Arte Barroco en España: Velázquez, Caravaggio y la Pintura del Siglo XVII

Contexto del arte barroco

El arte barroco nació a principios del siglo XVII en Italia y estuvo presente hasta mediados del siglo XVIII. El nombre de barroco fue dado a este estilo con un sentido despectivo, en alusión a la perla barroca, una piedra irregular, como se hacía con el término empleado por Renan, cuando creaba un lenguaje nuevo que rompía con las formas manieristas y con la razón renacentista.

Coincide con cambios en Europa con la reafirmación del Concilio de Trento, la consolidación de los estados nacionales y la consagración de las monarquías absolutas. El arte estuvo al servicio de la Iglesia con la función de reafirmar la fe, en las monarquías para propagar el poder y para la burguesía.

Sus rasgos comunes son: sensualidad frente a razón, arte popular, rechazo del equilibrio, la proporción, la nitidez, el ideal de belleza, la búsqueda del movimiento, el dramatismo, la irregularidad y la sorpresa.

En Holanda, los calvinistas del norte emprendieron la guerra contra Felipe II, que terminó con la formación de un nuevo Estado; la sociedad holandesa era muy dinámica y predominaban los valores burgueses. Francia, en el siglo XVI, tuvo muchas dificultades por las guerras de religión, pero a partir de 1600 vivió un período de consolidación con Luis XIV, y en la segunda mitad del siglo XVII asumió la hegemonía europea.

Escultura

En España, la influencia de Berruguete no llega hasta el cambio de dinastía. La escultura española en el exterior conservó el trato real y el fondo dramático, expresado para persuadir a los hombres; por eso empleó un lenguaje verosímil para emocionar. Mantuvo la técnica del estofado, que luego se abandonó por el postizo.

Tres focos escultóricos destacan:

• Escuela castellana: Gregorio Fernández.
• Escuela andaluza: Alonso Cano y Pedro de Mena.
• Escuela levantina: Francisco Salzillo.

Pintura

Consiste en convertir un vehículo en importante para extraer la contrarreforma a través de un naturalismo que permite expresar contenidos religiosos, como algo en la vida cotidiana. Características: naturalismo, temas religiosos, mitológicos y bodegones, importancia del retrato político y pintura con número reducido de personajes.

Pintores destacados: Rubens (Las tres Gracias y El juicio de Paris), Rembrandt (La lección de anatomía del doctor Tulp) y Caravaggio (El entierro de la Virgen).

Ficha: La Piedad

• Estilo: Barroco italiano / español
• Cronología: 1616
• Título: La Piedad
• Materia: Madera policromada
• Localización: Museo de Valladolid

Tanto la técnica de la escultura española como el canon alargado o los paños flamencos responden al estilo del autor, principal referencia de la escuela castellana. Parte de antecedentes técnicos, estilísticos y temáticos del siglo XVI que se alejan de las echas con materiales clásicos y apuesta por la madera policromada y el estofado. Gregorio Fernández referente para todo el norte de España, creando un propio modelo y distanciándose del idealismo.

El tema es uno de los momentos finales de la Pasión: la Virgen recoge en su regazo a Cristo muerto después de ser descendido de la cruz. En este momento, ella recuerda los momentos en los que lo mantuvo así, cerrando el ciclo de la vida de Jesús. El tema que revitaliza Miguel Ángel es fundamental en los desfiles de Semana Santa.

En la obra, Jesús aparece rodeado por el buen y el mal ladrón, que acercan verticalidad. La composición tiene forma de pirámide descendente que lleva el centro a la mano de la Virgen y a la cabeza de Cristo. Crea un equilibrio dinámico, tipo del barroco español de bloque cerrado y para ver desde distintos puntos de vista.

El modelado y la profundidad en los paños que envuelven a Cristo, o apoyo en el regazo de la Virgen o el resto de la mano alzada. Las figuras tienen un doble canon: Cristo es musculoso y alargado, y la Virgen es corta y ancha para estabilizar los pesos. En la Virgen aparece la tipología gestual teatral del barroco, aunque sin exceso. El dominio de la anatomía se evidencia en el cuerpo de Cristo muerto, mostrando los paños respecto a los modelos flamencos. La policromía es en tonos vivos y satinada en las vestiduras y mate en las carnes.

Ficha: La vocación de San Mateo

• Estilo: Arte barroco
• Cronología: 1599-1600
• Título: La vocación de San Mateo
• Autor: Caravaggio
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Localización: Capilla Contarelli (Roma)

El cardenal Mathieu Contarelli encargó en la iglesia de San Luis de los Franceses, en Roma, una capilla con la intención de ser enterrado en ella. La decoración debía tener como referencia la vida de San Mateo. Murió y la capilla no estaba terminada, pero dejó instrucciones sobre las pinturas, y gracias a Caravaggio (martirio, inspiración y vocación), era un encargo de mayor importancia, ya que sería un lugar público.

La vocación narra el momento en que Cristo entra en la taberna en busca de Mateo y lo señala con la mano. Obra de carácter revolucionario que va a ser tratada como obra costumbrista. El estilo del autor tuvo que cambiar sin renunciar a su personalidad, con un excelente naturalismo, con personas vulgares como modelos de lo sagrado.

Dispone de un espacio oscuro donde la luz ilumina parcialmente las formas, tenebrismo. La obra supone una renovación en la pintura italiana e influyó en Murillo, Velázquez, Rubens. Caravaggio optó por una escena de interior dentro de una taberna, una acción rutinaria que se interrumpe por un milagro.

Mateo recaudaba impuestos, estaba sentado contando monedas con cuatro ayudantes; por la derecha entra Jesús acompañado de Pedro, extendiendo el brazo señalando a Mateo con el dedo. En el grupo las reacciones son diversas: uno de ellos gesticula dudando a quién se refiere. El gesto de la mano recuerda la mano de Adán en la creación de Miguel Ángel en la capilla Sixtina. El naturalismo resulta patente en todas las personas. Vestidas con moda de la época, con sombreros de pluma, pero uñas sucias. Jesús, pies descalzos y vestido humilde, solo se sabe que es sagrado por la aureola; su cuerpo está tapado por el apóstol.

El autor amostra el acontecimiento sagrado próximo a nosotros. La acción sucede en medio del silencio, sin movimiento físico y dentro de oscuridad perfecta; el foco de luz es diagonal, hace salir de las sombras formas sumidas en la penumbra y trae al primer plano para dar volumen. Son Cristo y el apóstol quienes traen la luz. La composición resulta así: Cristo y Mateo no ocupan el lugar principal. El fondo es neutro y oscuro. La luz tiene remarcados los rostros y los gestos. La luz crea tensión dramática y guía la mirada desde Cristo hacia Mateo. La gama cromática es roja, destacando el bermellón y el amarillo de las vestiduras.

Ficha: Aguador de Sevilla

• Estilo: Arte barroco
• Cronología: Hacia 1622 (estancia en Sevilla)
• Título: El aguador de Sevilla
• Autor: Velázquez
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Localización: Palacio de Apsley House (Londres)

El siglo XVII fue el de oro de la pintura. En un país en crisis que influyó en nosotros, escultura (madera-mármol o bronce), pintura (fresco-óleo). La nobleza y la Iglesia poco recibían y la burguesía debía, las obras más importantes por iglesia o por encargo de los pintores reales. Características: pintura naturalista, gran simbolismo, temas religiosos, retratos, bodegones, zurbaranes, Velázquez, Murillo...

Velázquez nació en Sevilla, recibió formación de Pacheco, conoció a pintor Felipe IV y viajó a Italia, cuyos cuadros influyeron. Su obra es abundante y variada. Dos etapas: la sevillana hasta 1623, El aguador y Vieja friendo huevos, y la madrileña como pintor de la corte, cuyas pinceladas evolucionan hacia un carácter impresionista.

El óleo sobre lienzo de la etapa sevillana es obra destacada de su mínima cultura: el asunto era novedoso ya que era un tema muy trivial. La pintura barroca en España acaba personalizándose, sobresale en Europa, parte del naturalismo tenebrista de Caravaggio y el color de Rubens. La pobreza de los naturales, la clientela reducida a la conventual y cofradías, de ahí la importancia del mecenazgo de la monarquía. Procede del natural, plasma las calidades y volúmenes. Consolida composición con bodegones con figuras muy usuales y característicos de esta etapa de Velázquez. Fue realizado tras la Vieja friendo huevos. El aguador es realmente conocido como El Aguador de Sevilla, y el oficio era muy habitual. Algunos ven una representación alegórica de las tres edades del hombre. Optó por un punto de vista bajo para amar las tres figuras; en primer plano el gran cántaro. Tratado con mayor cuidado, puedes apreciar el agua que rezuma, la mancha... El dominio técnico es total, en la luz, en el color... La exquisitez viene en el cántaro de la izquierda y en la copa de agua con una figura. Las personas están inmersas en un espacio indefinido. El aguador atiende su puesto con la mesa de madera sobre la que descansa el cántaro y, con la mano izquierda (escorzo), agarra el cántaro y con la derecha ofrece una copa al joven que la coge; en la penumbra se ve al hombre beber. La paleta de color es oscura (ocres), destacan los brazos en las vestiduras, el color es aplicado en pinceladas a toques. La iluminación es desde la izquierda, crea claroscuro. La luz describe un espacio que parte del cántaro hasta las tres cabezas; el centro son las manos. Todo queda en un ambiente intimista que otorga a la obra un carácter máximo y extraño.

Ficha: La fragua de Vulcano

• Estilo: Arte barroco
• Cronología: Primer viaje a Italia, 1629-1631
• Título: La fragua de Vulcano
• Autor: Velázquez
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Localización: Museo del Prado

Obra sin encargo previo, que luego sirvió para decorar el Palacio del Buen Retiro. El tema es mitológico con figuras desnudas, algo raro en la pintura tradicional española; el asunto es tratado como escena de género. Pintada en su primer viaje, pagada por el rey para comprar obra. Tras instalarse en Madrid, los cuadros amplían las colecciones reales, cientos de retratos y temas mitológicos. En este viaje copia de los grandes pintores y abandona el tenebrismo.

La obra presenta el momento en que Apolo, descendido del Olimpo hasta la fragua de Vulcano, para decir que su mujer Venus le había sido infiel con Marte. En el transcurso se narra un contenido alegórico. La hipótesis pretende reflejar la superioridad del arte, encarnado en Apolo, sobre el arte de Vulcano. Fue una larga reivindicación. Velázquez fundó tres géneros distintos: el mito, la escena de género y la plasmación detallada de los objetos. En esta línea viene la captación de minucioso objeto del taller. Destaca la cora con los brillos, las texturas de las herramientas, la lámpara de aceite, la sombra de la jarra, el resplandor del fuego. Escoge el momento de una acción detenida por el acontecimiento, el movimiento físico es sustituido por la emoción, en el que Vulcano y sus ayudantes quedan asombrados. El autor analiza psicológicamente las expresiones: la indignación de Vulcano y la sorpresa de los ayudantes que detienen el trabajo. El mensajero, con su ilusión irreal, sirve para realizar su papel máximo, a modo de actuación despreocupada.

La composición es vertical, pero al mismo tiempo todo se cierra en el centro, mientras que Apolo se recorta sobre el vano abierto. Las dos figuras principales pueden presentarse sobre el resto. La introducción del desnudo permite apreciar el estudio anatómico, con musculatura que debe recordar lo clásico. En Vulcano se ve la deformidad física. Apolo tiene cuerpo menos musculoso con aspecto divino. Velázquez integra los contrastes: espacio exterior visible, ideal de Apolo frente al naturalismo de Vulcano. Combina mito con vida cotidiana, estatus y física. Es pintura reflexiva. Destaca la iluminación con tres focos: el exterior con una paleta con personajes aéreos, el fuego, y la luz de la aureola divina, que es el foco de atención. Los colores principales son los ocres, pero resaltan el rojo en el manto de Apolo y el bermellón en el metal. Predomina lo oscuro, pero la pincelada es suelta. Ensaya la perspectiva aérea en el interior, como en el brazo de Vulcano pero con torpeza, pues el yunque no está tan cerca como para perder la nitidez.