La Última Cena de Leonardo da Vinci: técnica, simbolismo y deterioro

La Última Cena de Leonardo da Vinci

Clasificación

La obra maestra La Última Cena es atribuida a Leonardo da Vinci. Se trata de un fresco de 4,60 x 8,80 metros, pintado entre 1495 y 1498. Está ubicado en la pared del refectorio de la iglesia de Santa María delle Grazie en Milán. El duque Lodovico la eligió como capilla y mausoleo familiar, y la tribuna y el presbiterio fueron renovados por Bramante en 1492.

Análisis Formal

Técnicamente, no se puede afirmar que sea un fresco en el sentido estricto, ya que Leonardo da Vinci consideraba este sistema demasiado precipitado. Optó por pintar con óleo sobre yeso seco, una técnica experimental que lamentablemente provocó un rapidísimo deterioro.

La pintura refleja el momento de la última cena en el que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. La composición se organiza en cuatro grupos de tres personajes, con Jesucristo aislado en el centro. Cada personaje plasma una emoción humana distinta: estupor, ira, miedo... excepto Jesús. Quizás el autor quiso representar así la diferencia entre los hombres y Dios.

Utilizando la perspectiva lineal a través de la arquitectura y el sfumato con el paisaje del fondo, Leonardo enmarca la escena y a los personajes. Esto crea la ilusión de que asisten a una cena compartida en el refectorio del monasterio. De hecho, la estancia figurada es una prolongación visual de la estancia real.

Mediante la horizontalidad teatral, pinta una gran mesa cuadrada. Los apóstoles están sentados alineados a ella, con Jesucristo en el medio. Detrás, se observa una sala amplia con ventanas al exterior, a través de las cuales se vislumbra un paisaje identificable de la época, todo ello bajo un techo de vigas de madera.

Iluminación y Color

Leonardo ilumina la escena con luz artificial a su conveniencia, prescindiendo de la iluminación natural que proporcionarían las ventanas traseras. Solo la utiliza para aureolar difusamente la cabeza de Cristo, creando un contraluz en el momento en que anuncia la traición de Judas.

La visión desde las ventanas aporta perspectiva y una visión de lejanía gracias al paisaje que se aprecia. El color comienza a predominar sobre el dibujo, un hecho facilitado por la técnica del sfumato. Todo el cuadro es un alarde de simetría y matemática.

Análisis Simbólico

Este tema religioso es "traído" a la cotidianidad de la Italia renacentista mediante el marco arquitectónico, los vestidos y la morfología corporal. Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como modelos para los personajes del mural, e incluso se retrató a sí mismo en el segundo grupo.

Los signos de la santidad, como el cáliz o el vino, no aparecen explícitamente, lo que refuerza la humanización de la escena.

Conclusión y Deterioro

La obra tardó 7 años en completarse y ha sufrido numerosas restauraciones. Varias inundaciones acaecidas en Milán contribuyeron a su deterioro. La incorporación de una puerta en la sala en 1652 cercenó los pies de varios personajes del mural.

En 1797, un ejército francés utilizó la sala como establo, deteriorando la obra aún más. En 1943, los bombardeos aliados añadieron su contribución al progresivo deterioro.

En 1977 se inició un programa de restauración y conservación que mejoró en gran medida el mural. No obstante, gran parte de la superficie original se ha perdido. A pesar de ello, La Última Cena se ha convertido en una de las obras más famosas de Leonardo da Vinci.