Obras clave de Goya y Cézanne: pintura, historia del arte y simbolismo
Paulina Borghese. 1807. Antonio Canova. Galería Borghese, Roma
La obra es un retrato de Paulina Bonaparte, hermana del emperador, representada como Venus, símbolo de la belleza femenina. La figura, esculpida en mármol blanco perfectamente pulimentado, cubre ligeramente su desnudez. Se encuentra reclinada en un triclinium y de ella emana una gran sensualidad. La manzana que tiene en su mano alude al premio que Venus recibió de Paris al vencer por su belleza a otras diosas. El artista logra un perfecto equilibrio entre realismo e idealización y resume magistralmente los ideales del neoclasicismo en cuanto a la pureza de las formas y al equilibrio.
Hay un claro precedente de esta representación en la pintura de David, Madame Récamier.
La noche estrellada. 1889
Obra de su etapa final, pintada durante su estancia en el hospital psiquiátrico. Van Gogh está recluido, pero le dejan pintar en el exterior. Es su verdadera terapia, ya que solo vive para la pintura. El tema representado es el cielo nocturno: una noche estrellada. En esta época pintará escenas nocturnas al aire libre, provisto de candiles que colocaba en el ala de su sombrero y alrededor del lienzo.
En primer término se encuentran dos cipreses, uno de los cuales llega hasta el límite superior del cuadro, que en paralelo con el campanario de la iglesia marca un fuerte impulso ascensional en la obra. El cielo, que ocupa la mayor parte de la superficie del cuadro, está atravesado por dos enormes espirales. Once estrellas lo iluminan, transmitiendo inquietud, y a la derecha se encuentra la figura de un sol-luna. En el horizonte, una brillante luz amarilla se extiende por encima de las colinas. Las casas del pueblo están trazadas con líneas rectas y formas geométricas básicas como rectángulos, triángulos y cuadrados.
El azul es el color dominante, y con él contrastan el amarillo de las luces celestes y las ventanas, así como el verde de los cipreses. El color adquiere un extraordinario valor como recurso expresivo. La pincelada gruesa, cargada de materia pictórica, sigue las formas de los objetos representados: paralelas y concéntricas en los astros, sinuosas en los cipreses y rectas en las casas. Los dos cipreses actúan de nexo de unión con el cielo y parecen perderse en la altura, hacia el firmamento.
La obra transmite una intensa sensación de inquietud y desasosiego espiritual. El cielo se mueve como un mar de olas, reflejando su alma atormentada.
Los jugadores de cartas. 1890-95
Cézanne pintó cinco versiones de este tema. Dos hombres juegan a las cartas sentados a ambos lados de una mesa, sobre la que hay una botella de vino, un tema muy cotidiano.
En la composición de la obra, la botella actúa como eje de simetría, delimitando dos mitades desiguales, siendo mayor la de la parte izquierda, ya que el personaje de la derecha aparece recortado por el borde del cuadro. El punto donde convergen las miradas se encuentra en las manos de los jugadores. También Cézanne capta la relación psicológica entre los dos jugadores a través de sus posturas, ya que no hay la menor expresión en los rostros: uno concentrado en escoger la carta que ha de jugar y el otro esperando.
Sin embargo, la verdadera importancia del cuadro se encuentra en el tratamiento de los volúmenes, que está expresado con el color; precedente del cubismo, le interesan las formas: la botella, las manos. Para Cézanne, la naturaleza puede reducirse a simples volúmenes geométricos, que es donde se encuentra la esencia de cada figura, prescindiendo de todo lo accesorio. Estos volúmenes vienen definidos por la línea que delimita las formas y, sobre todo, por el color que se aplica en pinceladas breves de diferentes tonalidades.
Fase 1. Juventud y formación
Nace el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos. Es de zaragozano, capital de provincia, y tarda mucho en ser pintor porque es hijo de un artesano. Es un artista de formación lenta, pero bien asentada. A los 14 años comienza con José Luzán. Fue discípulo de los Bayeu, que son pintores en la corte, casándose con una hija de ellos. Se presentó varias veces al certamen de la Academia de San Fernando y lo rechazaron. En 1770 va a Italia, donde aprende mucho y obtiene un éxito con «Aníbal atravesando los Alpes». A la vuelta consigue encargos y trabajo al fresco. En 1771 presenta su proyecto para la decoración de la bóveda del coreto de El Pilar, frente a la Santa Capilla, con la pintura «La adoración del nombre de Dios por los ángeles». Pinturas de la Cartuja con escenas de la vida de la Virgen. Pequeñas obras en Sabiñánigo, Calatayud y iglesias aragonesas. A esta primera fase no pertenece la cúpula Regina Martyrum del Pilar de Zaragoza, con esto fue motivo de ruptura. En cartas a Martín Zapater muestra su malestar por el rechazo de Aragón.
Fase 2. Pintor en Madrid
A partir de 1774 pinta en tapiz. Llega para trabajar como cartonista en la Real Fábrica de Tapices. Sus bocetos previos para la confección de los tapices van pintando de forma abocetada y reflejan la vida madrileña; las pinta de manera ágil y alegre. Ya se aprecia el dominio de la composición, un extraordinario sentido del espacio y la luz. «La vendimia», «La primavera», «El quitasol», «El cacharrero», «La gallina ciega»... Es admitido en la Academia de Bellas Artes, le hizo hacer la obra de «Cristo crucificado». Se ve su influencia, pintura de Mengs. En ese año recibe el encargo de Regina Martyrum de 212 m² y altura 28 m (la hizo en 4 meses). Tuvo que ser corregida por su cuñado. Introdujo elementos de pintura suelta, elementos del pueblo. A finales de la década de los 80 comienza a tener clientes privados, esto le da mucha fama y dinero. Refleja el carácter, la personalidad del retratado. Retrata personas y familias: «La familia del duque de Osuna», «Jovellanos», «Moratín». En 1788 muere Carlos III, comienza el reinado de Carlos IV. Goya es nombrado pintor de cámara del Rey. Coincide con la Revolución francesa, poco a poco avanza su liberalismo. En esta fase evoluciona. La culminación en esta fase será «Los caprichos», en 1789, que fueron prohibidos por la Inquisición.
Fase 3
Esta etapa comienza con los grabados. En 1792 se inicia la etapa decisiva en su vida, debido a una enfermedad que lo deja sordo; se vuelve una persona más agria y se vuelca en su mundo interior. Probablemente hubo también desengaños amorosos (duquesa de Alba). Lo más importante es la obra gráfica. Destaca: «Caprichos», «Desastres», «Tauromaquia» y «Disparates». Década de los 90: fue a Cádiz para recuperarse de su enfermedad. En esta fase hay una relación con la duquesa de Alba. Evoluciona su pintura: pincelada más suelta, una especie de «acuarela» que la aplica luego al óleo. Destaca en esta fase la capilla de San Antonio de la Florida. Aplicó toda la libertad que no había podido antes. Refleja el pueblo de Madrid tal cual es (niños, mendigos...). En esta fase pintó los caprichos. En la corte, a partir de 1800, pintó: «La condesa de Chinchón» (la mujer de Godoy). Las dos majas desnuda y vestida fueron para Godoy, saliendo años después a la luz. En 1800 realizó su mejor retrato de familia real en la España: «Familia de Carlos IV», cuadro propagandista, en el que se ve el carácter de cada uno.
Fase 4. La Guerra de la Independencia y sus consecuencias
La Guerra de la Independencia marca un nuevo hito en su vida, que le lleva a una amarga reflexión sobre la irracionalidad latente en la naturaleza humana y a un profundo pesimismo. Los desastres: crónica de la guerra, que no se hizo visible hasta el siglo XX. Los disparates: reflejan el mundo surrealista, son pesimistas (fueron prohibidos). El mundo de los sueños (los disparates), el sueño. Destacan: «El 2 de mayo», a la carga de los mamelucos, y «Los fusilamientos del 3 de mayo», a los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío. Equivalentes a los disparates en la pintura son las «pinturas negras». Eran las paredes de su casa, cuando iba a ser derribada, arrancaron las pinturas y pasaron de fresco a lienzo. Se le conoce a la mujer (su amante en la época), Leocadia Weiss, con el vuelo. Tuvo una hija. Como consecuencia de todo esto, desengañado con la política de Fernando VII, se exilia a Francia en 1823 (trienio liberal) y muere en Burdeos. En Burdeos aprendió la técnica de la litografía. Destaca «La lechera de Burdeos», casi impresionista. Conjunto de pinturas murales de Aula Dei, al fresco, de gran tamaño. Ya había hecho su primer viaje a Italia, mezcla de barroco y neoclasicismo.
Después de la Guerra de la Independencia
Los desastres: los ejecutores son anónimos. Iluminación del farol y la camisa blanca (gesto como Jesucristo). Reacciones individuales de cada persona ante la muerte. Los fusilamientos se parecen a «La carga de mamelucos». El coloso es el símbolo de la guerra. En las pinturas negras, refleja su interior. Duelo a garrotazos, símbolo de los dos españoles. Saturno devorando a sus hijos: un dios mitológico que está devorando a sus hijos. Hasta 100 años después se llega a este expresionismo. «La lechera de Burdeos», impresionismo.