Опера «Волшебная флейта», «Травиата», «Отелло», «Риголетто», «Аида»: Моцарт, Верди, Мендельсон и Россини в истории оперы

Волшебная флейта

Волшебная флейта.

1791 — последняя опера Шикандедера, зингшпиль в 2-х действиях с разговорными диалогами. Гуманистические идеалы с масонскими идеями. Искусство масонов объединяло передовых людей Австрии, оно искало расширения просвещения, боролось с иезуитством и суеверием, провозглашало идею равенства и братства людей.

Шикандедер изменяет сказку: Зарастро — правитель добрый, в опере добрая/злая мать, страдающая, — Царица Ночи (символизирует слепую страсть, месть, тьму невежества; в конце утверждается место мудрости Зарастро). Выделяет образы:

• лирические — Памина и Тамино;
• комические — Папагена и Папагено;
• фантастический — Царица;
• философский — Зарастро;
• экзотический образ — Моностатос.

Папагено связан с австрийской и немецкой народной песней, арии связаны с куплетом.

Тамино — ария с портретом в 1 действии, Памина — ария мнения. В музыке Зарастро и жрецов господствует возвышенный хор гимнических масонских песен.

Царица Ночи — к миру зла, арии в стиле seria. Моностатос охарактеризован приёмами… Кол. с ув. мед. венум мир разума, сонатное Allegro атмосферически. Фугато Тв [Гв] увертюра заимствована из сонаты Клементи. Сюжет пронизан масонскими числами: 3 действия, 3 фигуры, 3 мужских голоса, 3 испытания. «Волшебная флейта» завершает развитие австрийского зингшпиля XVIII века и одновременно подготавливает немецкую романтическую оперу.

Баланс высокого и философского, пара: юмор Т — Гено.

Флейта как магия

Противопоставление Тамино и Папагено: это две стороны человеческой природы. Принц Тамино — дух, стремящийся к идеалу и просвещению через тяжёлые испытания. Птицелов Папагено — земной, простой человек, которому не нужны тайные знания, а нужны лишь «вино, еда и милая женушка» (Папагена). Моцарт не осуждает Папагено, а относится к нему с огромной тёплой иронией.

Опера «Травиата» (1853)

«Травиата» — одна из самых известных опер Джузеппе Верди. Она написана по роману Александра Дюма-сына «Дама с камелиями». Либретто создал Франческо Пьяве. Это первая в истории итальянской оперы крупная музыкальная драма на современный сюжет. Главной героиней стала женщина-куртизанка Виолетта Валери, способная на глубокую и искреннюю любовь.

Образ Виолетты

Виолетта — один из самых глубоких женских образов в мировой опере.

На протяжении произведения она проходит сложный путь:

• беззаботная светская красавица;
• искренне любящая женщина;
• героиня, жертвующая собой ради счастья других;
• трагически погибающая женщина.

Ария «Не ты ль мне в тиши ночной», дуэт с Жермоном; предсмертная ария.

Главную роль играет лирическое начало. Верди показывает внутренний мир героев через музыку.

Большое значение имеют дуэты: Виолетты и Альфреда; Виолетты и Жермона.

Особую роль играет вальс. Его интонации звучат: в застольной песне Альфреда; в ариях Виолетты; в любовных сценах.

В зависимости от ситуации вальс может быть радостным, праздничным или трагическим. «Травиата» стала вершиной лирико-психологической оперы XIX века. Верди впервые показал драму обычного человека и создал один из самых трогательных женских образов мировой музыки.

Опера «Отелло»

Опера «Отелло» создавалась в 1881–1886 годах, премьера состоялась в 1887 году. Либретто — Арриго Бойто, написана по трагедии Шекспира. Композитор сокращает отдельные эпизоды трагедии, сжимает сюжет, но в то же время вносит дополнительные сцены, раскрывающие душевный мир героев. Например: дуэт Отелло и Дездемоны в конце 1-го действия.

В этой опере Верди отказывается от номерной структуры: действия распадаются на сцены, и композитор сочетает сквозное развитие с завершённостью отдельных номеров — застольная песня Яго, его монолог, ария Отелло, песня об иве Дездемоны.

В «Отелло» Верди находит идеальное соотношение между речитативно-декламационным и ариозным началом. Оркестр в опере — равноправный участник действия; именно в оркестре проводится тема любви главных героев.

В опере 4 акта. Она начинается без увертюры, с большой хоровой сцены, которая характеризует Отелло как народного вождя и любимца.

• 1 акт распадается на 3 большие сцены: буря, таверна и ночь. Во 2-й сцене дана экспозиция образа Яго с его застольной песней, а в центре 3-й сцены находится любовный дуэт Отелло и Дездемоны.
• 2 акт сконцентрирован на раскрытии образа Яго: здесь звучат его монолог и дуэт Яго и Отелло. Яго Верди характеризует не в сатирическом, а в драматическом плане. Композитор использует драматические средства выразительности: угловатую мелодику, стремительные пассажи, трели, тремоло.
• 3 акт показывает рост ревнивых чувств Отелло в дуэте с Дездемоной. Кульминация всех противоречий драмы дана в септете с хором.
• 4 акт — вершина трагедии. Начинается с оркестрового вступления, тематизм которого пронизывает всю первую сцену, где звучат песня об иве и молитва Дездемоны. Завершается опера предсмертным монологом Отелло.

Опера «Риголетто» (1851)

Написан на основе драмы Гюго «Король забавляется», либретто Пьяве. Либреттисты «Риголетто» внесли изменения в трактовку драмы: действие перенесено из Франции в итальянскую провинцию Мантую. Вместо короля здесь герцог Мантуанский, вместо Трибуле — Риголетто, вместо его дочери Бланш — Джильда. Но основная социальная идея драмы — противопоставление благородного простого человека — шута развратному аристократу (королю) — сохранилась.

«Риголетто» — опера-драма. В ней 3 основные интонационные сферы:

1. герцог и придворные;
2. Риголетто;
3. Джильда.

Герцог обрисован интонациями итальянских канцонетт (баллада, песенка «Сердце красавиц»). Жанры бытовой музыки — менуэт, марш — использованы в характеристике придворных.

Наиболее сложный и многогранный — образ Риголетто. Он — придворный шут, любящий и страдающий отец, гневный мститель. Начинается опера с лейтмотива проклятья, которое предвещает трагедию Риголетто.

В первой половине оперы Верди раскрывает образ Риголетто как шута. В дуэте с Джильдой он показан как любящий отец. Центральной его характеристикой является ария «Куртизаны — исчадье порока», где он выступает как оскорблённый отец. И, наконец, в дуэте с Джильдой «Да, настал час ужасного мщения» Риголетто предстаёт как беспощадный мститель.

Индивидуальную характеристику имеет Джильда. Она исполняет 2 арии — «Ах, при имени его», «В храм я вошла». Верди обычно наделяет женские образы обаянием, изяществом, целомудрием. Все интонационные сферы соединяются в квартете в 3-м действии. В нём участвуют герцог, Маддалена, Риголетто и Джильда. Завершается опера трагически — гибелью Джильды.

«Аида»

В 1869 году Верди получил от Египта заказ на новую оперу, премьерой которой должно было ознаменоваться открытие Суэцкого канала. В 1871 году состоялась премьера в Каире. Либретто было создано Локлем (фр.) и Гисланцони (ит.). Опера написана на древнеегипетский сюжет.

В ней соединяются 2 жанровые линии — большая героическая опера и лирическая опера. За исключением романса Радамеса, опера состоит из больших драматических сцен. В ней противопоставлены 2 контрастных начала — образ Аиды с её любовью и суровый образ жрецов. Каждый из этих образов имеет свой лейтмотив, и на их противопоставлении основано вступление к опере.

Образ Аиды показан многогранно. Её первая характеристика — развёрнутый монолог, где раскрывается, с одной стороны, любовь к Радамесу, а с другой — тревога о судьбе родины. Если монолог декламационен, то романс Аиды в 3-м акте отличается песенностью.

Амнерис — соперница Аиды. Она имеет 2 лейтмотива: мотив ревности и мотив её царственного облика. Как страдающая женщина она раскрывается в сцене суда над Радамесом. Верди подчёркивает 2 стороны Радамеса: лирическую и героическую.

Отец Аиды — Амонасро — показан как патриот своей родины. В опере важное значение приобретают диалогические сцены: Аиды и Радамеса, Аиды и Амнерис, Радамеса и Амнерис.

Сюжет «Аиды» многогранен, поэтому композитор уделяет внимание крупным массовым сценам. Яркий пример — финал 2-го действия, ансамблево-хоровая кульминация оперы. В одновременном звучании здесь соединяются 3 хора: народ, жрецы, пленники, голоса всех участников и оркестр. Опера завершается мелодией предсмертного дуэта Аиды и Радамеса «Прости, земля» на pp.

«Песни без слов» Мендельсона

«Песни без слов» — образец изящного лиризма. В основе каждой пьесы лежит один музыкальный образ. Некоторые пьесы имеют программный характер, например: «Народная песня», «Охотничья песня», «Весенняя песня», «Песня венецианского гондольера», «Песня за прялкой», «Похоронный марш». Но большинство пьес названий не имеют. В них преобладают два типа лирических образов: светлые, элегические и взволнованные, порывистые.

Это уникальный цикл из 48 фортепианных пьес, распределённых по 8 тетрадям. Это вершина его фортепианного творчества и совершенно новый жанр в музыке романтизма. Мендельсон писал этот цикл на протяжении почти всей жизни (с 1829 по 1845 годы). До него композиторы писали либо песни для голоса, либо крупные фортепианные формы (сонаты, вариации). Мендельсон объединил вокальную певучесть и фортепианную миниатюру.

Главная идея: музыка может выражать мысли и чувства точнее, чем слова. Мендельсон считал, что слова слишком двусмысленны, а музыкальная мелодия говорит сердцу напрямую.

Домашнее музицирование: пьесы задумывались не только для больших концертных залов, но и для любительского исполнения дома (в рамках немецкой традиции Hausmusik). Они технически доступны, но требуют тонкого вкуса и певучего звука.

«Песни без слов» Мендельсона — это дневник души композитора. Он доказал, что фортепиано способно «петь» не хуже человеческого голоса, и создал эталон романтической миниатюры, где за внешней простотой скрывается глубокое благородство чувств.

Вторая крупная сфера творчества Мендельсона — симфоническая музыка. Мендельсон утвердил концертную увертюру как самостоятельный жанр. В увертюрах композитор отражает образы скерцозности и фантастики, например, в ранней увертюре по Шекспиру «Сон в летнюю ночь». Образы природы нашли отражение в увертюрах «Морская тишь и счастливое плавание», «Гебриды, или Фингалова пещера», «Сказка о прекрасной Мелузине». Две увертюры были написаны к драматическим спектаклям: «Рюи Блаз» по Гюго и «Аталия» по Расину.

Среди пяти симфоний Мендельсона лучшими считаются две — Итальянская и Шотландская. Обе тесно связаны с классическими традициями.

Шотландская симфония № 3 ля минор отличается суровым, меланхолическим характером. Мендельсон передаёт в ней впечатления от северной природы Шотландии, её исторических легенд и образа Марии Стюарт. Все части симфонии исполняются без перерыва. Первая часть — сонатное allegro — открывается вступлением; на основе темы вступления строятся главная и побочная партии. Вторая часть — скерцо, третья — andante, плавное течение музыки которой напоминает «Песню без слов». Четвёртая часть — стремительный финал.

Итальянская симфония ля мажор была написана под впечатлением поездки композитора в Италию. Это светлая, жизнерадостная симфония, проникнутая интонациями итальянского фольклора. В финале симфонии композитор использовал народный танец сальтарелло.

«Сон в летнюю ночь»

Увертюра «Сон в летнюю ночь» была написана в 1826 году по комедии Шекспира. В 1841 году Мендельсон вновь обратился к этому произведению и сочинил дополнительные номера к пьесе Шекспира.

В увертюре раскрывается сказочная жизнь леса в лунную ночь, вызванная волшебным сном. Увертюра начинается вступлением, после которого следует сонатное allegro. Вступление и главная тема создают фантастический план произведения. Образ зачарованного сна передаётся во вступлении, а главная партия представляет собой весёлый хоровод эльфов и духов природы.

Несколько побочных тем носят лирический характер. В разработке главенствует тема главной партии. В репризе возвращаются все основные образы.

Джоаккино Россини. «Севильский цирюльник»

Россини — крупнейший итальянский оперный композитор первой трети XIX века. Начало музыкальной деятельности Россини совпало с периодом кризиса, охватившего итальянский оперный театр. Основные оперные жанры — seria и buffa — достигли своего расцвета и в этот период начали клониться к упадку.

В творчестве Россини происходит процесс обновления этих жанров. В опере buffa появляются яркость современных чувств, реализм музыкальных образов, стремительность и динамичность развития. В опере seria композитор развивает героическое начало, что стало откликом на национально-освободительное движение того времени.

Россини — автор 38 опер, среди которых «Севильский цирюльник», «Итальянка в Алжире», «Отелло», «Золушка», «Танкред», «Вильгельм Телль».

Опера «Севильский цирюльник» стала вершиной развития итальянской оперы buffa. Национальная специфика, связь с народным искусством и традиции жанра обогатились в этой опере изображением современной действительности. Опера была написана в 1816 году и предназначалась для постановки в Риме во время карнавальных праздников. В основу либретто положен сюжет комедии Бомарше. Либретто во многом отличается от литературного источника: социальная заострённость, обличительные и сатирические моменты комедии в опере оказались значительно смягчены.

Социальная идея Бомарше, подчёркивающая противопоставление умного слуги Фигаро и графа Альмавивы, в либретто была изменена. Оперный Альмавива — лирический персонаж, влюблённый юноша, который одерживает верх над корыстными замыслами опекуна Бартоло.

Изменилась и трактовка образа Фигаро. У Бомарше Фигаро — умный человек, произносящий речи против аристократов. В опере в партии Фигаро нет намёка на подобные высказывания. Здесь Фигаро — весёлый, находчивый и ловкий слуга, противостоящий отрицательным героям: опекуну Бартоло и учителю музыки Базилио.

Сатира в опере связана с осмеянием человеческих пороков: глупости, честолюбия и жадности. «Севильский цирюльник» — реалистическая комедия, которой свойственны жизнерадостный тон и стремительное развитие действия.

Опера состоит из двух действий и начинается увертюрой, вводящей слушателя в атмосферу веселья. Увертюра написана в сонатной форме без разработки.

В многочисленных ариях представлена целая галерея образов: Фигаро (каватина), Альмавивы (каватина и канцона), дон Базилио (ария-клевета), Розины (каватина). В сольных ариях Россини использует средства вокальной техники бельканто.

Ансамбли в опере являются главными носителями действия, что вытекает из особенностей жанра оперы buffa. Например, квинтет в финале первого действия и сцена бегства во втором действии. В ансамблях Россини продолжает развивать традиции Моцарта.