, porque siempre pintaba a través de sus ojos, y con la luz determinada a esa hora del día. También el reflejo de las arquitecturas, y los cielos grises. Vermer pinta desde sitios similares pero a diferentes horas del día por lo tanto con diferentes tonalidades de luz, y con escenas intrascendentes.
• Velázquez, vemos la pincelada suelta.
• Paisajistas Franceses: Watteau y Fragonard “El columpio”, por la representación del paisaje, es una escena común, Roccoco, estudio importante de la luz intentando atravesar los árboles coloreándolos.
• Goya “La lechera de Burdeos”, pinceladas sueltas, fondo neutro, dar formas, pinceladas largas.
• Escuela de Barbizón: escuela de paisajistas, entre ellos destacamos a Corot o a Millet. Obras de Corot: por representación de paisaje de forma abocetada, forma de las hojas de los árboles ya no están detalladas ni delimitadas, contornos difusos, importantes los reflejos del agua, las nubes, el efecto gaseoso y ligereza.
• Courvert: en ciertas obras sentimos su proximidad al impresionismo, “El invierno”, no está todo perfectamente dibujado.
• El cuadro de Leno Constable “El carro”), estudio de un paisaje en el que lo importante es la luz que atraviesa los arboles, y como da sombras y claros, o sea el estudio de luz que da vida, y nos muestra los colores que vemos.
• Turner (½ s.XIX) mucho más claro “El valiente temerario”, lo importante es la utilización d ella luz y el color, en este autor vemos una explosión de color, la materia se transforma en energía, no hay detalles prácticamente sino que todo es uno, en esta obra concreta el barco se fusiona con el mar, el mar con las nubes. La pintura se atomiza, se une. La velocidad y la luz hacen que no veamos todos los detalles, y en la pintura es lo que pretenden plasmar. Otro cuadro es “El incendio de la cámara de los lores”.
• Otro antecedente próximo es la pintura japonesa, Hokusai, “Una vista del monte Fuji, una de las 36 vistas a diferentes horas del día, es la idea de pintar el mismo objeto a diferentes horas del día. Estas vistas son un antecedente de las vistas “La catedral de Ruan” a diferentes horas del día.
• Otra influencia es Lacrois, por el color, por su importancia. “La caza del león”, “la lucha del….y el ángel”.

                                                            La primera fotografía Niepce, es importante para la pintura impresionista porque acaba más o menos con técnicas como el grabado o la miniatura, por eso surge el daguerrotipo, que se hace famoso. Los impresionistas ven que con la fotografía es imposible igualar la captación de instantes fugaces. Sin embargo ellos van a ser entusiastas de la fotografía, de hecho Degas va a ser un fiel seguidor de la fotografía como hobbies, y va a hacer obras basándose en fotografías sobre caballos, para estudiar su movimiento.

• Descubrimiento científicos que influyen:
• Análisis espectral de la luz.
• En 1886 Nobel descubre la dinamita.
• Otros estudios sobre la luz, entre ellos los de Maxwell.
• Estudio de las leyes de contraste simultáneo de los colores de Sevreul.
• Se pone muy de moda la filosofía de Compte, el Positivismo. Según esta filosofía la metafísica no existiría, y sólo existiría el conocimiento de los sentidos, o sea del mundo a través de los sentidos. Se fijan los impresionistas para pintar, y será una de las principales bases junto a luz.

Características de los Pintores:

• Gente que nacen en el seno de una familia adinerada, origen burgués.
• Sin embargo a su ideario van a incorporar las ideas del socialismo utópico (burgueses socialistas).
• Suele ser un artista bohemio, esto contrasta con el académico. Este bohemio siempre se presenta como una hostilidad frente al poder.
• Surge la figura del “marchante de arte”, que es aquel que se dedica a la compra y venta de arte. Ambroise Vollard, Durand Rouel.
• También sale a la palestra la figura del crítico, y va a ser muy importante para este arte o movimiento. Marcel Prust, Zolá.
• Y también coleccionistas de arte, Caillebote.
• Surgen asociaciones, como la Sociedad Anónima de Artistas, Escultores, Grabadores que se   reunían en cafés.

ESTÉTICAS DEL IMPRESIONISMO:

                TEMAS:

• Temas absolutamente banales o costumbristas, el tema de la vida, paisajes, temas cotidianos, realistas. Estos temas son un pretexto para poder captar la luz, que es lo realmente importante en esta pintura. Los temas se alejan de la religión, son trascendentales, simbólicos. 

CONTENIDO:       

• Los impresionistas también quieren captar la verdadera realidad  de las cosas aunque no le pueden hacer competencia a la fotografía, por lo que basándose en la filosofía de Compte, se basan en que el mundo es todo negro, y lo que le da vida es la luz, así que se van a centrar en captar todos los colores que forma la luz y sus efectos. En conclusión quieren captar la verdadera realidad de las cosas. Captan los modelos o los paisajes según la realidad física de las cosas, si las ven borrosas, las pintan borrosas.
• Realidad físicas, meteorológica, ambas son circunstanciales y frugales.
• Con solo a la luz el impresionista intenta captar la totalidad de la naturaleza. Todo se funde por el todo. No existen objetos particulares que destaquen unos por encima de otros.
• Despreocupación por el hombre a la hora de representar figuras humanas; sobretodo a una inclinación a representar  paisajes, pero es un paisaje cambiante ya que lo representan en diferentes horas del día y la luz no es igual. Ej: “La capital de Monet”.
• Por tanto en el impresionismo lo que triunfa es lo indefinido, lo insustancial, lo inconsistente, por lo que va a triunfar la representación del vapor, del humo, del “gas”, de las nubes, de la niebla.
• Ej: si admiramos una pintura impresionista donde hay una atmósfera gaseosa, si hay algo detrás parecerá que se mueve, igual que en la realidad, por lo que crea intranquilidad. Captan ese movimiento entonces porque en la vida real es así, la luz está en continuo movimiento. El movimiento es vida, y la vida luz.
• Por eso los objetos parece que pierden peso, densidad, parece incluso, en ocasiones, que está flotando.

COMPOSICIONES:

• Sencillas, van a huir de las complicadas composiciones académicas. Por lo tanto son representaciones sencillas y realistas.
• Sin embargo en ocasiones, esas composiciones se pueden complicar un poco debido a la estampa japonesa. Ya que utiliza un punto de vista alto y con líneas de fuga en diagonal.
• Las líneas no van a existir realmente, lo que existen son trazos, fragmentos que se unen unos y otros entre sí. Por tanto no se dibuja con carboncillo o lapicero sino con color.
• La pirámide de los colores va a ser la base de los colores que utilizaran los impresionistas, aunque se centran en los colores puros, sobre todo colores claros, cálidos y van a evitar pintar en negro. Los colores no se mezclan en la paleta sino sobre el lienzo directamente, ya sea físicamente (rojo + amarillo) o de una manera conceptual (rojo/amarillo) que esta última se basa en poner los colores cerca pero no mezclados y al verlos de lejos nuestra vista hace el efecto óptico de mezclarlos.

• Y las sombras nunca son negras, por eso utilizan los colores complementarios.
• “Las cosas son lo que parecen ser por el lugar que ocupan”. Nuestra experiencia nos dice como son las cosas, y es la que construye la pintura, porque en realidad son trazos pero nuestra mente nos dice que pueden ser de una forma u otra.
• Ej: Ideas simples con el ejemplo de árbol: algo marrón, grande del que salen cosas largas y de ellas formas verdes. Ideas complejas: hojas, ramas, tronco. Concepto: árbol.
• Cuando nos alejamos la pintura impresionista se concretiza, toma vida; mientras que cuando nos acercamos se difumina, se pierde esa sensación.

LA LUZ:

• Es la protagonista de este tipo de pintura.
  • Intentan captar una luz natural, física. Por tanto, no pintan en taller, sino al aire libre.
  • Así que si lo más importante es captar la luz a diferentes horas del día, pues tendrían muchas obras abiertas al mismo tiempo.
  • Siempre va a ser una luz real, física y natural. Ej: [Crucifixión de Goya] En 1780 fue nombrado académico, para poder entrar allí, no podía mostrar su pintura tal como era ya que era un repudiado. Por eso hace esta obra, con una composición en una 'S' ligera, en la que está representada el sufrimiento, el dramatismo, pero sin sangre. Lo importante es la luz, que procede de su pecho, y esto es imposible según la filosofía de Compte, o sea imposible para los impresionistas. Esto oculta una simbología por lo que toda esta obra no tiene cabida en el impresionista.
  • Pintura de rápida ejecución, con rápida pincelada. Esta última es como la firma de los autores (artistas).
  • Utilizan pinceles gruesos y espátula para crear manchas.
  • Dibujar con el color.

13/10/2010

MÁXIMOS REPRESENTANTES:

EDUARD MANET (18...-1873): más que un representante es un precursor, de hecho, en muchas ocasiones va a convertirse más en un alumno de sus amigos impresionistas que en un verdadero maestro de la técnica impresionista. Lo que le caracteriza es su gran sensibilidad por el color y magnífico dibujo.

•  [“Torero muerto”]( no tiene que ver con el impresionismo, fondo neutro, escorzo, parece flotar, igual que Velázquez pretende que este flotando pero que a su vez pesa) se basa en [“Pablos de Valladolid] (Velázquez)”.
  • [ “El fusilamiento de Maximiliano”]

Pequeños detalles de impresionismo y de pincelada suelta en la gente del muro, el humo.

• [“Lola de Valencia” ]

Pincelada suelta, manchas, directamente con el negro fresco pone colores puros.

• [ “Pífano”] (no tiene nada que ver con el impresionismo pero se ven pequeños detalles
  • [“Retrato de Zola”] (en la parte superior derecha del cuadro aparece representada la [“Olimpia de Manet”], [“Los fusilamientos de Goya”], y otras de la estampa japonesa; ya vemos una luz un tanto extraña, que ilumina el libro y da un aspecto psicológico al personaje).
  •  [“El balcón”]

La luz focalizada a través del blanco de los vestidos, intento de llamar la atención, de provocar, escena ventana, un personaje burgués sin problemas de cara al público, las dos chicas las pinta provocando ya que son prostitutas, una de ellas la de la derecha es oriental y mira fijamente; hace 140 años no estaría permitido ya que nadie pondría a dos prostitutas en el balcón, de cara al público, sin pudor y el burgués orgulloso.

• [ “Desayuno en la hierba”]

La luz, intento de paisaje, provoca dos hombres tranquilos charlando con una mujer desnuda sin pudor que no viene a cuento, y tampoco es una anatomía perfecta para justificarlo.

• [ “La Olimpia”]

 Prostituta, intenta basarse en Goya, intento de iluminación como impresionista.

• [ “El origen del mundo de Couvert”]

Provocación siempre a la orden del día.

• [ “La mujer del Folies Berger”]

1881, pincelada suelta, pequeños toques, amplio espacio con un espejo como Velázquez con “Las Meninas”, y gracias a él forma una composición complicada, la parte reflejada en el espejo con manchas, la iluminación da bastante relevancia a la iluminación a través de una luz artificial, se utiliza el negro.

• [ “Argenteuill”]

Manet pinta en Argenteuill con la técnica impresionista, pasa de maestro a alumno, el agua, las nubes, parece que vibra con la pincelada suelta, mucho color, captar la luz en ese pequeño instante.

• [ “Monet pintando en su barca”]

Cuadro totalmente impresionista, agua, sombras, manchas, pinceladas, vibrante, colores planos, pocos colores pero puros.

CLAUDE MONET (1840-1926), va a ser quien verdadera defina el impresionismo, de hecho en él vamos a ver todas la características del impresionista. Su infancia la pasa en L´Havre, zona por la que pasa el Sena, y porque su primer maestro va a ser Eugine Boudin quien le enseña la técnica a la hora de pintar al aire libre. En su adolescencia se translada a París y se interesa por los paisajista de la Escuela de Barbison sobre todo por el pintor Daubigny y de De la croise, y de Turner, concretamente de este último va a coger esos colores anaranjados y rojizos. Para Monet la pintura es esencialmente decorativa, es más sus cuadros son para decorar las paredes, así que si la pintura sirve para decorar. Él entiende que hay que utilizar siempre colores agradables. Para él lo importante no es el objeto que pinta sino lo que existe entre ese objeto y él, o sea la luz.

• [ “El desayuno”]

 Cena campestre, no hay provocación, lo importante es como la luz incide en esos personajes, en los árboles, en la frondosidad de ese bosque, las tonalidades que crea, o donde incide de lleno la luz, vemos manchas de color blanco puro.

• [ “La Greouillere”]

Obra temprana, de antes del 74; el paisaje es lo importante.

• [ “Sol naciente”]

Clara influencia de Turner, manchas pinceladas, nada definido, pintura atomizada, donde el mar se funde con los barcos, el color del sol naranja, rodeado de su primario , azul, hace que el naranja sea mas intenso, no hay negro.

• [ “Campo de amapolas”] (tema banal, paisaje, y con la excusa del paisaje crea la luz); ¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿“....puente.....”; “Regata en Argentille”( con pequeños toques de color crea esa sensación de tranquilidad del agua, y las sombras de las velas son pequeños toques maestros)
  • [ “El Boulevard de los Capuchinos”]

 Clara influencia de la estampa japonesa, con las diagonales, el manejo de la luz es increíble, y la sombra no es negra

• [ “La estación de San Lázaro”]

Humo, y vibración, inquietud, representación de los avances de la época...el ferrocarril, la estación de cristal y hierro.

• [ “La catedral de Ruam”(1891-1894)]

 Pinta 40 vistas de esta catedral, en el ocaso el color amarillo y la sombra morada, y por el día del revés.

• [“El parlamento de Londres en el ocaso”]

Pintura atomizada.

• A finales del s. XIX empieza una serie denominada Ninfeas o Nenúfares, Monet poseía una villa con un gran jardín más o menos romántico, en el que destacaba por encima de todo un estanque y un puente japonés, y hasta que muere se dedica a pintar distintas partes de su jardín. Cada vez, Monet va a pintar de manera más abstracta, es decir que cada vez va a ser mas difícil que el espectador conforma una figura al observar una obra de Monet, dibuja menos con el color. Se basa en los colores de Turner.

• ALFRED SISLEY: (1839- 1899), como no, este pintor procede de la burguesía y tiene una economía bastante saneada, sin embargo esa familia se arruinó y fue gracias al marchante de arte Duran Ruel por lo que pudo sobrevivir y vivir de la pintura. Es el más lírico de los impresionistas, el sobre todo pinta temas fluviales y de invierno; sin embargo dentro de este tema hay un subtema, la inundaciones. Pero estos nunca van a captar esa tragedia o dramatismo que deberían tener. Su lirismo o su poesía es lo que va a permitir que el efecto dramático no exista en su representación. Su maestro es Charles Gleire. Lo que les interesa es saber dibujar a la perfección antes de llevar a cabo su excentricidad.
  • [“Inundación en Port- Marly”]

Se desborda el Sena, pero no hay ninguna tragedia, para él lo importante es reflejar a a través de la luz, la inquietud en el cielo, los reflejos en ella agua, los colore vivos, la pincelada suelta, pero sobretodo el lirismo de Sisley

•  “Canal de Sain Martín”. Crea muy bien los ambientes, la atmósfera.

14/10/2010

CAMILLE PISARRO: (1850-1903), máxima representante de pintura impresionista junto a Monet Hitschler, son más puros, defienden la técnica impresionista.

- El tema es la vida rural en el norte de Francia y el barrio de Montmatre. Ama y sufre el trabajo de los campesinos que llevan una vida muy dura.

-Su estilo es una pincelada corta en forma de coma, signo de puntuación. La pincelada es la firma del artista, gracias a ella se le puede reconocer.

- Sufre una enfermedad visual que le prohíbe pintar en exterior por tanto, pinta en interiores. Esto la hace dejar a un lado la estética técnica impresionista y dedicarse a la estética del puntillismo. Fue un desliz. Vuelve a la pintura impresionista, fue fiel. Debido a la enfermedad realiza una serie de temas centrados en vistas de ciudades desde: lo alto(en los que hay poco cielo y mucha tierra), o desde el balcón que pinta lo que ve.

[“ El jardín de Pontoise” (1877)] y [“Vista en ocaso del barrio de Montmatre”].

• PIERRE AUGUST RENOIR: (1841- 1919) , frecuentes vistas al Louvre. Se entusiasma por la pintura de los grandes maestros. Sobretodo de Rubens, de Fragonard, François Boucher. Da más atención a los retratos, al cuerpo humano, a las representaciones de la persona, al carácter popular. Estudia la forma desde distintos puntos de vista, colectivos, individuos, autorretratos. En su gran mayoría son desnudos. Estos son suaves, delicados y sin malicia. No tiene nada que ver con Monet, en lo referente a la malicia como por ejemplo “Olimpo”. Lo único que le importa es cómo la luz crea reflejos, incide en el cuerpo humano. Nunca se centra en la psicología. Normalmente lo que caracteriza a los retratos es el carácter psicológico pero en Renoir está ausente esto.
  • Son desnudos femeninos:

-[“Autorretrato”],

- [“Desnuda al sol”]

Cara no perfectamente detallada. Pecho violeta. Parece que está enamorada. Fue criticada.

-[ “Salida del baño”](1883-1890)

• Pasa una crisis artística. Visita Italia y queda enamorado de la pintura de Rafael, de ahí esa dulzura, esos contornos definidos. En conclusión: más definidos, más colores, más dulzura en al cara.
  • Hasta 1883 realiza las obras impresionistas más importantes:

-[ “El almuerzo de los remeros”]

Influencia de la estampa japonesa. Pintura diagonal. Técnica de pequeñas manchas de luz que atraviesan los objetos. Pincelada suelta. Vegetación.

• -[ “Le Moulin de la Galette”]

 Características particulares: toques con espátula, pequeñas manchas circulares, son efectos que se crean por la luz artificial y natural que atraviesan los árboles. Una perspectiva frontal pero luego hay doble diagonal, puntos de fuga  que van a los extremos. Esto es más real que al foto. Lo que intenta es pintar lo que ve. Tiene un punto de vista amplio.

• EDGAR DEGAS: (1834-1917), Origen aristocrático, persona individualista, solitaria, insatisfecho con su propia obra, por eso va a querer ser reconocido y su obra progresa hasta que va siendo reconocido. Se vincula a unos amigos de la pintura impresionista pero sus características técnicas se van a alejar un tanto de la estética impresionista. Es un urbanita, hombre de ciudad. Hijo de un banquero. Comienza derecho autorizado por su padre la abandona para estudiar pintura.

Al no tener problemas económicos,pinta lo que quiere. Estudia en Gabinetes de Diseños del Louvre, que es una de las mejores academias del mundo. Allí, estudia a los grandes maestros. Además tiene un pros: fue alumno de Ingres?? (dibujante).

Lo que les interesa a los impresionistas es aprender la técnica y luego cada uno le aportaba sus toques particulares,

Sus estudios continúan en la Escuela de Bellas Artes de París. Viaja a Italia y queda prendado de Rafael. Debido a ello, y como Renoir también concretaba los perfiles, predomina la línea sobre el color. Por esto, se aleja del impresionismo.

Le fascina la cultura japonesa. Fue amigo del director de la Ópera de París por lo que puede entrar en los ensayos de los grupos de ballets y en la representación oficial. Por tanto conoce las iluminaciones de los ballets. Todavía sigue siendo importante la luz. -Quiere captar el movimiento, de bailar, en este caso.

• Hay una diferencia conceptual con la pintura impresionista : en el impresionismo, intenta captar la luz, y por lo tanto, el movimiento, pero aquí, además, se quiere captar el movimiento del baile, el movimiento persé????
  • 'Técnica del pastel' usada en ocasiones para captar la luz. Luz artificial a través de velas o lámparas de gas. En esta obra también puede haber luz artificial. El intento de captación de la luz va a hacer que lleve a una temática en concreto. Ej: de bailarinas, retrato, escenas de baño, carreras de caballo. También lo que sucede en cafés o bares que el visitiba.
  • COMPOSICIÓN:

Encuadres y efectos fotográficos. Quiere captar el instante (igual que los impresionistas) pero en ocasiones también composiciones de fotos, lo que no le importa recortar figuras. Quiere asimilar su pintura a la fotografía.

-[Clase de baile] 1875

-[ La estrella ]

Pincelada suelta. Punto de vista alto y perspectiva diagonal. Lo que le interesa es el movimiento de la bailarina, parece que está flotando, parece que no hay suelo.

• Escenas de baño

Uso  de tonos pastel; luz artificial, sombra más dura; contornea las figuras con trazos negros y casi nunca se ve la cara, siempre de espaldas.

• Carreras de caballos: intenta captar el movimiento, la luz
  • Realiza esculturas :

[ Bailarina de 14 años]

Intenta crear movimiento.

20/10/2010

TEMA 2: POSTIMPRESIONISMO

Las tres figuras fundamentales de este movimiento son:

PAUL GAUGUIN

PAUL CÉZANNE

VICENT VAN GOGH

A partir de ellos surgen todas las vanguardias históricas.

INTRODUCCIÓN

El origen del Postimpresionismo (1886-1888) coincide con la última (8ª) exposición de pintores impresionistas de 1886. Este movimiento surge como una crítica o reacción al Impresionismo. Las características principales se definen a través de los tres autores fundamentales del Postimpresionismo:

• P.CÉZANNE: critica la idea impresionista de fijarse en un momento del día. Pretende analizar todos los momentos del día y extraer una conclusión. No se queda en el mero análisis de un momento del día, sino que él quiere llegar a una síntesis, llega a algo más general. Es el precursor del cubismo y otras estéticas como el futurismo, el constructivismo o el neoplasticismo.
• V. VAN GOGH: critica que los impresionistas querían captar la realidad visual (no conceptual), sin sentimiento, tal cual. Para él, la pintura debe expresar el sentimiento interior del artista. Lo importante es el subjetivismo, no quedarse en la mera plasmación visual. Es precursor del expresionismo.
• P. GAUGUIN: critica que los artistas impresionistas llevaban a cabo temas cotidianos, banales, intrascendentes. Él lo critica diciendo que tiene que haber más profundidad intelectual de la pintura, algo de misterio, simbología, que esa pintura esté represente algo. Es el precursor más importante del simbolismo y también del surrealismo.

ARTISTAS

PAUL CÉZANNE (1839-1906)

• Nació en Aix, en la Provenza francesa.
• Hijo de banquero, por lo que no tenía problemas económicos.
• Se dedicó a la pintura, en contra de su familia.
• A través de Vollard (marchante de arte), se dedicó a comprar pinturas.
• Sus inicios están en el Impresionismo. Se aprovecha de ciertas características.
• Fue amigo de Èmile Zola.
• Al igual que los impresionistas, tiene que exponer en salones independientes ya que le rechazaron a la hora de exponer en salones oficiales.
• Pintor introvertido, bohemio, ermitaño y con un estilo muy determinado.
• Se define como “un seguidor o continuador de la pintura que se había llevado a cabo antes de la pintura impresionista: la pintura académica”, e intenta demostrarlo con copias de pinturas de los grandes maestros expuestas en los museos.
• Se basa en la forma. Quiere profundizar en el análisis de las formas y llegar a una conclusión, es decir, consigue una síntesis.
• Se pregunta el origen y el por qué de las formas. Usa como categorías esenciales de su pintura la masa y el volumen (lejos del Impresionismo). Lo importante, para él, es lo consistente.
• Usa colores fríos, en muchos casos, el negro para hacer sombras (alejado de la pintura impresionista). Usa el violeta y convierte al azul en un color específico: ‘azul Cézanne’.
• Su técnica es la pincelada suelta, una pincelada ancha, rectangular, en franjas paralelas.
• Va a reducir todas las formas, a figuras geométricas (visto en el Renacimiento, la pintura de Masaccio o Piero Della Franchesca o Giotto).
• Señalaba que todas las formas de la naturaleza podían reducirse dentro del cilindro, el cono o la esfera.
• Para él, el volumen es algo tangible, que pesa, que parece que se puede tocar. Para los impresionistas no (para éstos se deshace).
• Su pintura se reduce a conceptos, a representar la esencia (la figura geométrica) de las cosas.
• Se siente seguidor de la pintura anterior al Impresionismo pero no es esclavo ni de la anatomía ni de la perspectiva.
• En muchos casos sustituye la perspectiva tradicional por un sistema de representación de colores. Para él, el azul=lejanía mientras que el amarillo=cercanía.
• Dentro de la anatomía, dibuja brazos muy largos; deforma ciertas partes del cuerpo humano para reducirlos a figuras geométricas. Ej: brazo y antebrazo=2 cilindros. Para enfatizar que esas figuras geométricas son la esencia.
• Para él es muy importante el dibujo, para dar consistencia de esas formas que quiere representar (contornos, siluetas).
• A través del color llega a constituir esas formas o figuras geométricas no sólo a través de la silueta.
• Su pintura es muy lenta. No realiza pintura inmediata, sino que se basa en el análisis detallado de todos los momentos del día.
• Es muy reflexivo: analiza con detenimiento lo que está viendo y extrae la esencia de las cosas.

• Obras:

[La casa del ahorcado, 1880] Es una de sus primeras obras. Poco cielo. No existen nubes. El cielo parece pesado, oprime la zona de la tierra. Punto de vista forzado; una casa, en medio de un camino inclinado. Las pinceladas se superponen para crear relieve. Lo importante es el formalismo. La parte izquierda está representada como una roca (dureza) a través del color y de contornos bastante marcados. Figuras geométricas en los tejados. De forma primitiva, se aprecian ciertas formas geométricas, como el triángulo, el rombo o el cilindro.

[Los álamos, 1879] No se aprecia todavía la reducción de los objetos a formas. Parece una pintura impresionista. Es una pintura aguada y diluida para crear profundidad (izquierda). En la parte derecha crea el relieve mediante materia pictórica.

[Naturaleza muerta / Manzanas y Fruteros, 1880] A través del color, construye la forma. La manzana reducida a figura geométrica: la esfera, pintada desde diferentes posiciones para extraer una síntesis. Paño acartonado, lo reduce a una forma consistente, parece que se puede tocar. Fondo izquierda: hojas de algún florero.

[El hombre del chaleco rojo] Existen varias versiones. Colores planos, da intensidad a los colores del chaleco, lo que le hace conssitente. Es importante el dibujo. El contorno de la figura es bastante marcado, desproporcionado. No es esclavo de la anatomía (brazo superlargo) vs la pintura académica. Reduce esos objetos a determinadas formas: dos cilindros no perfectos.

[Naturaleza muerta, 1895] La composición de la botella es otra figura geométrica. El cesto está inclinado a través de una elipse. Los bizcochos están perfectamente colocados. Parece que utiliza dos perspectivas: frontal y punto de vista alto. Las arrugas del paño son duras, forman ángulos, no curvas.

[Retrato de Dama de azul] Azul Cézanne. Arrugas muy duras en los hombros. Reduce el torso a una figura geométrica. El torso es raro. Las manos son deformes.

[Jugadores de cartas, 1890] Chaqueta que está inflada por el aire (parece), para crear una forma geométrica: la esencia de la chaqueta. Botella, recurso geométrico que centra la composición del cuadro

[La bahía de Marsella, 1886] Estéticamente es avanzado. No hay perspectiva. Una mancha azul Cézanne que parece dura, consistente. No hay movimiento ni reflejo. El humo de la chimenea es tangible. Se notan las aristas de las formas. Representación de colores. Tonalidades ocres, amarillas. Artistas de las chimeneas.

[Los bañistas, 1905] Las figuras parecen esculturas. La anatomía no existe pero sí el concepto de masa y volumen. Se acentúa la figura de las formas.

                                                                                                                                             21/10/2010

PAUL GAUGUIN (1848-1903)

• Hijo de un periodista político liberal y de una intelectual con cierta preocupación por el cooperativismo agrario. Muy relacionado con la ideología del Socialismo utópico.
• Su lengua materna es el español (castellano).
• Desde muy pequeño, su familia se trasladó a Perú. Familia bastante rica.
• Bohemio, errante.
• A través de uno de sus tíos empieza a coleccionar arte. Con la ayuda de Vollard se hace con [Naturaleza muerta] de P.Cézanne.
• En un principio pinta por distracción (hobby) porque no lo necesita.
• Viaja mucho: Haití, La Martinica, Panamá, Francia…
• Es una persona de mundo, un artista de hoy en día.

• Características:
• Su pintura es simbólica y espiritual.
• No va a pintar lo que tiene de frente (= impresionismo-realidad visual-), sino lo que ve y percibe a través de sus sentidos, lo traslada al símbolo. Va a utilizar una simbología gráfico-cromática (=líneas-color).
• Normalmente usa colores puros de manera arbitraria. Estos colores van a tener una simbología. Dependiendo del cuadro, un color representará una cosa y en otro cuadro, otra. Esto diferencia de la pintura de V.Gogh, en la que los colores siempre significan lo mismo en todas sus obras.
• La simbología de Gauguin es complicada porque pinta para él mismo. La conocemos gracias a cartas y escritos donde explica algunos de sus cuadros.
• Elimina la perspectiva científica/tradicional que se llevaba utilizando desde el Renacimiento (al igual que P.Cézanne).
• Influenciado por el arte japonés, entre otras cosas, utiliza colores planos, eliminando así el 3D y, con ello, la pintura tradicional.
• Influenciado por pintores simbolistas anteriores a él como Émile Bernard y Puvis de Chavannes.
• Utiliza la técnica del ‘cloisonné’, basada en colores planos/puros, cromados. El dibujo es muy marcado sin graduación del color, como las vidrieras o esmaltes carolingios. Es una técnica copiada de E.Bernard.
• Libertad compositiva y decorativa sin ninguna técnica académica y llamativa. Muchas veces, se inventa el paisaje.
• Colores llamativos, muy luminosos.

• Temática:
• Dependen de la zona en la que se encuentre.
• A priori, son banales con profundidad intelectual, pero luego están cargados de símbolos.
• La pintura es primitivista, es decir, busca el origen de las cosas (¿quiénes somos?; ¿de dónde venimos? y ¿a dónde vamos?), y busca un alejamiento de la civilización. Por esta razón viaja a lugares donde las civilizaciones hayan avanzado poco. Quiere liberarse de los prejuicios. Esto es importante porque, hasta este momento, los demás autores encontraban la respuesta al origen de las cosas en la Filosofía
• Para él es muy importante el arte antiguo. Tiene mucha influencia del arte egipcio (ley de la frontalidad, figuras en perfil…)
• Influido también por el arte camboyano y el arte precolombino (anterior al descubrimiento de Ámerica) por la utilización de los rostros y figuras.

• Obras:

[Nave Moe: Somnolencia deliciosa] El título en sí es un misterio. Contornos muy marcados. Libertad compositiva. Las dos mujeres (una comiendo la manzana) simboliza el vicio humano y la otra, la virtud por el halo que tiene en la cabeza. Cloisonné. Pintura muy decorativa.

[La tierra y la luna] Representación infantil. La luna es la mujer; la tierra el señor. El agua que cae parece sangre. Uso del cloisonné. El rostro del señor es realista.

[Paisaje Haitano, 1891] Ciertas características de la pintura impresionista. Derecha: pinceladas alargadas (recuerdo pintura impresionista). Cielo: sin densidad ni movimiento, nubes pesadas (al contrario que en el imp). Dibujo muy marcado (vs Impresionismo) y el interior coloreado.

[Ta matete, 1892 (=El mercado)] Influencia cultura antigua: arte egipcio (figuras dispuestas en perfecto perfil). Representa a las prostitutas que están en un banco esperando a clientes occidentales. Derecha: mujer haitiana cortada, influencia de Degas.

[El espíritu del mal vela ó El espíritu de los muertos vela, 1892] Gracias a una carta sabemos que pretendía dibujar a Tahamana indígena (su pareja) que yacía en la cama. Éste entró haciendo que se sobresaltara asustándola.A través del simbolismo, pretende dibujar el momento del susto, el miedo. Él es el personaje de negro. Fondo neutro, oscuro, representación muerte. Esta pose de su pareja incitaba al amor. Obra muy criticada en Francia.

MASACCIO. 1425-1427

[El tributo]

-Representación cultura occidental. Se lee de izquierda a derecha.

-Tres escenas (2-1-3):

• Acogida en Cafarnaún de Jesús y sus discípulos.
• No tienen dinero y manda pescar a Pedro que encuentra una moneda dentro de la boca de un pez.
• Pagan al recaudador.

-Pintura horizontal. Colores planos.

[¿Quiénes somos?; ¿De dónde venimos? y ¿A dónde vamos?, 1897] =Masaccio: pintura horizontal. Lectura a la inversa (derecha-izquierda), influencia del arte oriental (Ej: arte manga). Intenta encontrar el origen de la vida. Época de crisis (1897). Enfermo de sífilis (hombre libertino vs Van Gogh: hombre religioso). Alcohólico. Además su hijo de 21 años muere. Explica en una carta a sus amigos que después de este cuadro se intentó suicidar con arsénico. También se arruina. Rechazó una pensión vitalicia del Gobierno francés por orgullo para no destruir su mito. Lectura del cuadro (3-2-1):

• Parte inferior derecha: bebé cuidado por 3 mujeres, es el origen-misterio de la vida.
• Parte central: figura que recoge con los brazos una manzana. Centraliza la composición. Simboliza el vicio, la corrupción de la humanidad. Inicio de los prejuicios. Punto fundamental.
• Parte izquierda: anciana encogida casi en forma fetal, casi como una momia (Egipto), representa la vejez, la tercera edad cercana a la muerte.

[Mujeres haitianas]

[El caballo blanco, 1898] Recuerda a un bajo relieve que alude a Firias en El Partenón de Atenas.

[Buenos días Señor Gauguin, 1889] Color llamativo chillón por el contacto e influencia con V.Gogh. Gauguin es el de detrás de la valla, el hombre de marrón. Parodia la obra de Courbert [Buenos días Sr.Courvert]

[Mujeres bretonas] Rostros colombinos.

[Autorretrato] Egocentrismo. Es ateo convencido. Serpiente entre los dedos, manzanas, halo…son notas humorísticas.

Gauguin también realiza esculturas, sobre todo en madera, con pocas líneas pero muy marcadas. También hace escultura aislada, y vasijas peruanas, antropomórficas que recuerdan al arte precolombino.

21/10/2010

VINCENT VAN GOHG (1853-1890)

• Precursor del expresionismo y ciertas características del Fauvismo.
• Vida atormentada. Tiene esquizofrenia. Cada vez con ataques más frecuentes. Carácter huraño, violento. Por eso es una persona muy individual y se dedica en cuerpo y alma a la pintura; vive por y para ella, es su única válvula de escape, la utiliza para expresarse.
• Nace en Holanda, cerca de Breda
• Hijo de pastor protestante. Emparentado con un marchante de arte
• Trabaja con este pariente en principio y luego le trasladan a Londres. Allí conoce la pintura belga, holandesa, francesa e inglesa.
• De un día para otro deja el negocio. Nunca va a saber lo que quiere por su enfermedad y por su inconformismo; siempre quiere más.
• Vuelve a Holanda. Se dedica a la aventura y entra en una crisis personal y se convierte en pastor protestante, como su padre.
• Destinado a una comunidad minera donde conocerá el día a día de los mineros y campesinos de la zona. Se encuentra muy ligado a los sentimientos de éstos, lo que le crea conflictos con la Iglesia.

• Pinta durante 1880-1890. A pesar de ser corto el periodo, tiene 3 etapas:
• Etapa Expresionista (1883-1885). Pinta en diversas ciudades holandesas: Etté, Drente, La Haya o Nuennen.
• Etapa/Periodo Feliz (1885-1888). Pinta en París y Amberes.
• Etapa Expresionista (1888-1890). Pinta en Saint Remí, Auvers y Arles.

27/10/2010

• Etapas:

• ETAPA EXPRESIONISTA (1883-1885)

Está muy influenciado por la pintura de Courbert y Millet. Sobre todo las de este último, representando a campesinos porque le inspiraba una gran religiosidad (importancia del socialismo utópico). Influido también por Delacroix, toma de él el uso del color. Es a través de sus obras cuando aprende a usar el color. La diferencia entre ambos, es que Delacroix utiliza colores muy fuertes y Van Gogh colores oscuros.

• Obras de esta etapa:

[Dos campesinos recogiendo turba, 1883] Influencia de Coubert y Millet, con luminosidad tenue de Millet. Pinta estos temas porque se había hecho pastor en una zona minera, y quiere representar la dureza que viven los campesinos.

[El tejedor ante el telar, 1885] Ciertos rasgos expresionistas. Colores oscuros. Manos excesivamente grandes y huesudas (de trabajador) con angulaciones. Contrastes entre claros y sombras.  Busca expresar sentimientos.

Realiza una serie de 40 retratos de campesinos (≠Renoir, pintor impresionista). En ellos expresa cómo ve a los personajes y cómo los siente. Suelen aparecer sobre un fondo negro, con el rostro sombreado, con arrugas, cofias…las arrugas de la vestimenta proporcionan dramatismo a la obra. La representación de los ojos de estos campesinos es muy importante porque a través de ellos se ve el alma, el sentimiento interior tanto el propio como el del retratado (caracterización psicológica). Casi todos los personajes aparecen de frente para ver plenamente la mirada. Este estudio de 40 cabezas sirve para realizar la obra:

[Los comedores de patatas, 1885] Colores oscuros, solo una lámpara que ilumina la mesa, lo que comen, que son patatas. Los rostros parecen caricaturas. Se aprecia el cansancio y, según algunos críticos, cierto alivio de poder reunir a la familia.

• ETAPA FELIZ (1885-1888)

Abandona los colores oscuros y los sustituye por colores luminosos. Está influido por la estampa japonesa a través del uso de la línea y del color. Utiliza, sobre todo, colores planos con carga simbólica. Sin embargo, hay una diferencia respecto a la simbología cromática de Gauguin: en Van Gogh los colores siempre tienen el mismo significado (no arbitrariedad).

Ej: azul = paz, tranquilidad

 amarillo = vida, luz del sol

 verde y rojo = pasiones humanas, violencia

• Obras de esta etapa:

Una vez que se traslada a París pinta de manera diferente. Es su periodo feliz.

[Le moulin de la Galette, 1887] A diferencia de los demás impresionistas que se fijan en bailes, él se fija en aspectos topográficos y arquitectónicos.

[Autorretrato con sombrero de paja] Pequeñas pinceladas. Amarillo intenso en el sombrero. Comienza a tener sentido su simbología cromática. El fondo representa su modo de vida con pocas pinceladas en azul que representan que con poco puede vivir.

[Vista desde la habitación de Vincent de la Rue Lepic] Influencia de los puntillistas/neoimpresionistas, que construyen los cuadros con pequeños puntos; y líneas horizontales y verticales, formas en ángulos rectos y líneas muy marcadas para dar cierta simbología.

[Autorretrato] Influencia de los puntillistas. Su pintura se basa en pequeñas pinceladas o líneas con colores puros y juntamos en nuestra retina.

[Árboles y monte bajo] A pesar de que Van Gogh odia el impresionismo, este cuadro es, técnicamente y a nivel temático, impresionista. Es una muestra de cómo aunque lo odiase también estaba influido por el movimiento de moda.

Dentro de la estampa japonesa es muy importante el grafismo. Se marcan mucho los trazos en negro delimitando los bordes y coloreando en el interior, como en:

[Huerto en flor con melocotoneros] Colores vivos y alegres. Perspectiva diagonal.

[Retrato de Patience Escalier] Es un retrato de un campesino jubilado, que se hizo amigo de Van Gogh. Intenta captar la psicología del retratado. Muestra el cansancio, sabiduría popular en su mirada, vejez. Utiliza pinceladas en formas circulares, paralelas y alargadas alrededor de los ojos (técnica del cloisonné). Colores planos y luminosos, como el amarillo chillón del sombrero que destaca especialmente, y transmite vida y luz. La vestimenta es azul que le transmita paz. Pequeños toques rojos dominados por el azul, representando las pasiones humanas dominadas por la tranquilidad y la vida.

[Vista de una calle de Saint Maries] Uso de colores complementarios.

[Terraza del café de noche] Para él era muy importante este café, se sentía muy cómodo. El café toma vida de noche. Aparecen sombras en el suelo. El azul de la noche le da paz. Las estrellas son muy grandes para una representación visual. Él siente que en ellas estaría su verdadero hogar, donde podría mostrar el mundo de los sueños. Expresa en cartas que se evade pensando en esa idea, por eso las representa de ese tamaño.

[Interior del café] Mucho rojo que representa la pasión humana. Y el verde también hace eso. Las pasiones humanas son las que crean la vida. Cierta angustia representada en el color amarillo difuminado a verde. Técnicas en movimiento, curvas, paralelas, cada vez más largas. Perspectiva extraña, lo siente de esa manera, distorsiona la concepción espacial debido a su sentimiento. Trazos negros muy marcados. El billar da sensación de que va a galopar (similar a los Simpson, que es una pintura nerviosa e intranquila). Colores planos.

[Noche estrellada sobre el Ródano] Estrellas muy grandes con mucha luz. Él tiene cierta intranquilidad, cierta angustia latente, aunque haya tranquilidad por el azul, y representa ese color amarillo tiñéndolo de verde. Dentro de ese hogar, de ese mundo de sueños, ese lugar donde se evade, también existe angustia. Representa su mundo interior. Dualidad.

[La casa amarilla de Arlés] Representación de la casa en la que vive con Gauguin, donde es aún feliz. Con amarillo, cielo azul; pero esa tonalidad de azul da desasosiego, sensación de que se puede caer, cierta intranquilidad. Dualidad, por su enfermedad.

[Los girasoles] Realizó unas 12 pinturas de girasoles. Esta pretendía decorar la habitación de Gauguin en la casa amarilla.

No existe ningún retrato en el que Van Gogh pintara a Gauguin, y viceversa. Van Gogh representa a Gauguin a través de una silla oscura porque vive de noche [La silla de Gauguin]; y a él mismo a través de una silla amarilla [La silla de Van Gogh]. La primera, tiene ciertos toques de luz, el suelo rojo con toques verdes que representan las pasiones. La segunda, parece que en cualquier momento se va a mover, deforma la perspectiva distorsionada a través de sus sentimientos. En realidad, ambos se llevaban a matar. En una de sus discusiones, Van Gogh entró en crisis y, para castigarse, se cortó una oreja y se la llevó de regalo a una puta.

[Autorretrato de Van Gogh sin oreja] Mucho verde, incluso en los ojos, las sombras; es una lucha entre unas pasiones que no puede controlar y la vida pacífica que lleva.

• ETAPA EXPRESIONISTA (1888-1890)

Es un periodo donde utiliza una pincela larga en una franja, paralelas entre sí. Es una pincelada violenta porque su espíritu está en constante agitación. Su esquizofrenia empeora, y cada vez tiene más ataques. Todo esto va a ser un referente importante del Expresionismo en el siglo XX. Van Gogh no pinta lo que ve, pinta lo que siente, lo que le dice su mundo interior, lo trasforma a través de la vista. De ahí que lo fundamental de su pintura sea el sentimiento.

Otra característica general de su pintura es la dualidad, sobre todo se ve a medida que avanza su vida, es decir, en esta tercera etapa. Por ejemplo, al mismo tiempo ve que es de día y de noche. Esta dualidad procede de su locura, de su esquizofrenia. Los objetos inanimados, en esta etapa, parece que cobran vida (como en La Bella y La Bestia). Cuanto más nos acercamos a esta etapa, en su pintura la perspectiva se deforma; el espacio, en general, se altera debido a sus sentimientos, es decir, altera la realidad, la profundidad y la perspectiva.

[Autorretrato en azul] Quiere representar paz, pero las pinceladas tan nerviosas representan que cada vez las crisis eran más frecuentes. Por ello, es internado en el Hospital de Saint Paul (Saint Remi) entre 1889 y 1890. Allí sigue pintando cuadros. Su pincelada es muy violenta, refleja el horror y la angustia que vive, especialmente en las copas de los árboles.

28/10/2010

[Película sobre Van Gogh: El loco del pelo rojo]            

• Obras de esta etapa:

[El jardín del Hospital de Saint Paul] Refleja la angustia en la tormenta que tuvo lugar antes de pintarlo.

[Dos álamos] Pincelada muy violenta casi en espiral.

[Morera, 1889] El árbol se convierte en fuego.

[Noche estrellada] La luz del sol refleja la paz. Esto indica que se estaba recuperando. Influencia de William Blake con [Torbellino de amantes, 1824].

[Autorretrato] Fondo verde. Expresión angustiada. Mirada perdida. Parece que tiembla.

[La siesta] Se recupera de la crisis.

[La habitación de Arlés, 1889] Hizo 2 versiones en función del momento en el que se encontraba:  1) Calmado, sin crisis. Colores alegres (ocres, azules)

• Crisis. La luz verde de la ventana penetra en el interior.

También realiza pintura religiosa llevándola a los nuevos tiempos:

[Camino hacia los campos] Representa la huída de Egipto.

[Piedad]

[La resurrección de Lázaro] Cierta influencia de Rembrant.

[Retrato de Gadget] Viaja a Auvers-Sur-Oise recomendado por su hermano Teo para ser internado bajo los cuidados del Doctor Gadget. Van Gogh lo veía como una persona pesimista y triste. Existen dos versiones de este retrato

[Amapolas y mariposas] Amapolas rojas. Mariposa amarilla. Vegetación muerta y oscura.

[Trigal]

[Trigal con cuervos]

[Campo de amapolas] Árboles esquemáticos y negros. Parece la visualización de una pesadilla.

[Lluvia sobre un campo de trigo] Trazos verticales que cortan el cuadro.

El 29 de Julio de 1890 se pega un tiro. Muere.

UNA NUEVA CORRIENTE POSTIMPRESIONSITA:

Neoimpresionismo, Puntillismo o Divisionismo

• Intenta utilizar avances científicos en la pintura.
• Los neoimpresionistas van a realizar exageradamente estos avances.
• Estudiamos sus características a través de la obra de SEURAT, influido en gran medida por Ingres, y de PIERO DE LA FRANCESCA (siglo XV), caracterizado por los fuertes contrastes entre luces y sombras de sus pinturas. A través de la influencia de este último, los puntillistas intentan reproducir el silencio, es decir, sus cuadros son imágenes congeladas.
• Lo importante de esta pintura es la utilización de una serie de puntos para pintar. Cuando no son pintos, son pinceladas muy cortas. Su tamaño depende del tamaño del lienzo.
• Debido a estos puntos, esta pintura produce “cierto” dinamismo o movimiento. Es como si estuviéramos viendo átomos en continuo movimiento.
• Se utilizan colores puros. Es el espectador el que, a través de su retina, va a mezclar esos colores.
• Los puntillistas quieren crear armonía que consiguen con la inteligente unión de colores fríos y colores cálidos a través de las líneas o contornos que van a tener una simbología:
• Líneas horizontales = tranquilidad, estabilidad, serenidad.
• Ángulos rectos = vitalidad.
• Líneas diagonales = intranquilidad, movimiento.
• Segmento acotado por su parte inferior y que asciende = optimismo.

• Segmento que asciende acotado en su base inferior = pesimismo.

Ej: [Un baño en Aisnieres] de Seurat.

• Los neoimpresionistas basan mucho su pintura en las estructuras. Por ello, son muy reflexivos a la hora de pintar, es decir, lentos. Ej: Seurat tardó 2 años en pintar [Tarde de domingo en La Grand Jatté]
• El volumen es muy importante. La pintura pierde gracia, frescura.
• Obras neoimpresionistas:

[La Torre Eiffel, 1889]

[El circo] Líneas diagonales. Bailarina=optimismo. Pintura un tanto intelectual. Influencia del art nouveau (arte moderno) en las líneas látigo. Lo contrario serían las líneas relámpago.

[Las bañistas] En la parte izquierda aparece [Tarde de domingo en La Grand Jatté]

[A orillas del Sena]

                                               28/10/2010

TEMA 3: SIMBOLISMO

INTRODUCCIÓN

Desde mediados del siglo XIX ya existían pinturas que pueden denominarse simbolistas. Sin embargo, en el año 1886, Jean Oreas va a escribir en Le Figaro la palabra ‘simbolista’ refiriéndose a pintores que por esa época estaban cultivando una nueva estética. Más que de un movimiento debemos hablar de una expresión del espíritu que surge como reacción al realismo, a lo inmediato, es decir, al Impresionismo. Después de la industrialización surge una época de puritanismo en la que es necesario revitalizar la religión. Por ello, la religión va a ser muy importante para la pintura simbolista.

El simbolismo va a combatir a la naturaleza representándola con misterio y como si fuera algo extraño. Los simbolistas se van a recrear en la soledad, en la ensoñación, en la representación de sus sueños románticos. Utilizan dos maneras para unir lo real con lo fantástico/imaginario:

• Toman lo fantástico y lo proveen de cotidianeidad sin que esa visión o sueño pierda su halo de misterio.
• Toman lo real y lo envuelven con algo extraño. Por ejemplo, a través de colores arbitrarios o de unas secretas armonías (como ellos decían).

ANTECEDENTES

• FÜSSLI
• GOYA
• W. BLAKE (principios del siglo XIX)

AUTORES

ODIRON REDON (1840-1916)

Nace en Burdeos. Pronto se traslada a la Escuela de Bellas Artes de París.

Quiere mostrar en sus pinturas sus sueños románticos.

• Entiende la pintura como algo que le permite adentrarse en la Metafísica y en la verdadera naturaleza o esencia de las cosas (plantas, animales, seres humanos, seres mitológicos…).
• Obras:

[Paisaje submarino, 1910] Muestra lo extraño de la naturaleza.

[Nacimiento de Venus, 1912] Representación alejada de la realidad.

[Ofelia] Representa al personaje de Shakespeare del mismo nombre que muere en un estanque. Del revés se aprecia la figura humana.

[Cíclope] Representa al personaje del mito de Polifemo vs Ulises. Refleja los avances pictóricos. Profundidad psicológica.

[El carro de Apolo]

[Retrato de Violet Greiman] ≈ al retrato de [Ofelia].

PUVIS DE CHABANNES (1834-1898)

• Se basa en la cultura grecorromana. Es fundamental para representar sus propios sueños.
• Más que esta representación de los sueños, le interesa mostrar al espectador la poesía o el lirismo que procede directamente del estudio de esta cultura.

Ej: [El sueño, 1883] Aparecen tres musas que parecen esculturas.

• Utiliza el lienzo como lo que es: una superficie plana. Sus figuras o personajes son silueteados, no crea la 3D, parece que están recortadas y pegadas sobre un fondo pintado (se acerca a Gauguin).
• En su pintura predomina lo decorativo. Ej: [Frescos de la biblioteca Municipal de Boston]
• Obras:

[La esperanza, 1872] Aparecen ruinas, cruces del cementerio. Representa el intento de resurgir de Francia tras la derrota en la guerra francoprusiana.

[Tres muchachas] ≈ Cézanne. Pinta a la misma mujer en diferentes poses clásicas, representado los tres estados de la condición humana: contemplativo, pasivo y activo. Es un buen ejemplo de cómo lo real se une con lo imaginario (2).

[Representación de Mª Magdalena] Revitalización de la religión tras la Revolución Industrial.

[Pescador pobre]  Simboliza la pobreza extrema. Colores suaves, muy diluidos. La luz crea misterio.

03/11/2010

GUSTAVE MOREO (1826-1898)

• Es uno de los pintores simbolistas más importantes de la historia. Sin embargo su obra es de antes de este movimiento que surge a principios de XIX.
• Heredero claro del Romanticismo, va a admirar la pintura del Cuatroccento Italiano.
• Lo que quiere representar, entre otras cosas, en su pintura es la quietud y el silencio. De hecho definía su pintura como un silencio apasionado.
• Sus pinturas, como heredero del Romanticismo, van a ser visiones oníricas que van a ir más allá del espacio y del tiempo. En esas pinturas, Moreo lo que quiere plasmar son sus inquietudes más profundas, sus miedos, sus obsesiones y, dentro de esta obsesión, da cabida al erotismo; de ahí que realice muchas obras en las que aparece Salomé en diferentes actitudes, con diferentes personalidades (inocente, perversa, maléfica), es decir, lleva a cabo diferentes estudios psicológicos de ella.
• Mucha influencia Ingres, en particular de su dibujo; sobre todo a la hora de realizar desnudos y mostrar la anatomía humana. Ejemplo de ello es  [El nacimiento de Venus].  Otra influencia es Delacroix, en los temas que Moreo va a pintar; son temas muy exóticos, como en [La muerte de Saldanaponos] de Lacroisse.
• Conforme avanza su vida artística, el color va a ser cada vez más importante, incluso más que la línea.
• El exotismo es una influencia del mundo oriental. Todo ese orientalismo crea un ambiente muy recargado, casi de horror.
• Obras:

[La aparición, 1876] Se representa con una pose muy sensual a Salomé que señala la cabeza del bautista que ella había conseguido de las manos de Herodes. El ambiente que rodea esta pintura es una influencia del mundo bizantino, oriental. Exotismo oriental. La simbología no es casi importante, lo importante es el ambiente, las esculturas mesopotámicas, el exotismo oriental.

[Edipo y la esfinge, 1864] Hay muchas diferencias en comparación con sus otras obras. El dibujo es muy marcado (influencia de Ingres).

[Edipo y la esfinge, 1884] Prima el color. Todo muy marcado.

[Júpiter y Semde, 1890] Representa el mito (Júpiter tenía muchas amantes, Semde era una de ellas. Júpiter baja a la Tierra desde el Olimpo y le dice a Semde que se está acostando con otro que no es él. Ella le respondió que le dijese a esa persona que lo demostrara. Semde estaba embarazada y, de ella, nació Dionisio (=el nacido 2veces)). Simbolismo puro. Horror. Influencias orientales. Color más marcado. Mitología y sueño marcado.

[El poeta viajero] Superioridad del color sobre el dibujo.

La Pintura Navi

INTRODUCCIÓN

La pintura navi es el paso  intermedio entre la pintura simbólica y el Fauvismo. Los pintores navis basan su pintura en lo decorativo, aunque también se siguen apoyando en lo simbólico (cada vez menos). Van a tener un gran sentido estético; son pintores que van en busca de la belleza. Lo más importante de esta pintura es que el color tiene mucha más importancia que la línea, es decir, la historia que cuentan los cuadros navis como mucho van a igualar la relevancia que toma el color. Usan colores planos y puros.

AUTORES

MAURICE DENIS (1870-1943)

• A través de esos colores planos se ve cómo se pierde la profundidad (3D). La pintura Nabi gusta de la bidimensionalidad (2D), de ahí que utilicen colores planos porque quieren huir de esa tercera dimensión.

Ej: [Las musas, 1893] En ella parece que las figuras están pegadas en un fondo ya pintado. Hay un intento de perspectiva, pero parece que las figuras son planas. Esto se nota más debido a la disposición en perfil de las figuras en primer plano.

• Pinta muchas obras religiosas debido a que, después de la revolución industrial, se vuelve a una religiosidad, al puritanismo que se había perdido durante la revolución, y había que recuperarla y cuidarla para que no se pierda.
• Obras de los años 90:

[Abril] Colores planos, llamativos, agradables, lo importante es el color no el dibujo. Dentro de estos colores marca mucho el dibujo, pero lo importante es el color. Formas agradables, curvas, se desliza, es suave. La línea del puente es en zig-zag, porque hay que equilibrar el dibujo. En la parte inferior izquierda hay curvas y contracurvas. Para dar cierto misterio no se ve cómo termina el camino, parece que se pierde. Formas raras y graciosas. El simbolismo se ha ido pero ha dejado destellos. Pintura decorativa. Dibujo marcado, sino el color se fundiría. Importancia del color porque es lo que llama la atención.

[Belleza en otoño] Árboles azules.

[Joven que duerme] Muy decorativo. No hay profundidad. El amarillo chillón recuerda a [El beso] de Gustave Klim.t

[Mañana de Pascua] Pintura religiosa, en el que sí hay cierto simbolismo.

[Camino/Salida del calvario] Utiliza el color negro prohibido en la pintura navi porque da tenebridad, oscuridad, angustia. A Cristo no se le ve el rostro. Hay ciertos colores agradables, fugaces, como el amarillo de las flores de color amarillo aunque en realidad sean blancos.

[Marta y María] Representación de las hermanas de Lázaro junto a Cristo. Hay menos simbolismo, colores muy chillones, pero no se ven los rostros.

*SIEMPRE QUE HAY UNA REPRESENTACIÓN MITOLÓGICA O RELIGIOSA  HAY QUE HABLAR DE CIERTO SIMBOLISMO*

PAUL SERUSIER (1874-1927)

Se sitúa entre la pintura fauvista y la de Gauguin.

• El humor es muy importante para este pintor. Está ligado al decorativismo, es decir, Serusier veía la pintura con cierto humor, él entendía la pintura navi como un divertimento.

Obras:

[Tríptico de Pont Avent] Sentido decorativo. Parecen las mujeres haitianas de Gauguin. La recogida de manzanas recuerda a [¿Quiénes somos?; ¿De dónde venimos? y ¿A dónde vamos?, 1897] de Gauguin también.

[Paul Ranson] Intento de representación de éste con una túnica. Como si fuera una máxima autoridad. Cierto humor.

[Paisaje navi]

PIERRE BOMARD (1877-1947)

• Su temática principal son los desnudos, serenos, solitarios. Cuando están en movimiento parece que están pausados. Son situaciones íntimas, de aseo personal, de baño.
• La mayoría de las veces, la modelo sería su mujer.
• Consigue la luz agradable gracias a que se difumina (da más agrado).
• Su pintura se realiza con composiciones muy equilibradas pero lleva a cabo personas irreales, muy rebuscadas deliberadamente.
• A veces también acorta las figuras. Como en [Desnudo saliendo del baño] que corta la pierna derecha. Es importante el color agradable. Dibujo no marcado.
• Pinta desnudos hasta los años 40. Ej: [Desnudo en bañera] No intenta provocar, es un desnudo calmante.
• La pintura de E.Hopper recuerda a la de Bomard; sobre todo las figuras femeninas (unas veces desnudas y otras no).

EDUARD VUILLARD (1868-1940)

Vivió hasta los 60 años con su madre.

• Era un hombre amanerado, siempre rodeado de mujeres, por eso era lo único que pintaba, en el interior de las casas.
• Los temas son costumbristas y decorativos.
• Utiliza luz que se difumina lo que hace que la pintura sea borrosa.
• [La costurera]

03/11/2010

TEMA 4: FAUVISMO

INTRODUCCIÓN

Va a ser considerado la primera vanguardia histórica, el primer eslabón de esos movimientos de vanguardia. Surgió en París, en 1905, en el Salón de Otoño. Se va a convertir en modelo a seguir para el resto de vanguardias que surgen con posterioridad. Es modelo a seguir por su carácter rompedor. El término ‘Fauvismo’ procede de una crítica que se llevó a cabo en el Salón de Otoño cuando un crítico vió todas esas obras llenas de color. En medio de la sala había una escultura renacentista (relacionada con Donatello), y dijo que era como Donatello entre las fieras. Siempre se ha discutido si el Fauvismo ha sido un movimiento artístico o no, porque realmente no han sido ningún avance (nada nuevo) a la pintura. Sin embargo, sí se hizo una recopilación de lo utilizado con anterioridad y se experimenta con ellas al máximo, es decir, son ideas ya trabajadas pero que ahora se experimentan al máximo. Por ejemplo el color de Gauguin o Van Gogh. Antes de decir que el cuadro es una cosa u otra, el cuadro es un lienzo plano de colores que se disponen en cierto orden, estructurado de manera lógica y cree armonía de colores.

*EL FAUVISMO ES UNA SERIE DE COLORES DISPUESTOS EN UNA SUPERFICIE LISA QUE CREA CIERTAS SENSACIONES Y CIERTA ARMONÍA GRÁFICA*

CARACTERÍSTICAS

• No es un movimiento programático. No ha sido originada a partir de un manifiesto. Pero esto sÍ sucede en el resto de vanguardias históricas, como el Dadaísmo. Por eso también se ha dicho que no es un movimiento o un movimiento de Vanguardia.
• Máxima importancia del color. Los colores de esta pintura son puros, intensos, saturados, son colores que se extraen directamente del tubo y se plasman en el lienzo. Los fauvistas utilizan el color de dos formas diferentes: una con valor expresivo porque tiene que crear emociones al espectador; valor estructural del color, colores arbitrarios y a veces que no muestran la realidad pero intentan estructurar el cuadro, es decir, crear una armonía a través del color. No van a ser colores productos de la luz, ni se van a disponer de manera arbitraria, sino que el color va a aspirar a una autonomía.
• Otra característica es la búsqueda de la estética.
• Decorativismo: buscar la belleza a través de imágenes agradables.

TEMAS

Los temas se va a alejar de la mitología, la muerte (hay excepciones), la literatura, las representaciones históricas, es decir, de todo lo cultivado por los pintores anteriores: lo simbolistas. Los fauvistas pintan lo cotidiano, paisajes, retratos y temas urbanos. Lo más raro son desnudos que bailan en paisajes extraños, como en [La mujer de la raya verde] de Matisse. En este cuadro utiliza colores arbitrarios dispuestos de tal manera que puedan crear cierta sensación al espectador (esencia del Fauvismo).

04/11/2010

CONCIENCIA DE GRUPO

El grupo inicial surge dentro de la academia de Gustav Morov. Éste es consciente de que, dentro de su academia, existe una serie de jóvenes artistas que quieren ofrecer algo nuevo. Algunos de ellos son: Enric Matisse (entre en la academia en 1895, después de haber suspendido el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de París, conoce a Marqué), Albert Marqué o George Rouant. Estos tres pintores son los que dan vida a este grupo inicial durante este movimiento que se desarrolla en Francia.

En 1889 muere su profesor Gustav Morov y se cierra su academia. La reabre un pintor académico pero los tres pintores del grupo inicial entran a la academia de Eugene Carrere, un pintor simbolista como Morov, considerado su continuismo. Dentro de este nuevo taller conocen a André Derain y a Maurice de Vlaminck.

El segundo grupo de pintores fauvistas (Chatay) se forma por la influencia que ejercen sobre el grupo inicial Matisse y Derain.

El tercer grupo fauvista (Le haure) está formado por Raoult Dufy. Emile-Othon Friesz y  Georges Brakele.

Entre 1905 y 1907 se desarrolla “la época clásica del Fauvismo”. Después de estos años la conciencia de grupo se pierde.

ARTISTAS

Los pintores fauvistas más importantes son Matisse y Derain. A partir de 1907 se van a preocupar por el arte africano y la obra de Cèzanne, aspectos que constituyen la esencia del Cubismo.

GEORGE ROUANT (1871-1958)

Usa el negro, color prohibido por los fauvistas.

• En su pintura existe denuncia social (en contra del Fauvismo) y unos iconos determinados, como las putas (ejemplo más claro de denuncia social) y los payasos (como títeres de la sociedad. La sociedad se ríe del payaso porque da risa y se puede ironizar sobre él. Su alegría y felicidad intentan dar luz a ese sufrimiento que uno tiene), son dos iconos opuestos, dos extremos de la sociedad.

[Prostituta ante el espejo, 1906] Colores más oscuros.

• Características de su pintura:
• Rasgos toscos. Se ha dicho que, aunque es francés, este autor se acerca más al Expresionismo alemán que al Fauvismo francés (2 movimientos paralelos).
• Pinceladas muy violentas; deformidad de los retratados.
• Pintura ágil, de cierta inmediatez.
• Delimita los contornos marcándolos con un trazo negro muy fuerte (debido a que había sido artista gráfico).

[La prostituta, 1905]

[Tres payasos, 1920] Color oscuro. Deformidad. Intento de marcas las superficies con trazos negros. Iconografía. No rodea de detalles que puedan desviar la atención.

• Después de elegir su estética y características, sigue siempre la misma línea.

[Payaso, 1907] Presente Fauvismo. Colores decorativos. Rasgos toscos, trazos muy negros, rostros difuminados. Rostro del payaso en primer plano.

• También realiza pinturas religiosas puesto que lleva a cabo un catolicismo férreo. En este sentido se le compara con el Expresionismo alemán de Émile Nolde.

[Cristo con los apóstoles]

• Sin embargo, existe otra [Crucifixión, 1920] con colores más chillones. Debido a que entró en un taller de vidrieras como aprendiz, por lo que están presentes en su obra.
• Pinta a través de su sentimiento interior.

ENRIC MATISSE (1869-1954)

Nace en una familia de comerciantes.

• Estudia Leyes en París pero una enfermedad va a hacer que, durante mucho tiempo de su vida, tuviese que estar en cama. Por esta razón, su madre le regala una caja de pintura y así nace su afición.
• Abandona la carrera de Leyes y comienza a estudiar pintura en el taller de Gauguin.
• Le interesa construir el objeto (no desmaterializar la pintura), lo cursivo y lo decorativo. Ej: [Lujo, calma y volumen] Técnica neoimpresionista. Armonía de

                         colores. Le importa construir la forma y cierto volumen.

• Lo que realmente le interesa es crear una armonía de colores, es decir, conseguir un fin evidentemente cromático.

[Ventana abierta, 1921] No colores tan fuertes. Mayor profundidad.

• Obras de 1905 (utiliza la técnica mixta):

[Ventana abierta] se construye el cuadro a partir del color. Usa la técnica mixta. Cada vez va a alargar más su pincelada. Colores muy vivos, alegres y puros (influencia del verano que pasa en Coilleure, junto a André Derain). La representación de ventanas abiertas está presente con bastante asiduidad.

[Vistas de Coilleure] Pincelada corta que cada vez se hace más larga, tanto que crea superficies cromáticas de color unitario.

[Retrato de Derain]

[La mujer del sombrero azul] Colores irreales pero decorativos.

[La mujer de la raya verde] No pretende demostrar el carácter psicológico del personaje.

• En 1906 surge la técnica del color plano.

Ej: [Alegría de vivir, 1906] Superficies planas de colores alegres y vivos. Intento de cierto volumen y de mostrar los contornos, de dar forma. Encierra misterios. Ciertos desnudos clásicos pero siempre formados a través del color.

• En ese mismo año viaja a Argelia, donde le influyen el arte islámico, arabesco y los colores intensos y brillantes de los alicatados islámicos. Ej: [Desnudo en azul, 1906]

Entre 1910 y 1911 viaja a España.

Entre 1912 y 1913 viaja a Marruecos junto a Francisco Iturrino.

• En 1907 su estilo varía debido a la influencia del arte africano y de Cézanne:
• Simplificación de colores, aunque son usados de la misma manera.
• Simplificación de elementos pictóricos.
• Simplificación del dibujo.
• Contornos más marcados todavía (influencia del arte islámico).
• Color expresivo pero NO simbólico.

• Obras de 1907:

[Joven marinero] Simplificación de elementos pictóricos. Fondo neutro. Menos colores que antes. Trazos negros más marcados.

[Lujo uno] Influencia de Cézanne. Intento de reducir la forma a una figura geométrica: cabeza=esfera, pechos=esferas, cuello=cilindro. Dibujo más marcado. Simplificación de colores.

• En 1908 Matisse es ya un artista de vanguardia reconocido. Monta un taller y vive de la pintura. Recibe muchos encargos y enseña pintura. SIEMPRE BUSCA PINTAR CUADROS DECORATIVOS.

Ej: [Armonía en rojo, 1908] Recurso de la ventana. Existencia de arabescos (formas que decoran el mantel). Dibujo más simplificado. Figuras recortadas y pegadas (mujer). Perspectiva irreal.

• Obras de 1909-1910:

[La danza] Existen 2 versiones. Simplificación de colores. Es una composición dinámica. Representa la alegría de vivir.

[La música] Tema pausado. Composición estática. Cierto primitivismo.

• A partir de 1909 se aprecia cierta influencia del Expresionismo alemán y del Cubismo. Estas obras son excepciones en la obra de Matisse:

[La argelina] Dureza en los contornos. Rostro deformado. Recuerda a G. Rouant.

[Los marroquíes]

• Durante la 1ªGM la pintura se reduce a formas geométricas y al uso de colores fríos (incluso el negro) que hacen referencia al espíritu bélico del momento.
• Etapas:

AÑOS 20’: Es una etapa realista o, al menos, de relativo realismo o plasticidad. SIEMPRE EL COLOR ES LO MÁS IMPORTANTE pero en este momento veremos una preocupación por el detalle o por crear cierta profundidad espacial.

[Interior con estuche de violín abierto, 1920] Detalla perfectamente bien el estuche y la silla, es decir, se preocupa algo más que antes por el detalle. Intenta buscar cierta profundidad espacial. Es un momento más realista. Dispone en escorzo ese estuche.

AÑOS 30’: Su pintura va a volver a su decorativismo más primitivo. Las características de esta etapa son:

• Simplificación de los colores.
• Simplificación de las formas.
• Monumentalidad de las figuras (se amplían tanto que rebasan los propios límites físicos del cuadro)
• Utilización de figuras recortadas.

[La danza de merión, 1930] Figuras parecen cortadas y pegadas.

[La danza] Colores azules. En esta obra sí que corta y pega las figuras. Pocas figuras y pocos colores (planos y normativos). Intenta crear emociones.

[Desnudo en rosa, 1935] Influencia de Picasso. Esta obra va a influir en el pop-art, sobre todo en la figura de Paul Masengart.

10/11/2010

[El sueño, 1938] Rostro perfilado. Pintura infantil. Brazo monumental.

[La música, 1939] Influencia del Cubismo, del constructivismo. Formas geométricas casi puras. Influencia de otras vanguardias.

AÑOS 40’: A partir de 1940 va a seguir utilizando la técnica de los papeles recortados y su estilo decorativo con colores agradables.

[Gran interior en rojo, 1948]

[Blusa rumana 1940] Simplificación de los colores y rostros, líneas básicas. En el estampado de la blusa es donde encontramos más detalle. Monumentalidad de la figura (los hombros son tan anchos que rebasan los límites).

[Armonía en azul(es)]

[Cortina egipcia, 1948]

[Decoración interior de la Capilla del Rosario, 1948-1951] Villa medieval cerca de Niza.

ANDRÉ DERAIN (1980- 1954)

Máximo representante de la pintura fauvista junto a Matisse.

• Hay que reconocerlo en el descubrimiento de hitos que marcaron la Hª del Arte, como por ejemplo el conocimiento del arte africano.
• En él se aprecia extraordinariamente bien el paso de la técnica neoimpresionista al fauvismo, es decir, de una pincelada que se va volviendo más larga a la utilización de la técnica mixta, que acaba construyendo superficies unitarias de color.

[Vista del Parlamento de Londres, 1904-1905] Las pinceladas son más largas y forman una superficie unitaria. Derain construye el cuadro a través de colores agradables que decoren y puedan emocionar. Los impresionistas jamás utilizarían ese color verde porque son arbitrarios. Los fauvistas no son realistas, no describen la realidad.

• Busca mucho el equilibrio, el orden en su pintura (composiciones ordenadas).

[La curva de la carretera de L´Estaque, 1906] Colores chillones, irreales, pero con esa armonía de color. Intenta darle orden al desorden a través de la curva y el efecto verticalista de los árboles rojos.

[La danza, 1906] Orden de las figuras, perfectamente alineadas. Curva y contracurva (serpiente). Cierto movimiento. La curva implica suavidad, no dureza, amabilidad, agradable.

[Las bañistas, 1907] Espíritu clásico de orden y representación

MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958)

Su obra se caracteriza por el tema de paisajes.

• Realiza una serie de cuadros denominada Árboles Rojos. En esos cuadros utiliza la técnica mixta: pincelada más alargada y color plano.
• Obras:

[Árboles rojos, 1907-1908]

[Los bañistas, 1907] Recuerda a alguna pintura de Gauguin.

RAOUL DUFY (1877-1952)

• Comienza a pintar siguiendo la pintura impresionista. Sin embargo, la va abandonando para pintar lo que quiere.
• Conoce a Matisse, quien lo embauca en la estética fauvista.
• Características de su pintura:
• Alto sentido decorativo. Este decorativismo se puede asimilar al trabajo de estampación de telas o a la decoración de cerámicas.
• Utiliza trazos negros muy marcados en su dibujo.
• Utiliza menos colores que el resto de pintores fauvistas. El objetivo de estos colores es el mismo que los demás.
• Su estilo es alegre, divertido y desenfadado.
• Según avanzan los años hay desconexión entre dibujo y color. Esto tal vez tiene su origen en la estampación de telas y, quizás, en el intento de colorear ciertas películas.
• A través de sus colores intenta crear transparencia. Para ello, en muchas ocasiones, utiliza la acuarela.
• Sobre todo pinta temas de paisajes, playas y temas dedicados a la música.
• Una de sus primeras obras es [Barcos, 1907]

• Pintura de autor:

[Representación/Vista de la Torre Eiffel] Colores agradables a partir de los que intenta construir el cuadro. Menos color. Intento de trasparencia. Pintura muy acuosa. Dibujo alegre. La mancha de color trasciende los límites del propio dibujo [Eiffel Tower].

[Otros barcos] Muy infantil. Fresco. Azul muy alegre. Pintura que peca de ingenuidad.

[Interior con ventana abierta] Influencia de Matisse (ventana abierta para crear armonía de color).

[Venecia, 1938] Sobresale la mancha de color del cuadro.

• También intenta investigar la relación que existe entre la pintura y la música. (esto mismo lo vamos a ver en la obra pictórica de V.Kandinsky, y en la obra musical de A.solderg).

[El quinteto, 1948]

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10/11/2010

TEMA 5: EXPRESIONISMO

INTRODUCCIÓN

Paralelamente al Fauvismo (Francia), en Alemania, desde el último decenio del siglo XIX y hasta 1910 aproximadamente, vamos a ver obras denominadas expresionistas, que pertenecen a autores integrados dentro de un grupo de artistas, denominado “El Puente” (en alemán Die Brücke). Lo que se va a llevar a cabo puede ser el Fauvismo alemán. Tiene influencia de la pintura de Gauguin, de su primitivismo; influencia del arte africano y oceánico; y también de la utilización de colores planos y chillones. La diferencia con el Fauvismo francés es que se utiliza el color negro. Mientras que el Fauvismo puede resultar al espectador algo excesivamente decorativo, el Expresionismo del grupo “El Puente” puede llegar a ser repulsivo. Esto también es característico de Alemania, donde las mayores pasiones tienen que ser representadas.

CARACTERÍSTICAS

• Uno de los padres de esta pintura podría ser Van Gogh.
• Subjetivismo tanto en las formas como en el color.
• El pintor intenta expresar su sentimiento interior al espectador a través del ultracolor y las formas deformadas (diferencia con el Fauvismo: crear un cuadro con colores que emocione al espectador).
• Casi siempre tiene un compromiso social, excepto la pintura de G. Rouault.
• Intenta expresar las pasiones humanas más arraigadas; los sentimientos más desgarradores, los sentimientos más angustiosos del ser humano.

ETAPAS

• 1885-1905: ETAPA DE INFLUENCIA MODERNISTA-SIMBOLISTA. Inicios del grupo El Puente. Autores:  - G.Rouault

   - E. Munich

• 1905-1910: GRUPO “EL PUENTE”. Autores:  - Kirchner

 - Émile Nolde

 - Oskar Kokoschka (entre 2y3)

• 1910-1915: PREDOMINA LA INFLUENCIA DE EL GRUPO “EL JINETE AZUL” (en alemán Der Blave Reiter). Autores: - Wassily Kandinsky

  - Franz Marc

  - August Macke

  - Paul Klee

  - Natalia Goncharova

11/11/2010

ANTECEDENTES

Lucas Cranach: [Hércules y Anteo] Angustia, asfixia. Deformidad del rostro.

Grünewald: [Retablo de las tentaciones de San Antonio], [Crucifixión] Corriente eléctrica por las manos de Cristo.

El Greco: es un antecedente del Impresionismo pero fue redescubierto con el Expresionismo. Fue un pintor adelantado a su tiempo.

[Quinto sello del Apocalipsis] [Vista de Toledo] Ciudad inquietante.

Goya: [Pradera de San Isidro] Bocas abiertas. Poseídos.

            [El aquelarre] Rasgos deformes.

Daumiere: [Vagón de tercera clase]

Toulouse Lautrec: posee ciertos rasgos expresionistas porque intenta caricaturizar.

                                [Cartel de Moulin Rouge]

AUTORES

1. ETAPA DE INFLUENCIA SIMBOLISTA - MODERNISTA

1885-1905. Inicios Grupo “El Puente”

EDVARD MUNCH (1863-1944)

• Noruego.
• Es un pintor expresionista del grupo “El Puente” (aunque no toda su obra es expresionista).
• Se encuadra dentro de esta primera etapa.
• Lo más importante de su obra es que intenta reproducir en su pintura los sentimientos humanos más profundos, como la angustia, el terror, el miedo a la muerte, la soledad, e incluso el erotismo (sexo).
• Va a ser un pintor atormentado (sin padecer ninguna enfermedad como Van Gogh). La causa es que ve cómo muere su madre. Dos años después su hermana mayor también muere y se queda sólo con su padre, el cual era ultrarreligioso y violento. Él decía que su infancia había sido opresiva y triste.
• Desde los años 80’ sigue la estética de la pintura realista. Sin embargo, un poco más tarde, con el Impresionismo, desarrolla la estética impresionista.
• Hasta 1889, generalmente realiza pinturas cercanas al Impresionismo. En ese mismo año conoce la obra de Van Gogh, lo que le causa un gran efecto y hace dar un giro al tipo de pintura que realizaba hasta ese momento.
• A partir de 1889, va a realizar un ciclo de pinturas denominado ‘El friso de la vida’. Se dedica a pintarlo durante años. En estas pinturas intenta captar la memoria sentimental de su propia persona.
• Obras de ‘El friso de la vida’:

[La melancolía, 1892-1893] Es una pintura con pinceladas violentas. Utiliza mucha curva y contracurva pero a la vez ángulos. Combinación de colores que crean angustia. La persona del primer plano trasmite esa melancolía. Es una escena un poco fantasmagórica por sus tonalidades azules, las misteriosas olas o los árboles de colores arbitrarios. Influencia de Gauguin. No existe sentido simbólico del color.

[La enredadera roja] Rostro con al cara deformada. Refleja la angustia de la vida. El camino es el misterio.

[La voz] Deseo por escuchar la voz pero la boca de la persona está cerrada.

[Muerte en la habitación del enfermo] El enfermo está oculto. Es lo oculto lo que crea misterio y miedo. Colores tétricos y apagados.

• Su obra más famosa es [El grito, 1893] Absoluta angustia, miedo, terror. Se puede analizar desde tres puntos de vista:
  • La influencia de Oslo; de su estancia allí, de su vida bohemia.

Munch criticaba la vida de la burguesía de Oslo, propia de la Revolución Industrial. Criticaba la pérdida de los valores humanos, de las emociones. Según él, se habían vuelto personas convencionales con estrictas normas morales que no daban rienda a sus sentimientos, a la libertad. Munch sentía como una atmófera opresora (represión moral) dentro de esa sociedad.

Como en [Atardecer en el Paseo Karl Johann] Desfile de zombies. Representación de la burguesía de Oslo. Cielo tenebroso. Azul extraño.

• La influencia de la situación social en París, ciudad en la que pintó la obra.

En París existen continuas manifestaciones y protestas sociales. Es una ciudad en movimiento, donde se critica continuamente. Munch critica esta situación utilizando una serie de rasgos expresionistas: deformación de los rostros, composiciones agresivas y pinceladas violentas. Lo que intenta mostrar con esos rostros es tristeza y terror.

[Fragmento del diario de Munich describiendo la historia de El grito] La figura en primer plano sería él mismo. Representa esa figura como si fuera una momia que lo único que hace es abrir la boca y cerrar los oídos. Se aprieta la cara como si le fuera a estallar la cabeza por el “alarido infinito de la naturaleza”. Utiliza una pincelada en forma de curvas y contracurvas, como representado las ondas del sonido. Es una composición en perspectiva diagonal. La crítica a la sociedad burguesa está al final del puente. Son dos personas sin rostro que permanecen tranquilas dentro de ese terror. Simboliza la falta de ayuda cuando se ve a una persona sufrir; es la falta de sentimientos. Colores agresivos: rojos y azules.

También realiza una serie de desnudos llamados ‘madonnas’ a pesar de que era misógino, es decir, odiaba a las mujeres.

• ‘Madonnas’:

[Madonna, 1894] Intenta reproducir con sensualidad el rostro pero parece una vampiresa. Halo rojo demoníaco, fondo neutro que rodea la figura. Pincelada larga y muy violenta junto con los colores tétricos dan lugar a una pintura inquietante.

[(otra)] Espermatozoides alrededor de la figura. Perra vida.

[Amor y dolor, 1894] Mujer pelirroja (fuego, sangre). Situación de terror. Fondo desconocido. Tal vez, representa el sentimiento de Munich hacia las putas que frecuentaba, o una pesadilla sobre su hermana.

• La utilización de unos rasgos típicamente expresionistas (autores de “El Puente”).

[El asesino, 1910] Colores chillones, extravagantes. A partir de ellos estructura el cuadro. Cera verde del asesino. Desconocemos su rostro.

2. GRUPO “EL PUENTE”

1905-1910

KIRCHNER (1880-1938)

•  Características de su pintura:
• Colores agresivos, estridentes, chillones.
• Trazos angulosos (que va a contrastar con trazos curvos en la 3ªetapa). A través de ellos, intenta reproducir esos sentimientos humanos más primitivos. Además, también va a tener influencia del arte africano, que se ve sobre todo en los rostros.

Ej: [Desnudo de rodillas ante un biombo rojo, 1911] Dureza de las curvas

     (ángulos) que se agranda con esos rostros influidos por el arte africano.

[Autorretrato con modelo, 1907] Colores chillones.

• Obras más conocidas: son las que realiza representando las calles de Berlín.

[Cinco mujeres en la calle, 1913] Las sitúa de una manera extraña. La composición es equilibrada pero absolutamente irreal. Fallos de perspectiva. Crritica la superficialidad de la sociedad berlinesa. Ausencia de sentimientos (≈ Munch). Líneas rectas (no existen curvas) que dan dureza.

[Mujeres en la calle, 1914] Pose desequilibrada. Crítica de la sociedad.

[Escena de la calle 19, 1913-1914] Pose del caballero. Critica de nuevo la artificialidad de la sociedad.

[Calle con buscona de rojo, 1914] Colores cada vez más chillones. Primer plano Sra.Buscona, sus piernas forman un ángulo (la curva no existe). La gente ve normal todo lo de la calle. Nadie le presta ayuda a esa puta.

[La plaza de Postdam, 1914] Las mujeres representan la fachada y no los sentimientos de las personas.

EMIL NOLDE (1867-1956)

• Características de su pintura:
• Colores estridentes, agresivos (=Kirchner)
• Deforma los rostros. Sin embargo, siempre pinta máscaras son sentido expresivo, es decir, quiere que el espectador tenga un ‘shock visual’ y, al mismo tiempo, emocional; que provoque al espectador.
• Utiliza en gran medida las máscaras, como Ensor.

Ej: [Máscars. Naturaleza muerta, 1909-1911]

[Gente emocionada, 1913] Colores chillones, que crean terror. Distorsión de formas. Rasgos toscos. Verde = violencia.

[Mujeres y Pierrot] Deformidad en los rostros sin curvas, sobre todo formas angulosas. Muestra la angustia y lo terrible del ser humano.

[El entusiasta, 1919]

• Entre 1913 y 1914 viaja a Nueva Guinea, donde su pintura se ve influida por el arte tribal. A partir de entonces utiliza figuras/modelos planos, fuertes contrastes de color (=Gauguin). Es una pintura que siempre va a mostrar amenaza, inquietud.
• Su pintura está relacionada con la de Rouault porque ambos llevan a cabo obras de carácter religioso.

Ej: [Susana y los viejos]

[El escarnio de Cristo] Cristo tiene la misma importancia que los apóstoles. Sonrisas macabras.

[Crucifixión, 1912] Forma parte de un retablo. Manos no tan impresionistas. Colores llamativos. Recuerda a la de Grünewald.

•                A partir de 1914, Nolde va a realizar una serie de paisajes. Sobre todo representaciones marinas, con nubes de colores oscuros, fríos e incandescentes.

Ej: [Mar tranquilo con barco de vapor]

[Atardecer de otoño, 1924]

[Palmeras en la playa, 1915]

• Autores que influyen en su pintura:

*JAMES ENSOR (1860-1949)                            [Se puede explicar junto a Munch]

Tiene mucha relación con la pintura de Nolde porque también pinta máscaras.

• Obras:

[Autorretrato con máscaras, 1880] Representa diferentes personalidades. Crítica social: los sentimientos de la sociedad están ocultos, dentro de la máscara. Las mascarás representan la crítica a la sociedad.

17/11/2010

[Entrada de Cristo en Bruselas o Domingo de Ramos] Colores estridentes, muy llamativos. Representa la ciudad como si fuera un carnaval. Intenta mostrar la opresión, la angustia, el desconcierto. (≈¿Dónde está Wally?). Cristo es una pequeña mancha roja y dorada que pasa desapercibida. Critica el individualismo. Multitud de cabezas y personas. Representa la opresión a través de la multitud de colores y direcciones en las que miran los personajes. Jesús como un icono/origen de los sentimientos humanos. Pintura: fiesta, espectáculo, comedia absurda…Recuerda a El Bosco o Brueghel. Critica a la sociedad alemana. Máscaras de esqueletos que representan la muerte.

*CHAIM SOUTINE (1893-1943)

• Utiliza un colorido alegre en sus cuadros.
• También representa la angustia y la opresión en la vida
• Va a tener una vida llena de miserias (llegó a pasar hambre).
• Su pintura tiene un alto contenido de crítica social.
• Sus cuadros son desgarradores. En ellos no hay esperanza (característica de “El Puente”). Ej: [Los arenques] Representación formal simplificada (pocos elementos a la hora de representar: vaso, plato, cubiertos, mesa). Intenta reproducir la miseria y el hambre que pasó. Parece que los peces siguen vivos, que tienen miedo de ser devorados. El vaso no tiene agua. Demuestra su propio sentimiento interior.
• En 1920 lleva a cabo una serie de paisajes en Ceret.

Ej: [Casas de Ceret] es un cuadro violento tanto en sus pinceladas como en sus colores. Representa la angustia interna del artista.

     [Ceret o Casas] Continuo movimiento. Como si el mundo se fuera a deshacer. Mundo de desesperanza. Expresionismo alemán puro y duro (angulaciones…)

• También lleva a cabo retratos. Siempre distorsiona a sus retratados como El Greco, el cual fue uno de sus maestros. Distorsiona a sus personajes para hacer sentir cierto horror al espectador, aunque en ocasiones crea más humor que terror (a veces ambas).
• Influencia importante de Amadeo Modigliani con las extremidades largas, los cuellos alargados, la distorsión…

Ej: [Retratos de los niños de Soutine] Manos expresionistas, distorsión del personaje. Cierto tono de humor en la sonrisa. Representación horrorosa de la realidad pero con cierto humor (después de un asesinato). Manos en el regazo.

• Retrata mucho a cocineros, por el hambre que pasó en su infancia. Está obsesionado con la comida. Retrata también pasteleros, bodegones…

Ej: [Trabajador de un hotel] Dos representaciones, cada una con una mueca en la boca. Manos no en el regazo.

[El pastelero de Cannes, 1922] Para él la comida es muy importante. La cocina para él tiene un doble sentido: placer y dolor por la úlcera de estómago que padecía. No podía comer lo que quería (prohibida la carne y el pescado).

OSKAR KOKOSCHKA (1886-1980)

• También pertenece a “El Jinete Azul”
• A partir de 1910 va a realizar una serie de retratos en los que intenta representar a los intelectuales de Berlín de aquella época. La denomina ‘Pinturas negras’. Él decía que, más que representar la sociedad de Berlín, representaba la sUciedad del alma.

Ej: [Adolf Loos, 1909] Autor de “Ornamento y delito”: crítica al excesivo decorativismo de la sociedad berlinesa (secesión). Aparece pensativo, reflexivo. Colores apagados. Hizo que Kokoschka cambiara su estilo. Se convirtieron en grandes amigos.

• Características de su pintura:
• No existen elementos decorativos en su pintura.
• A la hora de retratar intenta captar la psicología del personaje, a través de los ojos (= Van Gogh), las facciones del rostro…Importante la representación de las manos: huesudas, muy grandes, como si hubiese pasado una corriente eléctrica por ellas.
• Utiliza fondos neutros en sus retratos para no desviar la atención del espectador. Para ello también intenta deshacer la forma. Lo que rodea al retratado es ambiental.
• Cuando retrata a su amante utiliza colores más juveniles.

[Alma Mahler] Viuda de Gustav Mahler (pianista). Amante de OK entre 1910-1914. Relación bastante fuerte y violenta basada fundamentalmente en el sexo. Embarazo, aborto, ella lo deja, él sigue enamorado. Colores más alegres, cierta esperanza en la vida, (excepción del grupo “El Peunte”).

[Arnold Schömberg] Músico. Importancia de las manos. Pianista. Colores serios, no llamativos.

• Pinceladas violentas, trazos agresivos, brochazos.

[La novia del viento o La tempestad, 1914] Es su obra más conocida. Representa un momento feliz y fugaz. Intenta siempre captar estos momentos fugaces en su obra. A través del sueño recuerda su momento más feliz con su amante. Se autorretrata serio, pensativo, despierto; y a Alma dormida sobre su pecho. Puede ser el momento más feliz de su vida. Deshecha la forma del resto del cuadro. Representa el paso del tiempo. La multitud de toques de color blanco intenta ver que son destellos de luz. Pincelada violenta con formas curvas.

[Los amantes, 1914] Se aprecian más los toques blancos, lumínicos. Escenas oníricas.

• Intenta siempre representar la soledad del hombre y su autodestrucción (se alistó en el ejército después de que Alma lo dejara).
• Lleva a cabo una serie de autorretratos en los que vemos cómo cambia su estado de ánimo y su fisionomía.

[Autorretrato de un artista degenerado, 1937] Colorido. Casi impresionista. Donde más plácidamente se pinta.

• En 1914 realiza [Bodegón con amorcillo y conejo] Características similares a [Los amantes]. cierta crítica hacia la contienda bélica que se avecina.

3. GRUPO “EL JINETE AZUL”

1910-1915

Como pasaba en el puente, no se trata de un movimiento artístico en sí, sino que estaríamos hablando de una asociación/comuna de artistas, una sociedad, cuyo único objetivo era conseguir un arte no imitativo y sí expresivo y espiritual. De hecho, este grupo va a llevar a cabo una serie de exposiciones con miembros del grupo El Puente e incluso también junto a artistas pertenecientes a la vanguardia rusa y junto a pintores cubistas. Por lo tanto, no es un movimiento artístico contemporáneo, es sólo una asociación, que pertenece al expresionismo alemán.

• CARACTERÍSTICAS DE LOS AUTORES
• La pintura de este grupo sería menos ruda que las del grupo “El Puente”, de hecho serían más delicadas, más espirituales.
• Más cerca del fauvismo francés que el grupo El Puente.
• No hay tanta crítica social como en el grupo El Puente.
• Al espectador la pintura de este grupo tiene que expresarle el sentimiento interior del artista, pero con una salvedad, que el autor intenta expresar su espiritualidad con su obra pero entiende que no todos los espectadores podrán captar su sentimiento interior. Si el espectador no puede captar su sentimiento interior, por lo menos que provoque algunos sentimientos. Entienden que no todo el mundo será capaz de entender lo que hay dentro de ellos. Esto hace que se acerque a la pintura fauvista, ya que por lo menos quieren provocar sensaciones y sentimientos al espectador.
• Se va a utilizar sobremanera la técnica de la acuarela.
• Va a haber una gran relación entre la pintura y la música lo que favorece a la abstracción. Esto lo va a favorecer la pintura de Wassily Kandinsky.
• En 1912 se va a publicar un almanaque titulado “El Jinete Azul”. Estaríamos hablando de unos artículos que versan sobre los diferentes estilos pictóricos que están de moda en Europa. Hay artículos dentro de este almanaque que hablan de pintura fauvista, sobre la obra de Matisse o sobre la obra de El Greco como un antecedente.  También se publican fotografías de estas obras que se están llevan a cabo en esos momentos.

• AUTORES

WASSILY KANDINSKY (1866-1944)

Fundador junto a Franz Marc de “El Jinete Azul”

Va a ser el cofundador junto con Frank Mark del Jinete azul.

• El nombre surgió tomando un café en las cafeterías de artistas, según cuenta el autor, a Franz Marc le gustaban los caballos y a Kandinsky los jinetes azules.
• Nace en Moscú. Es superdotado.
• Se va a formar musicalmente y estudiará leyes, se licencia en derecho y en economía. Va a estar dando clases en la universidad de Moscú hasta los 30 años. A partir de aquí lo deja y sigue una de sus pasiones, la pintura.
• A partir de los 30 años se va a dedicar casi exclusivamente a la pintura. Lo que le llama la atención es el impresionismo y toda la pintura que existía y se exponía en el Hermitage de Leningrado.
• En 1896 se traslada a Múnich, para estudiar pintura en un estudio privado, tiene que formarse. En este estudio privado donde conoce a Jawlensky. [El retrato de Alexander Sacharov] Pintor expresionista.
• En el año 1900, Kandinsky va a ser aceptado en la Academia de Múnich, donde coincidirá entre otros con Paul Klee. Aunque entre en la academia no va a pintar bajo la estética académica.
• En 1901, crea una asociación de artistas donde se realizaban exposiciones y que también tenía una escuela de pintura. La asociación se llamaba PHANAX.
• Se van a realizar 12 exposiciones dentro de esta asociación al más alto nivel internacional, expusieron entre otros, autores como Signac o Toulouse Lautrec.
• En 1904 se disuelve la asociación.
• Entre otras cosas, de esta asociación podemos sacar una conclusión o un hecho, y es que allí Kandinsky va a conocer a una mujer, una pintora, Grabiele Münten, quien se convierte en su amante.
• En 1908, Gabriele y Kandinsky se trasladan a un pequeño pueblo llamado Mournau. La estética de la pintura de este autor en este pueblo va a ser :
• colores brillantes y ricos contrastes de color
• construcción del cuadro a través de estos colores, eliminando todo aquello que no fuera en pro de la expresión cromática, que no resultase vistoso para una impresión de color
• técnica del cloisonismo.
• En 1909 funda otra asociación de artistas, la denominada Nueva Sociedad de Artistas de Múnich, vigente entre 1909 y 1912. Dentro de esta sociedad es cuando la obra de Kandinsky va a tender ya a la abstracción. En sus obras vamos a ver una abstracción que a partir de 1910 va a tener un sentido espiritual. El contenido espiritual y la abstracción vienen dados por el interés del pintor a la hora de intentar relacionar la pintura y la música, de hecho sabemos que en 1911 Kandinsky y Frans Mark acudieron a algunos estrenos de las obras musicales de Arnold Schönberg. Este músico es uno de los creadores de la música atonal. La música atonal quiere que se convierta en pintura en el espiritualismo de su obra. De todo lo que gira en torno a esta idea, este pintor en 1912 escribirá un pequeño ensayo titulado “Sobre lo espiritual en el arte” (escrito en 1911 y publicado en 1912). En este libro va a explicar una Teoría de sonidos del color.

• Lo planteado en este ensayo se puede explicar a través de la obra [Composición V, 1911] Lo figurativo realista se va eliminando. En esta obra apenas vemos referencias figurativas reales, tan solo vemos una referencia figurativa muy sutil del Kremlin de Moscú. Se puede apreciar una barca con tres remos. Estas ligeras referencias no se van a perder hasta 1920. La referencia de la barca la vemos en su obra de [Improvisación 26, 1912].
• Como en la música atonal de Schömberg, las contradicciones y oposiciones de tonos, es lo que va a querer perseguir este pintor en su obra.
• A partir de [Composición V, 1911] intenta conseguir un caos sentimental a través de esas oposiciones de colores y formas.
• La personalidad de este pintor es peculiar. Es un hombre muy reflexivo e intuitivo; es un teórico del arte.
• A partir de 1896 empieza a cultivar una estética académica unos meses, después impresionista, fauvista y postimpresionista. Con todo ello, va a sacar las conclusiones que crea convenientes para organizar una nueva teoría, la Teoría del Arte. Analiza todo lo que le llega para sacar estas conclusiones. Todo su mundo artístico se puede reducir a tres tipos de obras (cronología no exacta):
• Hasta 1910 las obras que lleva a cabo se llaman impresiones: son las imágenes que le llegan a este autor de la naturaleza, del exterior, y que apenas son reelaboradas mentalmente, apenas se reflexionan. Estas pinturas se acercan a la estética fauvista.
• Entre 1910 y 1921 las obras que lleva a cabo, generalmente, se denominarían ‘improvisaciones’. Generalmente tienen su origen en el interior del artista, en el inconsciente. Se generan de manera espontánea. Estas pinturas ya van tendiendo hacia la abstracción, pero puesto que proceden del interior del artista, también llevará un sentimiento implícito. Por lo tanto estaríamos hablando de unas obras cercanas al expresionismo abstracto.
• A partir de 1921, son obras muy meditadas, muy reflexivas, muy geometrizadas en algunos casos, a estas obras se les denomina ‘composiciones’. En estas composiciones es donde debemos hablar ya de abstracción que podríamos llamar constructivista. Se reflexiona mucho en cómo crear el cuadro.
• Obras:

[Vista de Mournau, 1908] Obra hecha en Mournau. Es una obra llamativa, con contrastes de colores muy llamativos. Elimina lo superfluo. Utiliza la técnica del cloisonismo, encerrando elementos con un color plano. Podría ser una ‘impresión’.

[Mournau con arcoiris, 1909] Contrastes fuertes de color, un amarillo muy chillon por la derecha y colores apagados por la izquierda.

[Vista de Mournau con ferrocarril, 1909]

[Iglesia en Mournau, 1910] Ya hay diferencia con la primera obra. Se parece a la estética fauvista. Tiende hacia sentimientos buenos. No hay cosas figurativas muy realistas, se tiende a la abstracción.

[Montaña en azul, 1909] Se va acercando hacia la espiritualidad que quiere otorgar el autor a su obra. En este tiempo se va a dar cuenta que lo importante en su obra no es la figuración realista, sería algo secundario. Lo verdaderamente importante de su pintura sería la riqueza cromática y la simplificación formal. Esto es la base de la idea de la tendencia hacia la abstracción.

[Composición IV, 1910] La autonomía es tan grande y la simplificación formal y la representación del espacio es tan confuso que es casi imposible saber qué es lo que realmente querría representar en una figuración real. Estaría representando de manera realista la lucha de caballeros en un país de hadas. Se ven líneas paralelas/rectas creando ángulo y esto podría suscitar al espectador intranquilidad. La armonía de colores es tal que llega a crear cierta emoción agradable al espectador. Centrando la composición vemos una montaña azul al igual que en su obra de 1909 montaña azul, veremos que se trata de una composición reflexiva. En la parte derecha del cuadro aparecerán colores que crean tranquilidad para contrastar con la parte izquierda que era menos agradable, tiene que compensar el cuadro. En el centro aparecen lo que parecen ser tres kosakos (soldados rusos) y a la derecha dos amantes que están siendo observados por dos personajes que se encuentran encima de una montaña vestidos con túnicas.

24/11/2010

[Monte, 1909] Insiste en lo mismo que en las obras anteriores. Intenta buscar una simplificación del dibujo y dotar de una mayor relevancia a la impresión del color.

Intenta crear una armonía de colores. La montaña es el objeto central de la obra, lo más importante, que tiene forma de pirámide (simbología mágica, espiritual: representación de Dios). Predomina también el blanco, que significa la nada, el vacío más absoluto. Un vacío pero lleno de esperanza, un mundo por crear que está unido a lo celestial, a lo espiritual, a lo que él intenta alcanzar: (la montaña). En la cúspide de la montaña hay una mini-armonía de colores con los que intenta representar al artista visionario Dios. Lo que hace Kandinski a través de esta simbología es simplificar las formas, depurar las líneas. Cuanto más se llega a la abstracción más se consigue la espiritualidad y con ello la pureza del alma. Es todo muy filosófico. Todo ese mundo que intenta representar va a estar rodeado de rojo, que es la energía.

[Estudio de la naturaleza de Mournau I, 1909] Aparece otra vez ese simbolismo del monte azul. El color azul es símbolo de lo espiritual. Tiende a la espiritualidad. Parece que el espectador tiene que alcanzar esa montaña azul a través del camino también que le lleva a  esa montaña. Ese camino crea cierto misterio, cierta magia puesto que no vemos donde confluye con el monte azul. Es un camino espiritual que parece que va a ser largo. Este tipo de simbología tanto de forma y color es lo que va  a llevar a cabo en su pintura.

[Paisaje con manchas rojas, 1913] Se intenta construir el cuadro a partir de colores, pero lo que centraliza la pintura es la montaña azul. Es una pintura con energía disgregada (con manchas rojas) por toda la obra que intenta dar vitalidad. Se marca el piramidión (cúspide de la pirámide).

[Impresión III o El concierto, 1911] Vuelve a basarse en la obra de VG en lo referido a la utilización simbólica de colores. Las impresiones serían mezcla de impresiones ópticas y de vivencias psíquicas interiores. Lo que un paisaje significa en VG. Tiene mucha relación con la música de Arnold  Schomberg. En 1911 Kandinski y Marc acudieron a varios conciertos. Lo que quiere transmitir aquí Kandinski es un sonido amarillo, intenta sugerirlo. Este sonido irradia por todo el cuadro. No había relación entre forma y color. Por eso, los tonos bajos del piano intenta representarlos con este color amarillo. Existe un contraste con el color negro, que si representa algo físico, el piano. Es un cuadro que denota alegría. Esa mancha negra en unión con el amarillo, estarían orientados en una diagonal que intenta sugerir alegría, dinamismo, es un movimiento ascendente. Lo que menos importancia tiene son los espectadores, simplificación total, simplemente unas líneas a la izquierda. A través de los espectadores vemos como se mueven el sonido amarillo y siempre hay pequeños toques azules junto al piano que crean el cuadro, dando a entender la espiritualidad del éste. También hay fuerza y energía representadas a través del rojo.

• Los colores siempre van a tener un efecto psicológico y físico en el espectador, es decir, influye en los sentidos del espectador, en el tacto, en el gusto, en la vista, también al oído (intenta representar el sonido a través de la pintura). Esos colores van a influir en el alma humana. Se crearía algo así como una especie de 'cromoterapia'. El rojo, aviva el corazón; el azul podría crear una calma y espiritualidad excesiva que podría llegar a paralizar la mente (trastornos mentales). El amarillo muy chillón haría apartar más rápidamente la mirada del espectador de la obra que si fuera un rojo, por ejemplo.
• [Fragmento de la Teoría del Arte de K]: “El color es la tecla, el ojo el macillo, el alma es el piano con muchas cuerdas, el artista es la mano…que hace vibrar adecuadamente el alma humana…”(Principio de la necesidad interior)
• Dentro de esta teoría habla de colores fríos como cálidos que hacen resonar el alma:
• El amarillo: se asocia al sonido de una trompeta tocada con fuerza. Ej: el concierto. También el sonido de un clarín. Representa un estado de locura furiosa, de rabia, de delirio, de éxtasis. Si se une  con el azul, el amarillo pierde intensidad por lo que se pierde fuerza, que da al espectador una sensación enfermiza.
• El azul: transmite calma, virtud, tranquilidad al igual que VG. Excepto en esos cuadros con cielo azul intenso que podría provocar una sensación de tensión al espectador. Cuanto más oscuro sea el azul, más sensación de tristeza e incluso si un azul normal se pinta al lado de un negro también sugeriría la misma sensación al espectador: tristeza.
• En cuanto a su relación con la música, el habla de un azul claro como el sonido que sale de un violín. El azul oscuro, al sonido de un violonchelo y el azul más oscuro aún, marino o casi negro, lo asimilaría con el sonido de un contrabajo.
• El verde: le sugiere complacencia, satisfacción, comodidad de la vida, conformista. Cuando piensa en verde piensa en una vaca gorda que rumia y mira embobada. Relativo con la música, cree que intenta sugerir los tonos tranquilos y alargados del violín.
• El blanco: simboliza la nada más absoluta, pero llena de esperanza. A partir del blanco se puede construir todo, la vida: “Quizás la tierra sonaba así en los tiempos de la era glacial”
• El negro: también sería la nada pero esta vez, sin posibilidades, el vacío más absoluto.
• En música, estaríamos hablando de un silencio eterno (la muerte).

“Todas estas afirmaciones son resultado de un sentimiento anímico empírico”

• Reconoce que todo esto son generalidades y que las diferentes tonalidades de color, como los diferentes tonos en música podrían sugerir sentimientos diferentes, es decir, sensaciones más finas, más detalladas.
• El autor, según K debe encontrar la fórmula perfecta entre forma y color para poder expresar. Para ello, hay que tender hacia la abstracción puesto que el abandono paulatino de la forma natural y el acercamiento a la forma abstracta intentarían llegar hacia la espiritualidad.

FRANZ MARC (1880-1916)

• Comienza a pintar bajo una estética impresionista. Sin embargo en el año 1903 descubre la obra de Van Gogh.
• En 1910, se va a hacer muy amigo de August Macke y de Kandinski.
• Su expresionismo nace del realismo, y nace del color impresionista, es decir, de esas teorías de colores científicas de los impresionistas.
• Poco a poco en su obra, vemos cómo se utilizan menos colores primarios y secundarios; reduce su paleta de colores. También poco a poco, las formas se van alejando de la realidad, se va simplificando, va quedando sólo el color y, como la de K, persigue construir la obra a través de los colores.
• Influencia del cubismo y el futurismo.
• Va a pintar animales porque quiere representar la verdad de la naturaleza, la esencia de ésta. Para llegar a conocer esa verdad, utiliza animales ya que está convencido de que en el ser humano se han perdido esos sentimientos que aún pertenecen en los animales (crítica a la frialdad de la Alemania de esa época). Si se han perdido esos valores, es imposible que el ser humano los conozca.
• Hay una verdadera crítica social es su pintura a través de los animales (al igual que Munch). Humaniza a los animales.
• Intenta representar a partir de caballos, zorros, vacas... los verdaderos sentimientos de bondad que ha perdido el hombre. Por eso, casi nunca representa al hombre (realiza desnudos de mujer pero mínimamente).
• Usa líneas curvas, muy estilizadas, elegantes para buscar la esencia de la naturaleza.
• Además utiliza colores arbitrarios porque es como si tendiéramos a una naturaleza ideal. Son colores que existen pero en verdad no son los que vemos.
• Obras:

[Caballo en un paisaje o caballo en un paisaje, 1910] El caballo mira hacia un campo sin pudor ni miedo. Los colores tienen valor simbólico, al igual que los animales.El azul va a representar lo masculino. Los caballos serían lo rudo y lo espiritual. Intenta simplificar tanto las formas que pinta sólo con manchas.

[El amor a la familia, 1910] Se rozan entre sí, como cuando se busca el calor familiar.  El intenta simplificar tanto las formas que casi llega a pintar con manchas. Con pequeños toques da forma a algo.

[La vaca  amarilla, 1911] Influencias del cubismo y futurismo. Dibujo más marcado. La vaca sería la alegría de vivir y el amarillo sería lo femenino.

[Fragmento de un escrito de FM] Intenta ver el mundo desde el punto de vista del animal, no desde lo que siente el hombre. Cómo ve el animal la naturaleza.

[Querido ciervo, 1913] Rojo pasión. Influencia del futurismo. El ciervo es lo infantil, lo tierno.

[Ciervo en el jardín del monasterio, 1912] Influencia del futurismo de Merinetti

[Zorro]

[La lucha entre el bien y el mal, 1914] Influencia de Kandinsky

25/11/2010

AUGUSTE MACKE (1887-1914)

• Uno de los máximos representantes de este grupo expresionista alemán.
• En 1910, su amigo del alma FM le pone en contacto con K y se une al grupo del Jinete Azul.
• A partir de 1912, vemos influencia de la pintura de Robert Delaunay (creador del cubismo órfico junto a su mujer). Son colores vivos, contrastes muy fuertes y sobre todo la tendencia a la forma esférica, la creación de círculos, la proliferación de las formas curvas.
• Influido por el futurismo.
• Casi toda la obra va a ser muy exótica y es que en 1914 realiza un viaje a Túnez junto a Paul Klee, donde queda maravillado por su luz y exotismo.
• Obras:

[Vista de una calle, 1914]

[Dama con chaqueta verde] Expresar a través de colores.

[Gente en el lago]        

A partir de 1912, realiza una serie de pinturas sobre escaparates que se han relacionado con la serie ‘ventanas’ de R.Delaunay (sobre todo por el color):

[Sombrerería]

[La ventana de la tienda luminosa larga, 1912]

Esta serie de escaparates recuerda las fotografías de escaparates de Eugenne Arget

PAUL  KLEE (1879-1940)

• Nace dentro de una familia llena de músicos, va a ser un gran violinista.
• Relación existente dentro del Grupo El Jinete azul entre la pintura y la música.
• La temática de sus obras giran en torno a la música, a la poesía o a los sueños.
• En 1914 viaja a Túnez junto a August Macke y van a quedar impresionados por la luz. Esto hace que cada vez más, en su pintura tome más relevancia el color. Por ello la composición de sus cuadros cada vez serán más sencillas para que la atención del espectador se centre en el color. Estas composiciones tienden tanto a la sencillez que incluso parecen mosaicos algunas de sus pinturas.

[Crecimiento cromático, estático, dinámico, 1923] Prima el estudio del color.

[Abstracción en negro. Antiguo sonido, 1926] La sencillez absoluta.

• Influencia de Robert Delaunay  (cubismo), tiene tanta admiración que, en 1913, Klee  traduce de la revista ‘Der Sturm’ un artículo del propio Delaunay titulado ‘Sobre la luz’.
• La muerte de dos de sus grandes amigos, pertenecientes al grupo el jinete: Make y  Marc, marca tanto su vida como su propia obra. Por eso notamos ciertas referencias a la muerte y una  progresiva abstracción.

“Cuanto más horrible se hace este mundo, más abstracto se hace el arte en cambio un mundo de paz hace un arte realista”.

• Como los futuristas apropia la dinámica del arte. En muchas ocasiones vamos a ver objetos representados en primerísimo plano.
• Obras:

[Gato y pájaro] Cierta referencia a la muerte. Los gatos persiguen a los pájaros. Influencia del color, tiende a colores oscuros, pocos pero muy llamativos. Construcción del cuadro con pocas líneas.

[Cabeza de un famoso ladrón, 1921]

[Joven proletario, 1916] Parece que se acerca más al grupo ‘El Puente’.

25/11/2010

TEMA 6: CUBISMO

INTRODUCCIÓN

• Al igual que el Fauvismo, el nombre de este movimiento pertenece al crítico Louis Vauxcelles; de cómo ciertos pintores pintan con cubos.
• Picasso va a ser el descubridor de este movimiento artístico a partir de una obra concreta llamada [Las señoritas de Avignon] terminada en 1907.
• El cubismo es algo  mental, es algo muy reflexivo, no es expresivo porque pierde la espontaneidad del Expresionismo, la libertad; en definitiva, pierde sinceridad a la hora de expresar y representar en pintura los sentimientos interiores del artista, como el Puntillismo.
• Con el Fauvismo se había perdido casi el contacto con la realidad, ya que lo único que importaba a la hora de componer el cuadro era la armonía de color. Con el Cubismo se va a intentar volver a crear un mundo real, pero sin formas reales. Por eso en el cubismo es absolutamente impensable la recomposición del cuadro como si fuera un puzzle, porque lo que estamos viendo sería una nariz descompuesta en diferentes planos y diferentes puntos de vista, y si hay diferentes puntos de vista es imposible. Se basa en realismo pero no en la reconstrucción del personaje con formas realistas.
• Si en el pasado también se intento descomponer la realidad en formas geométricas, en el cubismo también se va a intentar pero llevado a otro nivel. No obstante el cubismo no va a empezar tomando como punto de partida obras del Renacimiento ni del Mundo Antiguo, si no que toma la obra de Cézanne y la de los puntillistas; porque van a intentar reconstruir la idea del volumen real.
• En el caso de Cézanne, utilizaba color arbitrarios, no se preocupaba por la luz, pero los puntillistas sí como en [Tarde de Domingo en Le Gran Jatté], y del volumen también. No buscan colores arbitrarios sino que se basan en las teorías científicas del color. Esto mismo es lo que van a hacerlos cubistas.
• Dentro del Cubismo debemos de hablar del analítico y del sintético.
• El CUBISMO ANALÍTICO intenta descomponer los cuerpos en formas geométricas de una manera inmediata, para ello se van a  utilizar tantos planos como sea necesario para poder ver desde diferentes puntos de vista aquello que se quiere representar. Puesto que va a haber múltiples puntos de vista. Puesto que hay múltiples planos (miniplanos), la luz también es importante para los cubistas; se disgrega, es decir, existe un foco de luz. Y por eso la luz tiene que estar en todos los planos. Puesto que la luz se disgrega los colores van a tender a la monocromía, a unos no colores, a colores apagados (grises, marrones, alguna tendencia al verde…).
• Sin embargo existe otro cubismo a partir de 1912, el CUBISMO SINTÉTICO. En este se lleva a cabo el paso contrario: si en el anterior partíamos del objeto para lograr esa esencia y reducir todo a figuras geométricas, aquí a partir de esa multiplicidad de planos a reconstruir el objeto; de la idea/esencia al objeto. Y si volvemos al objeto se vuelve al color porque se recupera la luz.
• En el Cubismo siempre vamos a ver una perspectiva múltiple, más acentuada esto en el C.analítico ya que hay multiplicidad de planos. Se va a intentar que todas estas múltiples perspectivas aparezcan en primer plano. Puesto que queremos mostrar todas las cosas que se representan en el cuadro, desde diferentes puntos de vista.
• Hay una unión entre el espacio y el tiempo. El concepto de tiempo se incluye en la pintura por primera vez, por ello la pintura cubista tiende hacia la abstracción (desde el punto de vista criptológico). Sobre todo en el C.Analítico es muy difícil saber lo que se representa.
• En 1912 nos encontramos con un cubismo hermético durante meses.
• En el Cubismo (sobre todo analítico) que no sabemos muy bien qué se está representando y vemos engaños ópticos porque se crean planos irreales.

ANTECEDENTES

El arte fenicio, o el arte primitivo íbero/ibérico [Relieves de la antigua muralla de Sevilla que se descubrieron el 1903], el arte egipcio, el arte románico, el arte negro africano.

También en el Renacimiento en: la obra de Paolo Uccelo [La batalla San Román, siglo V] Intenta representar el mismo caballo desde diferentes puntos de vista o posiciones. O la reducción a formas geométricas de Piero della Francesca en [El sueño].

Fundamentalmente, a pesar de estos antecedentes, la estética cubista se origina con Cézanne y los puntillistas.

Dentro de la estética cubista también se va a escoger una frase de Leonardo Da Vinci que va a definir muy bien lo que es el Cubismo: “La pintura es algo mental, a través de la representación de un objeto se intenta llegar a la esencia de ese objeto”.

Aunque haya multiplicidad de perspectivas, planos y puntos de vista, todo se intenta llevar siempre a primer plano por lo que se elimina la profundidad (en el analítico). Serían unas pinturas planas, se eliminan los conceptos de ‘delante’ y de ‘detrás’ puesto que todo está en 1er plano. En un primer golpe se vista: el perfil, la planta, frente...

La introducción de determinados elementos realistas como el collage, páginas de periódicos, telas… para dotar de mayor realismo a ese cubismo analítico que se ha vuelto tan críptico (=difícil saber lo que representa) que casi es tan difícil lo que se está representando. Son una especie de “pistas” para saber lo que se representa.

ETAPAS

• En 1907 Picasso pinta [Las señoritas de Avignon].

• Entre 1907 y 1909: CUBISMO CEZANNIANO O PRECUBISMO.

• A partir de 1909 hasta 1912: CUBISMO ANALÍTICO, que se centra fundamentalmente en la figura de Picasso y de Georges Bracke. Dentro de esta etapa, se desarrolló durante algunos meses el CUBISMO HERMÉTICO.

• Entre 1912 y 1914 (algunos suman hasta 1916): CUBISMO SINTÉTICO.

• Entre 1914/1916 y 1920: DIFUSIÓN DEL CUBISMO.

1. ALGUNAS OBRAS CUBISTAS DE PICASSO

A partir de 1907 vemos influencias en Picasso en las que se intuye la estética que va a venir: el Cubismo.

[Gertrude Stein, 1905-1906] Es un retrato de una amiga suya. El cuerpo voluminoso se está intentando reducir a figura geométrica. El rostro puede acercarse al arte primitivo ibérico que en el 1903 se descubrieron los relieves en Sevilla, y se llevaron al Louvre y el pudo verlos; o a máscaras del arte africano (arte negro). Pequeños detalles que van a desembocar en el Cubismo. El rostro es tan duro que parece una máscara. La oreja que aparece es de Cézanne.

[Autorretrato con paleta, 1906] Influencia del arte primitivo ibérico, con una mandíbula prominente, orejas grandes y volumetría. Se ha simplificado más aún la forma para destacar la sencillez de las líneas. Ojos vistos desde diferentes puntos de vista.

[Autorretrato, 1907]

Todas estas obras son precursoras de [Las señoritas de Avignon] Muchos bocetos, y ensayos para llegar a está. Se tardaron meses en hacerla. El tema que Picasso toca serían las prostitutas de un burdel de Barcelona de la calle Avignon. Podemos ver como hay 5 mujeres. Las dos centrales tienen una pose más clásica, mirando de frente al espectador como si el espectador fuera un mirón (voyeur). Las mujeres de los extremos que están de pie son las que entran en la escena; influencia del arte egipcio. Dos mujeres entran por los laterales, como deslizando unas telas, se parecen al arte negro. Solo están sus facciones representadas desde un punto de vista, realista, excepto un ojo. La nariz en las figuras centrales es de perfil y los ojos de frente. En la mujer de abajo hay un engaño óptico. Hay un bol con frutas; la geometría de la sandía recuerda a Cézanne. Ese pequeño bodegón simboliza el placer (simbolismo de placer) Todo se reduce a figuras geométricas, concretamente triángulos. La energía de de este cuadro fluye a través de triangulaciones. En este cuadro hay un intento de eliminar la profundidad. Sólo Bracke lo aceptó, incluso su galerista lo criticó. Toda esta crítica negativa que se cernía sobre el cuadro, hizo que Picasso lo odiase también, de hecho, nunca aceptó que fuera el inicio del Cubismo. Según él eran sus otras obras: [Las tres bañistas] o [Las tres mujeres].

01/12/10

2. CUBISMO CEZANNIANO O PRECUBISMO

1907-1909

Antes incluso de que Picasso pintase el cuadro de [Las Señoritas de Avignon], ya pintaba cuadros con esa estética, como:

[Tres mujeres, 1908-1909] Influencia del arte africano, sobre todo en las caras. También vemos como se reducen los cuerpos a figuras geométricas, sobre todo a triángulos. La energía en el cubismo de Picasso va a aparecer a través de triángulos. Vemos influencia de otra pintura de Derain titulada [Las bañistas. Da a entender que esta pintura es algo sólido, algo duro, algo casi metálico, pesado, es más parece como si estas tres mujeres hubiesen sido talladas de una misma roca.

[Mujer con mandolina, 1908-1909] Aunque hay aun un aspecto mínimo de planos, se ve como se está implantando la monocromía por la disgregación de la luz.

[Cabeza de mujer con montañas de fondo, 1909] Cada vez hay más planos.

[Casas en una colina en Orta de Ebro, 1909] Deja el triángulo de lado y aparecen cada vez más los cubos. No hay colores solos grises y ocres. El cielo es metálico y con diferentes luces.

3. CUBISMO ANALÍTICO

1909-1912

[Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910] Vollard fue un marchante de arte bastante amigo de Picasso. Aquí vemos una multiplicación de planos. Es como si un espejo se hubiese roto, y por eso la luz se disgrega y por eso se pierde el color. La energía fluye a través de cubos y triángulos. Y aún siendo cubismo analítico podemos ver lo que se está representando. Incluso hay pistas que nos da a entender quién está siendo retratado. Concretamente en este ejemplo por la frente y la nariz. Pero hay un engaño óptico en que todo se ve desde diferentes puntos de vista.

[Retrato de Kamweiler, 1910] Todavía es más críptico. Las características siempre las mismas, aunque seguimos deduciendo que es un retrato pero es aun más difícil.

[Mujer con mandolina o guitarra, 1911-1912] Muy críptico, multiplicidad de planos, monocromía. Ya vemos que existe una palabra “Ma jolie”, que es el estribillo de una canción de amor de esa época porque iba dedicado a su amante Eva. *La utilización de palabras va a ser muy frecuente entre 1912 y 1915 ya en el cubismo sintético. Esas palabras dan ambiente al cuadro, ayudando a crear un ambiente en el cuadro y ayudan cómo pista para descifrar el tema del cuadro; y al mismo tiempo se convierten esas palabras en imágenes y objetos que formarían parte de la estructura del cuadro, tendrían la misma importancia que cualquier otra parte del cuadro*.

[Retrato de Willhen Uhde, 1910] Cubismo analítico y cada vez tiende más al cubismo hermético.

CUBISMO HERMÉTICO:

[Violín, copa, pipa y tintero, 1912] Muy críptico, cada vez más difícil de entender, por lo que se necesitan pistas para entender que se está representando. Forma ovalada representa el equilibrio dinámico, la perfección divina. Vemos ciertos tonos de color, de color plano. Y vamos entrando en el cubismo sintético. Cada vez menos planos.

[Naturaleza muerta con silla de rejilla, 1912] Es un collage, la cuerda es real y la cuerda alrededor. El óvalo para quitar lo científico de la pintura. Se están reorganizando los planos y ya se entrevé lo que son los objetos. Podemos ver una rodaja de limón y el filo de un cuchillo.

[El clarinetista, 1919]

GEORGES BRACKE

• A partir de 1908, George Bracke va a realizar unas pinturas semejantes a Picasso. Un ejemplos claro son: [El viaducto de L´estaque]

 [Casas de L´estaque] Tiende a la geometría de las formas pero con 

 más color)

 [Casas en L´estaque, 1909] todo geometrizado, tendiendo a la

 multiplicación de planos.

 [Puerto de Normandía] Cubos de diferentes tonalidades, luz

 disgregada en el cielo, se ve en el cielo la técnica del pasaje que

 también la utiliza Picasso, se basa en no crear una división

 perfectamente definida entre un cubo y otro.

• Si Picasso transformaba la energía con triángulos, Brake con cubos.

  [Fabrica de Río tinto en L´estaque, 1910]

• Bracke en su pintura cubista lo que intenta es ejercer un sombreado para reducir el volumen de los planos que son representados en esta pintura. En estas pinturas Bracke adopta una forma plana pero también tridimensional, se debe en parte al intento de sombreado. Ej: [Casas en L´estaque] y [Las casas del Ebro, Picasso] son obras muy similares, era amigos, experimentaban juntos y de ahí que entre los dos hicieran el cubismo analítico.
• En 1909 junto a Picasso cultiva el Cubismo analítico.

[Violín y jarra, 1910]

[Botella y peces]

[El violín, finales de 1911] C. HERMÉTICO

[La palmatoria, finales de 1911] es un candil, vemos como Bracke por primera vez incluye una palabra, antes que Picasso, en la pintura cubista; y Picasso el primero que incluye collage.

[El violín Mozart y Kubelick, 1912] Sintético, color amarillo.

[Plato de fruta y dos ases] Recupera el color y la forma.

[Bodegón con vaso y periódico, cerca de 1912] Por la palabra, menos planos, objeto definible, color.

[Vaso, garrafa y periódico, 1914] Color, collage, letras, menos planos, objetos definible.

[El diario] Cada vez los objetos son cada vez más fácil representados, simplicidad de las formas, collage.

4. CUBISMO SINTÉTICO

1912-1914

[El violín, 1912] Color, menos planos, letras, collage y poco a poco el objeto es más visible.

[El aficionado, 1912]

[Frutero y frutas, 1912] Color, letras, muchos menos planos.

[(Otro violín)] Tiene una cenefa azul.

[Botella de Pernot y copa, 1912]

[La guitarra, 1913] Collage.

[Arlequin, 1915] Color, menos planos.

[Hombre con sombrero hongo sentado en un sillón, 1915] Sintético y técnica puntillista.

[Naturaleza muerta verde, 1914] Técnica puntillista, y también se ha llamado a estas obras cubismo rococó, en el que predomina el color verde.

[Retrato de muchacha, 1914] No utiliza el collage él intenta representar ciertos motivos pictóricos como que lo fueran).

5. DIFUSIÓN DEL CUBISMO

1914-1920

• En el año 1911 se va a realizar una exposición en el Salón de los Independientes y va a ser a partir de ahí cuando se difunde el cubismo, concretamente el analítico. Pero no a través de Picasso y Bracke, ya que sólo exponían en la galería de Kambeiler, con el que tenían un contrato. Por eso los artistas que fueron a esta galería fueron los que expusieron en este Salón. Nombres como Fernand Legerd, Metzinger, Robert Delaunay, Albert Gleizes. Estas obras fueron las que difundieron el cubismo.
• En Europa sólo se conoció las obras que se basaban en las de Picasso y Bracke. Todas fueron rechazadas, como todas las de las Vanguardias, e intentan justificar su valía y a partir de ahí surgen escritos teóricos al respecto.
• En 1912, Metzinger y Gleizes escriban un artículo titulado “Sobre el Cubismo”.
• En 1913, Apollinaire, quien al principio había criticado [Las señoritas de Avignon], se da cuenta de la valía de esta estética y escribió “Los pintores cubistas: Meditaciones estéticas.”

02/12/2010

JUAN GRIS

(Cub.analítico.sintético)

• Intenta crear tridimensionalidad junto a un equilibrio con líneas verticales.
• Extremadamente importante el color.

[Violín y guitarra, 1913] Representa los objetos en sus líneas más esenciales.

• En 1914, empieza a utilizar el collage.

Ej: [Fantomas] Franjas verticales. Intento de 3D. Mesa profundidad. Las siluetas en

   blanco son las líneas más esenciales de los objetos.

       [Desayuno, 1914] Distintas perspectivas. Intento de3D. Hay collage.

• Poco a poco, su pintura va a ir derivando a composiciones mucho más rigurosas, estáticas, casi clásicas. Va a haber una simplificación de formas.
• Elimina los elementos anecdóticos del cuadro. Va a realizar trazos coloreados cada vez más planos. Líneas cada vez  más rígidas. Cada vez, más ángulos, más agudos. Además, los objetos serán extremadamente reconocibles. Se tiende al ‘clasicismo’.

[El violín, 1916] Mesa reconocible, como el violín, la partitura continua la importancia de color, el intento de tridimensionalidad. Una pintura que tiende a la clásica

[La guitarra, 1918]

[Arlequín sobre una mesa, 1919] Muchas angulaciones.

[Arlequín con guitarra] Con todas las características que hemos visto.

• Como Matisse realiza una serie de pinturas denominada ‘ventanas abiertas’.

Ej: [Ventana abierta, 1921].

• Dentro de esta serie, la simplificación de las formas y la eliminación de lo anecdótico llega a tal nivel que pinta obras como [Guitarra y partitura, 1926].

ROBERT DELAUNAY

• Obras junto a su mujer Sonia Delaunay.
• Tanto el color de Juan Gris como las ventanas abiertas también  lo vemos en su pintura
• Lo más importante es la luz y por lo tanto, el color.
• Realiza una Teoría del Color y su conclusión, es que la fuerza de la luz, sería una paradoja puesto que la luz sería energía infinita y, al mismo tiempo sería algo inmaterial. Por eso, la única manera de representar pictóricamente a la luz es el color.
• Critica fundamentalmente el cubismo analítico. Ve que después de tanta lucha para que el color saliese adelante en la pintura, el cubismo analítico casi mata el color.
• El hecho de representar la luz a través del color, lo denomina ‘simultaneismo’ porque usa las Leyes del contraste simultáneo de colores (Chevreul) es decir, utiliza colores primarios complementarios.
• A la hora de utilizar el simultaneismo, hay una cierta simbología. Se dice que es una pintura muy tolerante porque se estaría dando distintos movimientos artísticos en Europa (Futurismo, Matisse, obras alemanas...).
• Para éste, la luz está en continuo movimiento que va  a deshacer las formas, los contornos, por lo tanto, esas líneas van a ser discontinuas.
• Sin embargo, ese movimiento se lleva a cabo bajo un orden lírico, poético, donde da cavidad a cierta expresividad.
• A estas obras que realiza junto a su mujer, algunos críticos lo han denominado: cubismo órfico. Esto va a ser una reacción al cubismo analítico.
• Si hay cierta expresividad en los colores y en las formas en su obra, va a llevar a la existente influencia de algunos pintores expresionistas alemanes como Macke o Marc.
• También  influye en el Futurismo italiano o en el Rayonismo ruso.
• A través de su pintura va a intentar crear una conexión entre colores y sonidos (relación con EJA). Sus pinturas van a tener un gran sentido rítmico. Va a crear las formas simultáneas.
• Uno de los iconos o símbolos de su pintura son las torres de las antenas.
• Entre 1910 y 1912, realiza una serie de pinturas sobre la Torre Eiffel: señala que ésta sería el objeto más grande creado por el hombre, puesto que lo asimila a una estación de radio de donde surgen las ondas de sonido y de luz que se propagan por todo el universo. A través de estas ondas, se crea el color y se funde con el sonido.

[Torre Eiffel, 1928]

• En 1909, realiza una serie sobre la iglesia de Saint Severin. Vemos cómo la luz/energía produce el color, cómo las líneas cambian, están en movimiento en diferentes horas del día.
• Esta obsesión por la luz, le lleva a realizar en 1912 una serie de pinturas denominada ‘ventanas’. En estos cuadros  el espacio es libre donde vibra la claridad y  en segundo lugar estalla el color y, además es como si estuviéramos viendo una pintura puntillista o dimensionista aumentada con una lupa. Con esto tiende a la anulación del objeto o del personaje y se tiende a la abstracción. En estos cuadros, la pintura  rebasa la superficie del cuadro.
• Si hay un espacio libre vibra y estalla el color y la energía, que mejor manera de representar la energía que a través de círculos que están continuamente girando gracias a unos ejes de rotación. En estos ejes es donde nace y se genera la energía. Es decir, lo más importante del universo. Esta teoría tiene algo de poético, lirismo. Esta poesía iría en contra del cubismo analítico.
• En los años 20 sigue con los ‘círculos’.
• También se centra en adelantos científicos técnicos como el globo o el avión.
• Serie de pinturas que él llama ‘ritmos’ en los años 20. Ej: [Alegría de vivir]

02/12/2010

TEMA 7: FUTURISMO

INTRODUCCIÓN

El futurismo se va a desarrollar entre 1910 y 1915/1916.

Tuvo una transcendencia espectacular entre todas las vanguardias históricas que se desarrollaban en Europa, y en el arte contemporáneo general. Aún así hay cierta polémica en torno a este movimiento, porque unos historiadores lo ven como un satélite del cubismo; otros lo ven como un movimiento absolutamente revolucionario, que influyó a toda Europa; y otros sin embargo dicen que el futurismo fue tan importante que sin él el cubismo no hubiera sido tan interesante.

CARACTERÍSTICAS

• Surge en Italia y va a ser allí donde tenga su principal centro de producción.
• Va a tener un componente nacionalista extremadamente violentos, van a querer formar parte de la Primera Guerra Mundial ya que defienden estos ideales de violencia; pese a Italia había conseguido la unidad nacional, querían volver al antiguo Impero Romano, es decir, ser la referencia mundial, dominar Europa como en tiempos pasados.
• No nace como una corriente artística, sino como una manera de comprender la civilización. Por tanto no va a ser una respuesta a lenguajes artísticos heredados;  por esto mismo, su estética va a tardar en asentarse, en encontrar su verdadera expresión.
• Exalta la modernidad: es su rasgo más distintivo, van a despreciar todo aquello que provenga del pasado,’lo pasatista’.
• El fundador del movimiento sería Filippo Tomasso Marinetti, el 20 de febrero de 1909. Ese día publica el primer manifiesto futurista ‘Manifiesto fundacional’ en Le Figaro. En un principio lo funda dentro de un ambiente literario, pero poco a poco se va a extender a las artes plásticas. Como hablamos de un movimiento para comprender la civilización, abarca todos los campos del saber.
• Además es un movimiento puro y duro porque tiene un programa y hay que seguirlo punto por punto sin desviarse. Es el primero en tener un programa tan importante; por eso permite una gran difusión internacional. Además va a ser el propio Maniretti el que ponga el nombre y no un crítico como en los anteriores.
• Hay 4 modos de difusión de la estética futurista:

1) Manifiestos: textos breves con carácter de proclama y en los que se exponen una 

    serie de ideas. Hay muchos, de hecho hasta 1917 habrían surgido alrededor de 50

    que versan sobre diferentes aspectos (música, arte, literatura). Estos manifiestos

    hacen que otros movimientos los hagan también.

2) A través de veladas, unos actos públicos donde se leían manifiestos futuristas o

    poemas futuristas y que solían acabar en peleas por esa violencia que tenían.

3) A través de revistas: en Milán la revista ‘Poesía’ por Maniretti en 1909; en otro  

    foco Florencia “La voce” revista que en su momento dirigía Giovanni Papinni y

    Arbengo Soffici. Hacían críticas sobre diferentes estéticas que se estaban

    llevando a cabo al mismo tiempo en Europa, pero criticaron negativamente a los

    pintores futuristas, así es que Maniretti y sus amigos tuvieron un encontronazo 

    con ello y como consecuencia se unieron al futurismo y crearon una nueva

    revista “La Cerva”.

4) A través de exposiciones, la más importante fue en París en 1912. Tuvo tal éxito

    que se convirtió en una exposición itinerante, se montó en Londres y en otras

    capitales europeas: de ahí la gran difusión e influencia en otros movimientos.

En 1910, después de la literatura va a ser cuando hallemos conexión entre futurismo y pintura. En una de esas veladas organizadas por Maniretti  se le acercaron 3 pintores italianos con el deseo de integrarse en el grupo futurista que estaba creando Maniretti, eran: Umberto Boccioni, Luigi Russolo y Carlo Carrá. Más tarde se unirían más pintores como Gino Severinni o Giacomo Balla.

Surgen dos manifiestos a raíz de esto:

• Publicado en febrero de 1910 en la revista ‘Poesía’ y titulado ‘Manifiesto de la Pintura Futurista’.
• En abril del mismo año y también en esa revista, se llamó ‘Manifiesto Técnico de la pintura Futurista’.
• Los futuristas quieren hacer un arte esencialmente nuevo, desprecian el pasado, lo pasatista.
• En la pintura futurista las formas se van a desmaterializar, puesto que existe la intención de mostrar la sensación misma del movimiento y la velocidad.
• La influencia de la fotografía es otra de las características de la pintura futurista, y sobre todo influencia de la cronofotografía. Es el intento de realizar varias fotografías seguidas de un objeto que está en movimiento.
• Todas estas características que acabamos de mencionar, nos lleva a conocer que lo que van a querer captar los futurista en último término serán las líneas de fuerza, que serán lo que verdaderamente va a dar sentido a esa sensación dinámica en sí y es lo que va a permitir que los objetos cada vez sean menos reconocibles.

15/12/2010

ESTÉTICA

Desde el punto de vista estético los pintores futuristas van a anteponer las ideas al estilo. Por este mimo motivo es por el cual el movimiento futurista tarda en madurar. Surge en 1910, pero no va a ser hasta 1912 cuando la estética de la pintura futurista alcance su punto álgido.

En un principio la estética futurista no va a tomar nada de los movimientos de vanguardia. Por el contrario, sí que va a tomar de aquellos estilos o estética que se había desarrollado los últimos años del siglo XIX, es decir, va a tomar el estilo del impresionismo, del modernismo, del neoimpresionismo. Sobre todo van a utilizar la estética neoimpresionista, de ella van a tomar su técnica. A esta técnica, la puntillista, la llaman complementarismo congénito. Recogen la técnica puntillista para sus obras porque la pincelada es dinámica, porque se aplican colores puros en pinceladas cortas y veloces y además la direccionalidad de estas pinceladas hace que se cree el movimiento o la energía.

TEMÁTICA

La temática del futurismo va a ser lo contemporáneo, la vida moderna, todos los aspectos del hombre moderno, del ser humano moderno. Las sensaciones que tiene ese hombre contemporáneo, por lo tanto no toca temas tradicionales puesto que para ellos esos temas estaban ya gastados. Lo más importante para ellos a la hora de pintar es captar la sensación dinámica. Cuando hablamos de sensación dinámica no queremos decir un solo instante de movimiento congelado, sino que los futuristas querían captar la sensación dinámica en sí, el movimiento en su totalidad, la generalidad del movimiento. Si para ellos es muy importante la sensación dinámica del movimiento, será muy importante también la velocidad puesto que la velocidad también es un rasgo distintivo de la sociedad moderna (el futurismo quiere intentar comprender a la civilización).

ETAPAS

ETAPA DE LAS PRIMERAS OBRAS

Una primera etapa sería la denominada “de las primeras obras” que datan de los años 1910 y 1911. Es una etapa donde hay cierta falta de técnica. Los pintores futuristas italianos desconocen lo que se está desarrollando fuera de sus fronteras, salvo el impresionismo y el puntillismo. Por lo tanto, si esto es lo que conocen, van a coger el complementarismo congénito.  Esta primera etapa va a coger temas de la vida urbana, nocturnos y también de violencia. Lo que van a mirar en esta primera etapa es lo movimiento de la luz y eso es lo que van a querer captar en el cuadro. Los autores más representativos de esta primera etapa serían Umberto Boccioni y Carlo Carrá. Quizá la obra más representativa de esta etapa será “La ciudad de levanta”, de Umberto Boccioni.

• ETAPA DEL DESCUBRIMIENTO DEL CUBISMO

Se desarrolla entre 1911 y 1912. Se desarrolla por dos vías, en primer lugar por las revistas sobre todo por  ‘La Voce’, y también por la estancia de Gino Severini en París. Dentro de esta segunda etapa del descubrimiento del cubismo, va a permanecer la técnica del complementarismo congénito, la sensación misma de movimiento se mantiene, pero va a haber más preocupación por la forma, pero que pueda ser vista o estudiada desde diferentes puntos de vista. Además dentro de esta segunda etapa, se desarrolla paralelamente en París el cubismo analítico, y van a desechar la monocromía, los pintores futuristas van a admirar el color y preocuparse por él, le darán mucha importancia. Si dan mucha importancia al color, con posterioridad van a dar mucha importancia al cubismo órfico. Los autores más representativos de esta segunda etapa serían otra vez Umberto Boccioni y Gino Severini, y tal vez una de las obras más representativas de esta etapa sería [La calle entra en casa], de Umberto Boccioni.

ETAPA DE MÁXIMA EXPRESIÓN

Se desarrolla entre los años 1912 y 1915. Es la etapa de máxima expresión y de máxima internacionalización. Habrá una exposición de futurismo en 1912 que va ser itinerante y se dará a conocer por todo el mundo. Las características son las mismas que en la segunda etapa pero todavía más intensificadas. Dentro de esta etapa hay nuevos pintores que se adhieren a los manifiestos futuristas relacionados con la pintura como Sironi. Debido a esta máxima expresión e internacionalización, el futurismo se va abrir también a otras corrientes artísticas, por ejemplo a la fotografía, cultivada entre otros por Antonio Sanz Eliá. Entre 1913 y 1914, surgen ciertas desavenencias entre pintores futuristas. Ya no va a haber por tanto una cohesión o una fortaleza de grupo como en las etapas anteriores. A partir de 1914 ya no va haber manifiestos conjuntos que tengan que ver con la pintura futurista.

DESAPARICIÓN DEL FUTURISMO

Desarrollada entre 1915 y 1916. Los futuristas querían que Italia participase en la I Guerra Mundial, de hecho ellos lo veían necesario. Ellos se alistaron y con ello se acabó el grupo. Para ellos la guerra era el gran poema futurista. Algunos de ellos murieron en la guerra, como por ejemplo Umberto Boccioni (1916).

UMBERTO BOCCIONI (1882-1916)

• Se va a unir al futurismo en 1910. Antes, él realizaba una pintura tradicional, por ejemplo retratos, paisajes, etc. Es más, lo más avanzado que podía llegar a hacer estaba relacionado con el puntillismo. Dentro del futurismo, a partir de 1910, va a llevar a cabo una temática de la vida moderna en sus cuadros, representaciones urbanas, nocturnas, con importancia de la luz, la representación del movimiento de la luz, escenas de lucha, violencia, pero como estamos en escenas nocturnas, estamos hablando de la luz eléctrica.

[Tumulto en la galería] o [Pelea en la galera]], de Umberto Boccioni de 1910. Hay tumulto, violencia, movimiento de las personas y además de nocturno, donde lo importante es la captación de la luz, con una técnica puntillista, complementarismo congénito, vida urbana, importancia del color, movimiento de la luz eléctrica. Se intenta captar la sensación misma del movimiento, no el movimiento congelado, sino la sensación dinámica, la velocidad.

[La ciudad de levanta], de Umberto Boccioni, de 1910. Quiere representar la vida moderna, el movimiento, las líneas de fuerza, la desmaterialización de las formas. Se intenta captar la vida moderna que está caracterizada por la velocidad. Para realizar esta obra, antes llevó a cabo varios bocetos.

• Lo que quiere representar este autor a través de sus obras es reproducir la sensación que produce a los participantes de la acción que se está desarrollando. Por esto mismo realiza una serie de pinturas denominadas ‘los estados de ánimo’, que es una triología. Son unas obras en las que se desmaterializa las obras, la energía se transforma en el cuadro y se desplaza a través de las formas onduladas.

[La despedida] finales de 1910.

[Los que se van]

[Los que se quedan]

Esta triología se repite en 1911.

[Los adioses o la despedida]

[Los que se van]

[Los que se quedan]

• Una de las obras más importantes dentro de la segunda etapa será [La calle entra en casa, 1911-1912]. Hay un efecto de dislocación visual, para que la persona que está asomada en el balcón que está en primer plano, hará que pueda ver la totalidad de la calle. Junta la calle para que pueda haber más amplitud visual. Esto es influencia mental del cubismo, pero al mismo tiempo también se influencia del impresionismo, puesto que quería pintar todo lo que tiene delante de sus ojos. También se intenta captar la sensación dinámica, el movimiento continuo, el trajín que se lleva en la calle. Vemos como el pintor intenta mostrar al espectador como ve y como siente la acción que se está desarrollando en el cuadro, mediante la dislocación visual.
• El cubismo será cada vez más importante, se muestra en la obra “dinamismo de un ciclista”, de 1913. Va a investigar la sensación dinámica bajo al estética cubista.

[Dinamismo de un jugador de futbol, 1913].

[La carga de los lanceros, 1915]. Está representando el ejército al galope. Desmaterialización de las formas, la multiplicación de las formas de los objetos representados. Hay collage en referencia a la guerra. Con las lanzas, los ángulos agudos, se crea intranquilidad, más velocidad, no podría causar tranquilidad ni calma.

• También Umberto Boccioni es el máximo representante en la escultura.

[Desarrollo de una botella en el espacio, 1912].  Tiene influencia cubista pero también hay velocidad, sensación dinámica, líneas de fuerza.

CARLO CARRÁ (1881-1966)

• Quizá sea el autor más futurista de todos. En un principio va a realizar una pintura similar en cuanto a características parecida a la de Umberto Boccioni.

Ej:[Salida del teatro, de 1910] Es similar a [Tumulto en la galería]. Vemos una escena nocturna, tema de la vida urbana, importancia de la luz eléctrica, sensación dinámica, velocidad, y como el movimiento desmaterializa las formas.

• A partir de 1911, va a intensificar todavía más el concento de la sensación dinámica. Ejemplo de ello sería [Las nadadoras], donde se investiga la sensación dinámica multiplicando los contornos.

[Los funerales del anarquista Galli] Es un tema agresivo. Galli fue un accionista anarquista que fallece en una revuelta y todos sus compañeros anarquistas quisieron acompañarle en sus funerales, se organizó un gran tumulto y pelea con la policía.  Hay duplicación de los contornos y así se crea la velocidad. Hay multiplicación de personajes, creando tumulto y movimiento. También vemos cierta característica importante, que es que en la parte superior del cuadro hay cierta influencia del cubismo, pero es un cubismo que da mucha importancia a color,

[Manifiesto intervencionista, 1914]. Bastantes similitudes con la parte superior de los funerales del anarquista Galli. Importancia del color aunque haya influencia del cubismo. La velocidad se intenta captar. Hay referencias a la guerra.

• A partir de 1911, vemos en este autor la influencia del cubismo en sus pinturas.

[Lo que me ha dicho un tranvía]

[La persecución, de 1914]. Utiliza el collage en este caso para eliminar la profundidad del cuadro y para que nada distraiga a lo verdaderamente importante de esta obra, que sería la velocidad del jinete.

• A partir de 1916, Carlo Carrá conoce a Georgio de Chirico, y va a abandonar el movimiento futurista y realizará una pintura al estilo de este otro autor, que sería una pintura metafísica. [Jinete y caballo].

LUIGI RUSSOLO (1875-1957)

• Va a ser un artista integral, no solo se va a dedicar a la pintura, sino que también a la poesía, a la música, etc. sus primera obras pictóricas van a coincidir con lo que también llevaron a cabo Carlo Carrá y Umberto Boccioni, los temas nocturnos, la luz eléctrica, la velocidad, complementarismo congénito…

[Recuerdo de una noche, 1911]. Es una obra que puede asimilarse estéticamente a [Salida del teatro] de Carlo Carrá, pero aquí ya hay ciertas diferencias. Se ve un caballo con muchas patas, se han multiplicado y a través de este recurso se quiere mostrar la sensación de movimiento.

• Más tarde va a realizar otras obras más plenamente futuristas.

[Dinamismo de un automóvil, finales de 1911]. Ya hay influencia del cubismo y sensación dinámica a través de líneas de fuerza. Los ángulos que crean el movimiento son cada vez más agudos. Se intenta mostrar el movimiento a través de las líneas de fuerza y de la desmaterialización de las partes del coche. Prima la importancia del color.

[La revuelta, 1911] Características similares a [Dinamismo de un automóvil] Representación de líneas de fuerza nuevamente en forma de ángulos.

• En 1913 va a dejar los pinceles y se va a dedicar fundamentalmente a la música, realizada a partir de ruidos de la calle.

GINO SEVERINI (1883-1976)

• Fue el verdadero revulsivo de la pintura futurista puesto que gracias a él se descubrió el cubismo dentro de la estética futurista.
• Se estableció en París en 1906. Se hizo amigo de Braque y Picasso y debido a esta amistad conoció la obra de estos autores.
• Fascinado a esta estética que llevaban a cabo animó a sus amigos futuristas a que fuesen a París y conociesen el cubismo analítico. Cuando vio lo que desarrollaban sus amigos no le gustó a Gino Severini.

GIACOMO BALLA (1871-1958)

• Va a ser maestro de algunos pintores futuristas. Cuando la pintura futurista surge en 1910, este autor ya era un pintor famoso, sin embargo, estaba asociado a la técnica puntillista.
• En 1912, él va a realizar ya una pintura verdaderamente futurista y también va apoyar los manifiestos que se habían publicado en la pintura futurista. Cuando comienza a apoyar la estética futurista, se va a convertir desde un principio en uno de los pintores más salvajes a la hora de representar la sensación dinámica. Vamos a ver influencia de la cronofotografía.

[La lámpara de arco] o [Luz de la calle] Obra que teóricamente está firmada en la parte superior del cuadro en 1909, pero los historiadores no creen que se haya realizado en ese año. Si lo importante es la luz eléctrica, se podrá en primer plano. Quiere captar el movimiento de esa luz, su velocidad. Hay un contraste entre el movimiento de la luz eléctrica y quizá, una luna.

[Muchacha corriendo en un balcón, 1912]. Se ve perfectamente qué es la cronofotografía o cómo ha influido está en la pintura para captar la velocidad, la sensación dinámica.

• Según avanza el tiempo, en 1912 va abandonar la técnica del complementarismo congénito o puntillista, y se va a basar más en la cronofotografía.

[Dinamismo de un perro con correa, 1912] Es el mejor ejemplo para demostrar cuál es el método de cronofotografía aplicado a la pintura. Multiplicación de contornos y sobre todo cronofotografía. Aquí ya se ha perdido la técnica puntillista.

16/12/2010

[La mano del violinista, 1912] Hay ciertos detalles de complementarismo congénito o técnica puntillista.

• A lo largo de este año cada vez su pintura se vuelve más abstracta porque estamos en esa etapa del Redescubrimiento del Cubismo. Y parece que tiende a ese cubismo analítico.

[El automóvil, 1912] Intenta representar las sucesivas líneas de fuerza que surgen del movimiento de ese automóvil. Se está tendiendo a la abstracción. Y casi en ese acercamiento al cubismo tiende al monocromatismo. Se desmaterializa el coche. Instantes fugaces pero que son eternos.

[Velocidad de un automóvil] Se nota como que hubiera una indecisión técnica. En esta segunda etapa se ven las técnicas del cubismo pero con todas las normas del Manifiesto del Futurismo. Y sus obras cada vez van a ser más geométricas.

[Líneas de fuerza de un paisaje]

[Trayectorias y secuencias, 1913] Vemos líneas de fuerza, con ondulaciones, como un terremoto de dinamismo, de movimiento.

[Velocidad abstracta más sonido]

• También realiza unas obras en pro de la guerra para convencer al pueblo Italiano de que lo mejor es entrar en la guerra para su nación, para retomar el poder hegemónico de Italia en Europa y realiza obras con los colores de la bandera (rojo, verde, blanco).

REPERCUSIONES DEL FUTURISMO A NIVEL INTERNACIONAL

• Italia quiere volver a recuperar la hegemonía aunque sea a nivel artístico, o sea volver al pasado aunque en principio lo descarten. Al Cuatroccento y al Cincueccento. En países donde la Vanguardia no estaba demasiado arraigada es donde el futurismo va a influir más. Ejemplos: Inglaterra y Rusia, en Francia no caló porque estaba el cubismo ya que estaba incluso academizado, y además es el que influye en el futurismo.
• Terminada la 1ª G.M. Marinetti quiso que el Futurismo fuera el arte más o menos oficial de Mussolini. No lo consiguió pero durante unos años el Fascismo y el Cubismo iban de la mano. Mussolini también quería devolver el lugar a Italia que le correspondía a nivel mundial.
• Es una segunda época la que va a vivir el Futurismo, pero no va a tener la misma fuerza que la anterior. Tiene otras características: es una pintura que tiende muchísimo más hacia la abstracción, además va a dejar de lado la piedra angular de su base estética que es el dinamismo, y eliminándose este nos quedamos sin futurismo. Además  se verá influenciado por diferentes movimientos de la Vanguardia, así que se va a convertir más o menos en un arte ecléctico. Una vez que Mussolini llega al poder deja de lado a esta segunda etapa, porque debido a esa violencia que relacionaban con Mussolini, y lo que quería era instaurar un nuevo arte, un arte clásico que volviera al arte romano o al arte del Renacimiento. Sería el arte del Nouvecento, que se basa en el Cuatroccento y en el Cincueccento.
• En Inglaterra el Futurismo que se da allí se llamara Vorticismo. Cuando llega aquella exposición de 1912 que se expuso en Francia, y luego se convirtió en itinerante, llegó a Inglaterra. Gracias a ella se conoció el Futurismo y fue un revulsivo para el débil arte de esa zona. La primera exposición de Vorticismo fue en 1915, durante la guerra. Se acaba porque algunos de los miembros mueren en el conflicto.

FUTURISMO EN INGLATERRA:

Vorticismo

• Características:
• Se realiza una geometría mayor que en la futurista.
• Por otra parte hay una gama cromática con mayores contrastes que en la futurista italiana.
• Además hay más campos de color, mejor delimitados. También y siempre comparándola con la futurista italiana, había más orden.
• Además vamos a ver influencia del expresionismo, del cubismo, y de otros movimientos de Vanguardia. Cosa que en el futurismo solo veíamos del Cubismo.
• El que lo mueve es un poeta Norteamérica con residencia en Londres llamado Ezra Pound.  Él decía que los futuristas defendían la sensación dinámica, un torbellino, un vórtice en la profundidad para así crear tres dimensiones.

• Autores:
• EDUARD WADSWORTH: es el autor de más calidad y se centra en la pintura de la abstracción geométrica.

[Abstracción vorticista, 1915] Hay una gama cromática, más contrastada que en la italiana, campos de color más delimitados, mayor orden, mucho más geométrica.

[Estudio para una pintura vorticista, 1915] Sigue con las mismas características. Hace que el espectador vea esa tercera dimensión.

• WYNDHAM LEWIS: New York (1914, mismas características) [La multitud]

(1914, no es vorticista). A partir de 1915-191616, ve que el vorticismo se acaba, crea un grupo llamado Grupo X.

FUTURISMO EN RUSIA

• Se basa en convertir dos de las vanguardias más fecundas de Europa. Ocurre en Rusia porque hay muchos pintores que se van a ParÍs a formarse, y conocen esa exposición, hay mecenas que financian y ayudan a crear y facilitan este trabajo de los artistas.
• Tiene dos vertientes:
• Cubofuturismo. A partir de 1915 Rusia va a desarrollar un lenguaje propio a nivel artístico. Pero antes y aproximadamente desde 1910 el arte Ruso se vio influido por el Futurismo y por el Cubismo. Dentro de este movimiento las obras más importantes las tenemos entre 1913/14. En el cubofuturismo igual que en el futurismo italiano va a haber un trabajo conjunto o de colaboración entre pintores y poetas. Lo que está claro es que el cubofuturismo es una mezcla entre cubismo y futurismo. Del cubismo toma la geometría, la fragmentación de los objetos en múltiples planos, la concepción espacial, o sea la multiplicidad de perspectivas pero llevadas a primer plano. Del futurismo toma la temática de temas urbanos e industriales y el movimiento.

Artistas: KASEMIR MALEVICH (1878-1935): [El afilador, 1913] Claramente influencia del cubismo con multiplicidad de planos, importancia de color, todos en primer plano. Tendencia en ciertos lugares a la monocromía, el color se reserva a las zonas donde hay dinamismo

 LIUBOV/LIVBOV POPOVA. [Mujer en viaje]

• Rayonismo: surge entorno a 1911. Es una síntesis del cubismo, del futurismo y del orfismo. Del cubismo toma al plasmación prismática del espacio, o sea la multiplicidad de planos. Del futurismo el dinamismo. Del Orfismo la luz y su plasmación real que serían los colores. Para una pintura siempre formadas por la intersección de los rayos de luz que proyectan los objetos. En este caso se intenta captar el instante fugaz de luz y de movimiento y no en el futurismo.

Es algo cercano al impresionismo, por eso en ocasiones al rayonismo se le ha llamado cubismo-impresionismo. Puede ser realista o más abstracto.

Artistas Realistas: LARIONOV: [El gallo, 1912] Intersección múltiple de planos. Se ve en algunas zonas la multiplicidad de plano. El color y la luz tienen mucha importancia.

NIJAIL LARIONOV (1881-1964)

NATALIA GONCHAROVA: [Paisaje rayonista, 1913] Podríamos decir que es de la tendencia abstracta. Lo importante es la luz, y captar la luz, el color y el instante de dinamismo.                                   [Los gatos]

9. DADAISMO

Principios de 1916 a mediados de 1920. Es un movimiento que va a causar un enorme trauma a Europa, evidentemente al arte contemporáneo Europeo. A pesar que el dadaismo va a tener un carácter nihilista, es decir destructor, va a tener una influencia en todo el arte del s. XX. Las raíces del Dadadismo las tenemos en la 1ª G.M., de hecho es un producto de la guerra, si no hubiera habido guerra, no habría existido el Dadaismo. Es un producto o un movimiento fundamentado por el rechazo por la sociedad burguesa y capitalista, que según los dadaistas, ella había sido la verdadera culpable de la guerra. Por eso mismo el Dadaismo va a rechazar el nacionalismo y el capitalismo, por lo que rechazan el futurismo. Por eso algunos artistas dadaistas van a ser comunista. Lo que esta claro es que son absolutamente contrarios al futurismo. A pesar de todo, aunque son contrarios a la guerra, y al futurismo, también ellos van a estar influidos por el futurismo. Vana  tomar ciertas características del futurismo.

El origen del término “Dada”:

• Que se supone que procede de un diccionario alemán y significaría algo así como caballito de madera. Y eso les pareció una palabra muy infantil y muy acorde al origen, a lo primigenio, al inicio de los tiempos y ellos la consideraban una palabra con gran fuerza.
  • Tristan Tzara vio en el Diccionario Larrousse, y era una palabra que tenía muchos significados , pero al mismo tiempo ninguno, o sea que estaba vacía.
  • Entre las conversaciones mantenidas entre Tzara y Marcel Bianco, ambos rumanos y decía siempre “Sí” (Da- Da).

CARACTERÍSTICAS

Es una movimiento nihilista, contrario a todo. Un movimiento radical. Se revela contra el arte de tiempos pasados, contra el arte tradicional. Pero también con el actual, o sea de las vanguardias, ya que el arte se había convertido en un comercio burgués. Los dadaistas se oponen a todo tipo de normas. Si no hay normas es la razón por la que fue un movimiento efímero.

No propugna un nuevo arte, sino lo que quiere es acabar con el arte, matarle. Todo esto surge de una meditada reflexión meditada ante la vida. Y es una reflexión originada por la guerra. Esta actitud nihilista del dadaismo va a facilitar a que se afirmen ciertos valores como al individualidad, la instantaneidad, la espontaneidad y también ayuda a firmar valores como al libertad. Todo aparece reflejado en las obras, en su estética.

Afirman la vida como el valor máximo que tiene el hombre. La vida habría que vivirla sin ningún tipo de restricción, de normas. Por eso hacen un arte sin normas. Ellos van a intentar asimilar la vida al arte o el arte a la vida, por lo que estamos ante una te vitalista. Si no hay normas estaríamos también ante una anarquía. Se eliminan mucho de los valores tradicionales que estaban instaurados en el arte. Si no hay normas, adiós a los valores existentes, adiós a la belleza. Por que lo ello da igual. Van a  realiza runa arte muy cotidiano.

A los dadaistas no les interesa la técnica, y de hecho tampoco el producto final Lo importante es el “movimiento artístico”, o asea la actitud ante el objeto. Se rompe con el arte tradicional.

“Donde quiera que desaparece el arte, aparece la via”

Los dadaistas van a tomar recursos de otras corrientes estéticas, como el collage cubista. ¿Realidad o paradoja? Es una paradoja porque son contraposiciones.

El azar es lo más importante y siempre está presente en la actividad artística. Es una ofensa al arte vanguardista que se esta dando en ese momento. ¿Por qué utilizan el azar? Porque si la lógica, lo avances científicos, el conocimiento humano es cada vez mayor,; o sea la lógica les llevo a al guerra y hay que eliminarlas, y a las normas también y vivir al cenar. Con este sentido cobraría sentido sus composiciones, las abstracciones, los sonidos o la creación de poemas automáticos. Por esto mismo cobra sentido el término “azar” en el arte dadaista, de ahí que cobren sentido las obras de Hanzal, recorta cosas y las pega sobre planchas de madera o la de Carl Suites o la de Marssell Dusan que toma un urinario público y lo firma, una rueda de bicicleta.

13/01/11

Vamos a hablar del Dadaísmo en Nueva York, y es que durante la década de los años 10, NY va a conocer de primera mano la vanguardia europea. Esto va a ayudar para que después de la 2ª G.M. NY se convierta en el foco principal del Arte Contemporáneo Mundial. Todo esto, o al menos este crecimiento del arte, va a estar favorecido por cuatro factores fundamentales:

• Es una ciudad nueva, moderna, que carece de prejuicios; y es que no tiene una tradición artística heredada, como sí sucede en las antiguas ciudades europeas.
  • Por otra parte sería la celebración de una exposición de Arte Moderno. Armory Show, se llevo a cabo en unas instalaciones militares. A través de esta exposición, desde su punto álgido en NY, se conoció la totalidad de la vanguardia europea.
  • Otro factor que ayudo a NY a que fuera el foco, sería la figura de Albert Stieglitz. Era un galerista que dio a conocer también arte vanguardista europeo. Y además dio a conocerla a través de dos publicaciones: Camera Work y 291. A través de estos tres medios difundió la vanguardia europea.
  • El último factor es la presencia en NY de artistas de la vanguardia europea como: Marsell Duchamp y Francis Picabia. Marsell Duchamp llegó más tarde que el segundo, en 1915, por el éxito de sus obras. Ambos se establecen allí porque el ambiente de París no era propicio para el arte por la 1ªGM. En NY estaba protegido por marchantes de arte.

FRANCIS PICABIA (1879-1953):

• Entre 1915 y 1920 va a tomar como tema de sus obras la estética de la máquina. Pero la máquina para los dadaistas sería un producto negativo. Entonces él ve en la máquina características negativas que llevan a la guerra. Así que en su obra va a intentar humanizar a la máquina y con ese intento de humanizar estaría dando un carácter absurdo a la obra que lleva a cabo (carácter nihilista, el carácter de lo absurdo). “El ojo cacodylate” (Francis tenía una enfermedad en los ojos, y por lo tanto le recomendaron que utilizará el cacodylate. Aparece el ojo en rojo como símbolo de malestar. Y como en las escayolas cada amigo le firmaba. Ahí lo absurdo, porque además se ve el azar de que aparece cualquier frase. También es importante la tipografía). “Voila la femme” (intento de humanizar la máquina, dándole un carácter absurdo y crítico). “Encuentro amoroso” (Obra sencilla, con colores planos, donde prima la línea. Es un arte que sugiere el juego, lo infantil, un intento de destruir el arte anterior). “Novia”.

MARCELL DUCHAMP (1887-1968):

• Nace en Francia dentro de una familia culta, acomodada económicamente hablando. En 1904 se instala en París y va a comenzar su periplo artístico. En 1910 empieza a experimentar con el cubismo, entra en la orbita de la estética cubista. Esta estética es la que siguen en la obra “Desnudo bajando la escalera número 2”, es una obra que causó furor en la Armory Show de 1913 de NY. Tanto éxito tuvo esta obra que en 1959 un fotógrafo tomo una instantánea de él bajando por las escaleras. Vemos una especie de cronofotografía pictórica aplicada a la estética cubista. Sin tener nada que ver con el futurismo coincide en las características de velocidad y cronofotografía. Además vemos una especie de cilindros que están en continuo movimiento. Implica ciertas notas sexuales, pero aparte encontramos maquinismo, la máquina tan importante para los dadaistas. Esta es una obra precedente de una de sus gran obras que se titula “El gran cristal”. Pese a que la primera fue un gran suceso en NY, en Europa fue muy criticada. Él se tomó muy mal las críticas, e incluso dejo momentáneamente la pintura como categoría artística. Además esta crítica el afectó tanto que se alejó totalmente del Cubismo. A partir de entonces él comenzó a interesarse por las matemáticas y la física. Se interesó también por la obra de Rymond Roussel. Lo importante de esto es la homofonía, que serían palabras que suenan más o menos igual pero que tienen diferentes significados. Ej.: tacón, lacón. También a partir de entonces se va a centrar más en el mundo de la máquina y va a mezclar la máquina con el ser humano. En 1915 se traslada a NY, pero dos años antes de trasladarse y justo cuando se celebra la Armony Show, comienza a hacer una serie de objetos artísticos que denomina Ready Made. Son objetos manufacturados que son presentados como obras de arte, siempre se han visto o analizado dentro del dadaismo pero estamos hablando de de que son obras de 1913, y el Dadaismo es de 1916. “Rueda de bicicleta” (1913, toma una rueda y aplica una mínima intervención, una vez aplicado esto, este objeto pasa a ser un objeto artístico, sin olvidar la cotidianeidad. Con esa mínima manipulación desmitifica el objeto). Marcell Duchamp decía que un espectador cuando va al Louvre reacciona igual que al ver cualquier otro objeto. O sea, que si no tenemos educación suficiente, todos reaccionaríamos igual, ya sea la Gioconda o una rueda de bicicleta. Lo que intenta mostrar es la indiferencia visual del espectador. Para eliminarla lo que tiene que hacer es eliminar el contenido estético de ese objeto, de la obra en sí. La estética pasa a un segundo plano para esta autor. La obra tiene que resultar completamente indiferente. Sin embargo si no hay un concepto de estética que se pueden llevar a la obra, el objeto tiene que ser útil. El espectador tiene que percibir que el objeto es útil. Lo único que le importa es que el arte sea útil. No quiere dar ni placer ni repulsa al espectador, lo único que quiere provocar es indiferencia. Pero que también en el espectador se pueda crear un sentido de utilidad. “El botellero o el escurridor de botellas”. “Pala de nieve” (su modificación es que está colgada). “L.H.O.OQ” (en castellano, utilizando la homofonía “Ella tiene el culo caliente/cachondo”); “La fuente” (es un urinario público, el único sentido son las características de todos los Ready Made). Todos estos son precedentes de su gran obra “El gran cristal” (es una obra de entre 1915-1923, va a ser la culminación de la expresión artística de los Ready Made, además va ser firmado, como la fuente, con un pseudónimo, en este caso femenino. También se titulo con “La desposada desnudada por sus solteros, incluso. Existen trabajos preparativos para realizar esta obra: “el molinillo de chocolate (1913), “Los nueve moldes viriles” (serían los 9 novios, que están inspirados en monos de trabajo). “l gran cristal” está inspirada en el mundo de la máquina, pero trazando a través del dibujo técnico como si fuera un delineante. En 1915 compra dos cristales, y comenzó la obra. En 1923 en el traslado de la obra se rompieron los cristales, y dijo que la obra estaba acabada. Realmente no se sabe lo que Duchamp quería decir con esta obra, y eso que él escribió sobre su significado; en principio se trataría de una máquina de sexo, de amor, con muchas connotaciones sexuales, pero sería una máquina que no funciona; y al no funcionar se produce la frustración de todos los componentes de la máquina. Eso es lo que la mayoría de las opiniones de los críticos. Utiliza una técnica nueva, que no se había utilizado, sería utilizar dos cristales al mismo tiempo, que no están pegados, sólo cerca, y además estarían trabajados pro el reverso. Él lo que hace es delimitar los contornos con hilo de plomo y a veces cuando ve que se posa el polvo no lo limpia, sino que lo fija incluso con barniz; es decir el azar del Dadaismo. La aparte superior del cristal está dedicada a la desposada y al inferior al ámbito de los solteros, está parte es la de la frustración y en ella hay una serie de círculos que no pertenecen a la máquina en sí, y que serían los buayers (espectadores que esperan una imagen de sexo), y ven al frusrtación.
  • En 1923 abandona la actividad artística. Se dedicó a jugar al ajedrez, fue mucho tiempo mantenido por marchantes de arte. Muere en 1968, cuando muere se descubrió que había trabajado secretamente entre 1946 y 1966, en una obra, “Dándose. Primero el salto del agua. Segundo el gas de alumbrado” (esta obra, o el inicio de esta obra es una puerta antigua, con una serie de orificios, y a través de ellos el espectador se introduce en la obra. Y si mira a través de ellos se ve un diorama, de una instalación. Y lo único que se ve es sexo, es una vista de vuayer. La manipulación que hacía en los Ready Made, en este caso se hace sobre el espectador convirtiéndole en veuayer. Utiliza una técnica realista. Quiere representar la alegría de vivir, tan importante en los dadaistas, que la vida hay que vivirla sin normas.

MAN RAY (19890-1976):

• Era de E.E.U.U. y fue amigo de los autores anteriores, él va a llevar a cabo obra dadistas entre 1915-1920, coincidiendo por tanto con las obras de los anteriores en que critica la máquina. A partir de esta época se centra más en la fotografía y más adelante fotografías surrealista. “Regalo” (1921, se representa algo similar a un Ready Made, pero es muy posterior. Vemos un objeto con una pequeña manipulación, en este caso las puntas, la diferencia con Reddy Made es que no se puede utilizar, que no tiene sentido de utilidad. Es un intento más de matar el arte, la plancha sería negada como objeto en sí). En la fotografía de Ray vemos que es dadaista hasta 1924, que es cuando surge el manifiesto surrealista, y al ver que se está volviendo académica, muchos dadaistas se pasaron al surrealismo tras firmarse este manifiesto. Es como la continuación del dadaismo epro con otros aspectos. “Diferentes objetos cotidianos, pero que intenta crear algo de profundidad y relieve” (A diferentes alturas coloca los objetos, pero al azar, intenta crear el efecto de tres dimensiones, pero al azar).

10. ARTE ABSTRACTO

Hablamos de suprematismo, contructivismo y neoplasticismo. Estos tres movimientos se van a desarrollar entre la década de los 10 y los 20. La guerra va a influir en su desarrollo, pero tampoco de manera tan radical como en el dadaismo. Hasta ahora, París era el centro mundial del arte, sin embargo, en la guerra París era asediada por los alemanes, así que pasa otros lugares como Holanda, Rusia de Contructivismo. Estos tres movimientos poseen rasgos comunes: la abstracción, esta sería una abstracción geométrica (Como Kandisnsky en el s. xx). Las obras de estos tres movimientos van a transcender en el ámbito de la pintura e intentan buscar la integración de las arte con una solidez teórica no vista hasta ahora. Ej.: “Cuadrado negro sobre fondo blanco” puede tener una explicación filosófica de unos 100 folios.

19/01/2010

ANA Y ALBA

20/01/2011

SCHOENMAEKERS

Basa su trabajo en la teosofía, que intentaba buscar los vínculos universales que existen entre los hombres, o por ejemplo los vínculos que existen entre las religiones, algo muy místico. Vínculos entre cosas muy diferentes. Dentro de esto defiende dos principios en el Neoplasicismo: primacía cósmica ortogonalidad de líneas horizontales y verticales y utilización de colores determinados (3 colores).

P. MONDRIAN (1872-1944)

Era un pintor famoso en los 10´, basaba su pintura en el Cubismo. Sin embargo, su estilo era muy personal, ya que hacía una simplificación geométrica radical y también se aprecia como delimitaba los contornos con unos trazos engros muy fuertes.

Entre 1917/18 prepara un escrito llamado “El Neoplasticismo y la pintura”, va a a ser publiblica en la revista Le Styl. Con la 1 ª GM, se vió obligado a estar en Holanda y entró en contacto con  el artista anterior.

Entre 1913/14 haría una serie de obras similares a la de la imagen con multiplicidad de planos, intención de la monocromía, esta pintura es “Composición 7”.

Entorno a 1916 Mondrian va depurando su  estilo. “Composición” (vemos colores: naranjas, rosas, verdes, azules, pero también vemos trazos negros con ese intento de marcar los contornos).

En 1917 podemos ver planos flotantes de color, en fondo neutro, con pequeños fragmentos “Composición en color A”.

Así hasta llegar a 1920 el entra de lleno en la pintura Neoplasticista, y ya todas sus pinturas se parecen a la obra de la imagen “Composición en rojo, amarillo y azul” (1921, ortogonalidad de líneas, ya el color es rojo, amarillo y azul. Quiere buscar la armonia del individuo y la sociedad en general intenta buscar una composición armónica. Que para él es colocar amarillo en la izquiera superior, el rojo que pesa mas abajo. Distancia entre las líneas).

GERRIT RIETVELD (1888-1964).

Arquitecto e importante diseñador holandés.

“silla en rojo y azul” (1918, ejemplo de que el Neoplasicismo puede aplicarse también en diseño, arquitectura. Ortogonalidad de líneas, aunque si que existe una pequeña diagonal).

 “La casa de RIETVELD SCHRÖDER” (gris como oscurecimiento del blanco). Es patrimonio d ela humanidad.

10. SURREALISMO

Se va a nutrir de autores que han pertenecido al Dadaísmo. Como en el Dadaísmo, también el Surrealismo va a rtener sus orígenes en la literatura y después en el resto de las artes.

Lso Dadaísta carácter nihilista, matar el arte; miesntras que los surrealistas no. El surrealismo admite la creación artística, bajo un punto muy determinado, siempre puede haber creación artística al margen de la razón. Si lo que se ha conseguido no es al margen de la razón, no es creación artística. Una similitud con el Dadaísmo es el político. Los surrealistas van a estar muy cerca de ideales comunistas.

En cuanto a técnicas: si el inicio está en la literatura, las primeras técnicas se adaptando e la literatura a la pintura.

• Escritura automática: el artista se abstrae del control racional, y por tanto crea al azar. Pero es un azar que ya también utilizaban los Dadaístas. Aquí el azar también va a ser una forma de evasión de la realidad, si nos evadimos de la realidad a través del azar, vamos a poder crear, eso sí un mundo surrealista. En él ocurren asociaciones de ideas que serían absolutamente impensables que hubieran surgido d ela lógica; por tanto la creación surrealista proviene del enajenamiento mental. Dentro de la escritura automática hay subtécnicas:
  • • “Los cadáveres exquisitos”: similar a las palabras encadenadas. Cada uno dibuja una parte, por lo que sale un híbrido. Asociaciones insólitas.
    • “Los relatos de sueño”: es relatar un sueño. Y los sueños están fuera de toda la lógica y toda la razón. Drogas, hinopsis.

Entre 1921 y 1924 cuando hay ciertos recelos entre los artistas dadaístas, van a comenzar a pensar de otra amnera. Entre esos años trabjan juntos los dadaistas y ciertos artistas que utilizan ciertos aspectos surrealistas.

En 1922 congreso internacional para debatir cual sería la verdadera forma del espíritu moderno. Andre Breton es el “sumo pontifice” del Surrealismo dice que ese espiritu mnoderno estará basado en un afan creador. Y Kristan Sara, dadismo, decía que no hay creación. Es una ruptura de ideas o de objetivos entre ambos miembros. Sin embargo, puesto que hay nuevas ideas, el 15 de Octubre de 1924, Andre Breton publica el manifiesto del surrealismo, de ese manfiesto scamos dos puntos esenciales:

• Definición del surrealismo: ámbito donde se resuelven todas las contradicciones.
  • Puede adaptarse a todos los campos.

ANTECEDENTES:

Los estudios de Sigmund Froid, al psicoanálisis. Y a la obra de Giorgio de Chirico, se basa en na pintura metafísica, pintura pseudoclásica pero con relaciones insólitas. También hay influencias en autores de libros, literatos, El Marqués de Sale.

PERIODOS

Primer Periodo: PERIODO DE FORMACIÓN O INVESTIGADOR: (1921-1924): donde todavía existen contactos con artistas dadístas.

Segundo Periodo: PERIODO RAZONADO: (1925-1929): surge la pintura surrealista. En 1924 se firma el manifiesto, pero no es hasta el 25 cuando se adhiera la pintura surrealista. Con una excepción, Marx Ernst, que ya hacía pintura surrealista antes de esta fecha.

Tercer periodo: PERIODO DE EXPANSIÓN: (1930-1939): es un epriodo donde el surrealismo se difunde internacionalmente. Se incorpora la figura de Dalí. Se difunde a través de revistas, congresos, viajes de autores, exposiciones…

LA pintura surrealista carece de unidad, en el Dadaísmo también carecía de unidad porque existían varios grupos, con características determinadas. En el surrealismo ocurre lo mismo, pero no por diversidad de grupos sino por diversidad de artistas, ya que cada uno tiene sus características; pero si que podemos dividirla en dos corriente o aptitudes: naturalismo y el autormatismo.

Automatismo: a través d ela liberación del control racional se llega a la pintura surrealista. El resultado de este automatismo serían formas orgánicas o biomorficas. Una serie de formas que lindan con la abstracción, pero esta es absolutamente impensable en el surrealismo, ya que necesita de la figuración, ya que es surrealismo y no arte abstracto.

Naturalismo: se basa en una pintura cercana a la académica pero con unas salvedades, distorsión de los objetos y asociaciones insólitas.

AUTORES

Picasso: dentro de su independencia como artista, durante bena parte de los años 20, tuvo una fase surrealista, coincidiendo con los inicios del movimiento.

Marx Ernst (1891-1976):

Estudioso de la obra de Sigmund Froid, tuvo una educación humanística, era una persona hiperculta. Su lema, muy relacionado con el surrealismo: “el artista debe meterse en su propia obra”. Es la excepción de pintor surrealista, que hace obras que pueden denominarse surrealistas ante de comenzar el movimiento, entre 1922-1925. “Reunión de amigos” (1922, representa a través de un naturalismo, figuras del momento unidos con personajes del pasado. Escultura representando a Giorgio de Chirico, Dala (Dali), Rafael, Dolstotyesky, es la representación de cultura, anelo.  Paisaje de ensueño, ideal, surrealista, parece un paisaje lunar, la reunión no tiene sentido en ese lugar. Herencia del collage dadaista). “El elefante se eleva” (elefante convertido en máquina, como el dadaismo, 1921, vemos como que fuera la representación de un sueño. Relaciones insólitas). “Edipo Rey” (1922, se basa en el mito de Edipo. Ernst estaba obsesionado con los pájaros. Mano supergrande, sostienen una nuez, con un utensilio estraño que se utilizaba para amtar a los pollos. Además la nuez también está cruzado por una flecha, que es cuando el se saco los ojos con la flecha.El padre de Edipo lo abandono en el bosque con los pies atados que corresponderia a la cuerda que ata los cuernos. Es una actitud racionalista porque identificamos todos los objetos. Pero las relaciones están llenas de simbiología). 1925-1930: abandona esta corriente naturalista y se centra en el automatismo, para esto se basa en una técnica, frottage, equivale al al escritua automática. Completa el dibujo donde el ve ciertos puntos mas marcados los une con figuras., y que no está técnica quede en nada. Muy dificl llevarla al liencio asi que crea una nueva técnica, gettage, se basa en coger un lienzo aplicar múltiples capas de diferetes colores. Una vez seca, cogemos algo  rugozo y que lime, y rascamos. “Eva la única que nos queda” (1925). Luego concreta el dibujo. “Las ordas” (1927), “Bosques de espinas de pescado” (1927), “visión nocturna provocada por la puerta de Sandenis”.

Tan importante su obsesión con los pájaros, que lelga a afirmar que tiene una doble personalidad, personalidad de pajaros. A esa personalidad le llama Loplop. Muchas de las obras van a estar cargadas de algo inquietante, algo acogedor, lo vemos bien en la tercera etapa (1930). Vuelve a pintar de manera tradicional, el naturalismo, pero bno vuelve al d ela primera fase, sino que va a distorsionar las figuras que representan. Parece que estan con grattage pero no es así. Esas figuran tendrñian posturas muy forzadas y un movimiento muy dináco. Ejemplo de ello sería : “el ángel doméstico o el triunfo del surrealismo” (1937, a lusión a la G. Civil Española, que sería la figura del primer plano, y el otro sería Loplop. Esto tiene sentido porque quiso entrar en las brigadas internacionales de España). A mediados de los 30, experiementa con una técnica inventada por un artista español, llamado Oscar Dominguez, la calcomanía, osea, la calcomanía sobre un lienzo. El lo que hace es cooger un leinzo y cuando la pintura esta aun mojada, coge una superficie lisa y dura y presiona ambas, y asi con varias, Como sellar. “El traje de la novia” (Naturalismo distorsionado. En la izquierda de la foto Lop Lop). “El antílope” (1941, terrorífico, paisaje apocalíptico. Fuera de la lógica. Angustia del interior del artista. Hace referencia a la 2ª GM, con esos paisajes apocalipticos). “El ojo del silencio” (1942, mundo distorsionado, paisajes oníricos). “La tentación de san antonio”.

ANDRÉ MASON (1896-1987)

Automatista por antonomasia de l surrealismo, aparte de Miró. Colabora en la 1ª GM, y activamente, es más va a ser herido muy gravemente y eso le causa un grave trauma psicológico. A Mediados de los 20´ conoce a Breton y s eincorpora al surrealismo. En un primer momento lleva a cabo dibujos autormáticos, con lápiz a gran velocidad. Su dibujo fuera insconsciente; surgiendo un dibujo automático. Evidentemente con estos dibujos sólo pudo ilustrar revistas., porque tenía un problema para adaptarlo al liencio, no el gusto así cambio los amteriales: arena de diferente grosor, y diferentes colores. Ejemplo de ello sería “Batalla de peces” (1926, intenta representar la brutalidad humana, y como e sun dibujo automatico,y no hay lugar para lo abstracto.

Fue expulsado en 1929, porque Breton quería pinturas que se pudiera leer, y André Mason decía que tenía una obra más visual que de contenido.