La Escultura del Siglo XX: Del Vacío de Henry Moore al Movimiento de Alexander Calder

Figura acostada

• Cronología: 1938
• Estilo: Arte abstracto
• Técnica: Talla
• Material: Piedra
• Formas: Escultura exenta
• Tipología: Yacente
• Cromatismo: Monocroma
• Dimensiones: 1,32 m
• Localización: Tate Gallery en Londres

Contexto histórico

Henry Moore (1898-1986) ha sido el escultor británico más importante del siglo XX. Se interesó por el arte primitivo y el arte precolombino, dedicando su actividad a la vida humana y al tema de la maternidad. Sus mujeres reclinadas son monumentales y expresivas, bellas a pesar de la ausencia de facciones que se puedan reconocer; recoge las experimentaciones sobre el vacío escultórico. Destaca la terminación pulida y suave de sus obras.

Análisis formal

Composición

La escultura está compuesta por una mujer reclinada sobre una superficie horizontal que exhibe un gran vacío bajo los pechos. La mujer se plasma de una manera simbólicamente esquemática. En la composición predomina la línea curva que transmite tranquilidad y reposo; Henry Moore fue uno de los primeros en definir formas a través del vacío. El escultor ataca el abdomen de la mujer para crear, en la mente del observador, una imagen única del seno materno.

Estilo

Henry Moore, como escultor, se encontró inmerso en un marco tradicionalmente ligado a un naturalismo o realismo más o menos estricto. Al inicio del siglo XX, los escultores buscaban formas alternativas de expresar la propia subjetividad que no implicaran necesariamente la reproducción de la realidad. Moore andaba buscando una expresión más sincera y auténtica en el retorno de la función primera de la escultura, mágica y religiosa; se sintió fascinado por el arte primitivo y por su capacidad integradora del ser humano en las fuerzas cósmicas.

Interpretación: Contenido y significación

Moore usó uno de sus motivos predilectos: la representación del concepto de madre como refugio de las miserias de este mundo y como lugar donde encontrar la paz. Las formas redondas evocan fuerzas vitales fructificadoras. El significativo espacio vacío bajo los pechos se convierte en la cavidad acogedora. La figura acostada también se ha leído como un llamamiento a las fuerzas ocultas y desconocidas que determinan la esencia de la humanidad.

Función

Decorar un espacio concreto para ser contemplada.

Stabile-mobile

• Cronología: 1965
• Estilo: Arte cinético
• Materiales: Alambres y placas de metal
• Formas: Escultura exenta
• Tipología: De pie
• Cromatismo: Policroma
• Dimensiones: 1,40 m
• Localización: Colección particular

Contexto histórico

Esta obra pertenece al arte cinético, que centra su atención en la búsqueda de movimiento, tanto real como sugerido a base de efectos ópticos. El arte cinético conecta con el Constructivismo y el Futurismo de las primeras décadas del siglo; aplican principios científicos para conseguir el efecto de movimiento continuo a base de cuadros de color yuxtapuestos, de espirales o de sucesiones rítmicas de colores.

Análisis formal

Composición

Los Stabile-mobile son construcciones hechas a partir de planchas de hierro que sirven de base a los alambres que sostienen placas de metal. La formación como ingeniero industrial de Calder le ayudó a solucionar los problemas técnicos derivados de una concepción escultórica tan innovadora.

Estilo

Calder dio un giro de 180º a la concepción que se había tenido de la escultura hasta ese momento, considerada siempre estática e inamovible. Inició la escultura cinética, la escultura del movimiento.

Interpretación: Contenido y significación

El movimiento constante de las placas de metal confiere a los Stabile-mobile un carácter orgánico y provisional que los acerca a la naturaleza. Es una alegoría del movimiento de traslación que hace la Tierra acompañada de la Luna alrededor del Sol.

Función

Decorar espacios públicos.