Teatro, Danza y Comedia del Arte: Renacimiento y Barroco
Enviado por Comunidad Wikiteka y clasificado en Español
Escrito el en 
español con un tamaño de 4,46 KB
El Renacimiento: Un Nuevo Paradigma Teatral
El humanismo fue la corriente de pensamiento que permitió esta revolución intelectual, moral y espiritual, y propició, además, la ruptura con la tradición del teatro religioso medieval.
Tipos de Teatro en el Renacimiento
- Teatro universitario: En las universidades se hacía un teatro escolar también en latín que respondía a la máxima humanista docere et delectare – enseñar y complacer–.
- Teatro elitista: En los ambientes cortesanos se desarrolló un teatro llamado áulico (perteneciente a la corte o al palacio) muy desacralizado.
- Teatro religioso: Todavía muy importante.
- Teatro popular: Es un tipo de teatro costumbrista de situaciones típicas, como maridos engañados por estudiantes avispados, y de personajes arquetípicos, como el personaje rústico. Eran comedias con las que burlarse de estos personajes y situaciones. El autor más representativo es Lope de Rueda.
La Danza Renacentista
En cuanto a la danza, destaca la aparición de la figura del maestro de danza, que sirve de puente entre las danzas populares y las cortesanas. Son danzas del Renacimiento la pavana, la gallarda, la volta, la alemanda, la courante, la gavota y el branle.
El más popular era el branle, una danza que consistía en imitar oficios y acciones con accesorios. Así, las lavanderas daban palmas imitando a la colada, el baile de los caballos se reproducía con zuecos y la danza de las llamas con antorchas.
La Commedia dell'Arte: Improvisación y Máscaras
La commedia dell'arte nació en Italia durante el Renacimiento. Los personajes, siempre fijos. La mujer se incorporó. Teatro improvisado. Tocaban instrumentos y bailaban.
Personajes de la Commedia dell'Arte
- Los criados o zanni solían ser dos, uno inteligente y otro memo.
- Los señores o padroni son los personajes que se ridiculizan.
La Máscara en la Commedia dell'Arte
La máscara pone el énfasis sobre la totalidad del cuerpo del actor y de la actriz, al quitarle la gestualidad facial y acentuar su animalidad. Además, la comedia del arte inventó la media máscara. Todos los personajes de la comedia del arte llevaban máscara, excepto la criada y los enamorados.
Pervivencia y Significado de la Commedia dell'Arte
Teatro de crítica social, pretendía reflejar los problemas eternos de los conflictos humanos.
El Barroco: El Teatro de la Palabra
Género literario por excelencia, proliferación de obras y autores, compañías grandes.
Las Representaciones Barrocas
- La representación se realizaba a la luz del día. Se solía tender un toldo en caso de lluvia o de excesivo calor.
- Comenzaba con música para acallar al público. A continuación, el director de la compañía o un actor principal decía la loa o elogio a los espectadores. Después comenzaba el primer acto. Entre los actos solía representarse un entremés, una pequeña obra humorística. Al final se representaba una mojiganga (pequeñísima obra cómica con personajes ridículos) acompañada por un baile.
Recursos Escénicos del Teatro Barroco
- Apariencias: Eran telones o lienzos pintados que mostraban acciones difíciles de representar.
- Tramoyas: Conjunto de mecanismos que sirven para efectuar los cambios de decorado y efectos especiales.
- Escotillones: Consistían en aberturas que permitían la entrada en escena de un personaje o figura desde abajo.
- Bofetones: Estos artilugios, que giraban rápidamente, hacían aparecer o desaparecer personas u objetos.
El Nuevo Arte de Hacer Comedias de Lope de Vega
En El nuevo arte de hacer comedias (1609) Lope de Vega propone:
- División de la obra en tres actos (en el teatro clásico se dividía en 5).
- Mezcla de lo trágico y lo cómico (en el teatro clásico siempre se diferenciaban).
- Ruptura de las unidades de acción, tiempo y lugar.
- Los protagonistas son personajes arquetipo.
- Se dirige al público del corral de comedias, un público popular.